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Hay fechas en el calendario que funcionan como una marea porque regresan con fuerza, arrastran la rutina y dejan al descubierto lo que habita en el fondo de nuestra memoria, el día de muertos es, sin duda una de ellas.

En México, esta tradición no es un ejercicio de luto silencioso, sino una celebración sonora donde la muerte dialoga de tú a tú con la vida y en ese diálogo las palabras habladas a veces se quedan cortas por eso recurrimos a la música.

Las canciones operan como un archivo emocional infalible, una llave capaz de abrir las puertas del tiempo para traernos de vuelta la voz, la risa y la presencia de quienes ya no están físicamente con nosotros.

¿Por qué la música despierta la memoria?

La memoria humana es un laberinto fascinante y el sentido del oído posee un pasadizo secreto hacia ella.

 A diferencia de un objeto estático o una fotografía que capturan un instante congelado, la música transcurre en el tiempo y nos acompaña cuando escuchamos una melodía que compartimos con un ser querido, no recordamos únicamente el evento sino revivimos el pulso exacto de aquel momento, el clima emocional, los aromas y hasta el eco de su voz en el lugar.

La música reconstruye el puente que la ausencia intenta romper, recordándonos que el amor verdadero no se extingue, solo cambia de frecuencia, basta con escuchar los acordes de aquellos artistas que han inmortalizado el dolor y la memoria colectiva.

Por ejemplo, el “Divo de Juárez” Juan Gabriel quien poseía una capacidad única para cantar al amor eterno y a la ausencia con una honestidad con la que revive la herida, escuchar sus temas en una ofrenda es invocar la alegría festiva de quienes sabían celebrar la vida a pesar de todo. En canciones dedicadas a la memoria y al recuerdo imborrable, nos dejó versos que resuenan como una plegaria moderna:

“Amor eterno e inolvidable,

Pero tarde o temprano yo voy a estar contigo…”  (Juan Gabriel)

Por otro lado, el rock de Caifanes ha sabido traducir el duelo en un rito casi prehispánico, con una atmósfera densa de guitarras y romanticismo oscuro, la banda nos recuerda que la muerte no corta los lazos profundos. En temas emblemáticos de su repertorio, la evocación del ser querido se convierte en una necesidad vital.

“Afuera, afuera tu no existes solo adentro

Afuera no te cuido, solo adentro…” (Caifanes)

No dejando de lado el icónico mariachi que suena en un cementerio o frente a un altar con flores de cempasúchil, el tiempo se detiene.

La música es el idioma oficial de la nostalgia en México, Vicente Fernández, con su potencia interpretativa, logró encapsular el dolor de la pérdida y la certeza de que el cariño trasciende la tumba.

Escuchar temas clásicos de la música ranchera nos conecta con la voz de los abuelos, de los padres o de los amigos que solían cantar con una copa en la mano. Son versos que hablan de la permanencia del alma y del dolor inevitable de la ausencia:

“Solo falta un millón de primaveras,

 Unos cuantos siglos he de adorarte…”  (Vicente Fernández)

Estas letras nos recuerdan que llorar a nuestros muertos a través de la música es también una forma de abrazarlos por última vez.

Durante los primeros días de noviembre, las casas mexicanas huelen a copal, flor de cempasúchil y chocolate caliente, sin embargo, el elemento más poderoso es el sonido. Poner la canción favorita de esa persona que se fue es encender una luz distinta en el altar.

No se trata de una selección musical cualquiera; es una curaduría de la intimidad, es saber qué melodía cantaba nuestro padre en las reuniones familiares, qué bolero le gustaba a la abuela o qué canción entonaba un amigo entrañable, al darles play, los invitamos a sentarse a la mesa, la música actúa como una ofrenda intangible que no se marchita con el calor de las veladoras.

El Día de Muertos nos enseña que recordar no es un acto pasivo, sino una forma de mantener habitado el mundo y que las canciones de Juan Gabriel, Caifanes, Vicente Fernández y tantos otros artistas son los hilos invisibles con los que tejemos de nuevo a nuestros muertos. Nos demuestran que, aunque las personas cambien de plano, su paso por nuestras vidas sigue resonando cada vez que la música comienza a sonar.

Esta es una obra musical compuesta e interpretada por el artista mexicano Humbe , lanzada a finales del 2023 como parte de su exploración sonora más íntima, con una duración de 3 minutos y medio, este sencillo encapsula una frecuencia emocional muy particular, conectando con las más profundas vivencias del duelo y los recuerdos en el proceso.

Hay canciones que solo se oyen por el buen ritmo, pero “fantasmas” se sintoniza con una frecuencia imperceptible que habita en los más hondo de nuestras emociones, desde el primer segundo se establece un canal directo a los rincones donde guardamos aquellos recuerdos, personas que ya no están y todo aquello que extrañamos transformándose en un puente entre el pasado y el presente.

Desde su primer acorde, la letra nos sumerge en una atmosfera de quietud donde los rincones de la casa parecen cobrar vida propia. Versos como “puros recuerdos de tiempos ajenos, de buenos momentos” retratan con precisión este eco cálido que nos dejan nuestros seres queridos cuando se van.

Es inevitable conmoverse cuando el artista canta el verso de “y aunque te lleve en la sangre, me duele sentirte tan lejos…destellas el cielo y ahora te celebro” es una frase que duele porque resume la contradicción en la aceptación y el sentir la necesidad de tener esa presencia física, el tener que aceptar la distancia insalvable del decir adiós.

Es imposible no quebrarse al escuchar “perdón que me tenga que ir” o el imaginar ese brindis suspendido en el tiempo, ese abrazo no dado, ese “te quiero” no dicho y todo aquello que se convirtió en un “ojalá pudieras estar aquí ahora”.

Y en estas fechas de octubre y noviembre cuando el calendario nos empuja a desempolvar los recuerdos y colocar altares para esperar con mucho anhelo a nuestros seres queridos, este tema adquiere un significado monumental, donde nos recuerda que el amor autentico ni con la muerte desaparece, solo cambia de frecuencia.

Al final, los fantasmas de los que nos habla Humbe creo que no se refiere a los que aparecen en las películas de terror, sino que debemos abrazar desde el recuerdo, convirtiendo el dolor de la ausencia en la prueba más pura de que fuimos inmensamente afortunados al coincidir en esta vida con las personas que fallecieron pero que formaron parte importante en nuestra vida.

Aquellas que nos dejaron algunas enseñanzas, como por ejemplo a mí una de las personas más importantes en mi vida y que ahora ya no está entre nosotros me dijo un día “no hay que esperar una fecha especial para hacer algo, que tal si no llegamos a ese día y nos quedamos con esa celebración pendiente” y la frase de “hay que vivir cada día como si fuera el ultimo porque nos sabes que pueda pasar más adelante, siempre despídete de las personas con una sonrisa” y de esa forma es como uno va recordando a nuestro seres queridos en nuestro pensamiento, haciendo lo que ellos nos enseñaron y no dejarlos “en la tierra de los olvidados” sino mantener su recuerdo siempre en nuestro corazón.   

Pocas canciones en el rock en español poseen la capacidad de sumergirnos en un viaje tan interno al escucharlos ya sea con audífonos o en altavoz como “La chispa adecuada”, una de las piezas del álbum llamado “Avalancha” (1995) de Héroes del Silencio, liderados por la inconfundible voz de  Enrique Bunbury, cuyo impacto trasciende de generación en generación y de igual forma de plataformas, manteniéndose viva en el gusto del público a través de espacios como YouTube, Spotify, Apple Music o Deezer.

El tema de esta pieza musical es el dolor de la perdida y la resignación que exige el proceso de soltar algún vínculo afectuoso, líneas como “las palabras fueron avispas” hace alusión a que con el tiempo todo se fue desvaneciendo sin que se pudiera evitar, aquello que se dijeron o se prometieron quedo en el olvido.

Y aunque el mensaje parta del desamor, considero por la cercanía a la que estamos del día de muertos, también lo relaciono con la pérdida de alguien querido, tras el fin de una relación o la partida de un familiar, la rutina compartida se quiebra y da paso a la añoranza de un futuro que ya no podrá construirse juntos.

El verso “No sé distinguir lo complicado de lo simple” “Y ahora estás en mi lista de promesas a olvidar” deja claro que la “chispa” representa la luz, la vida o esa complicidad única que un día existió y que difícilmente se recuperara con la misma intensidad, dejando así un espacio vacío imposible de llenar de inmediato.

Ahí es donde precisamente donde la canción proyecta un lado más sensible, al retratar la crudeza de un final inevitable, la frase “cuando aún te espero llegar” justifica esta etapa del duelo donde la lógica entiende la ausencia, pero el corazón insiste en esperar, asimismo la imagen de estar “queriendo encontrar un arcoíris infinito” simboliza la búsqueda fantasiosa de esperanza o de un milagro que devuelva lo perdido, ambos versos demuestran que, aunque ya exista una despedida formal, el acto de recordar nos enfrenta a la realizase que el proceso de soltar lleva su propio tiempo.

Considero que este tema musical es una obra maestra que todos deberían guardar en su playlist o por lo menos escucharla una vez en su vida, porque logra un equilibrio perfecto entre letra, instrumentación y sobre todo la emoción, no apresura su ritmo y el tono del vocalista desde un susurro melancólico hasta una voz llena de fuerza, no busca consolarte de una forma fácil ni darnos respuestas falsas, sino abrazar la melancolía y darle una forma poética.

Por esta razón, es un buen tema para escuchar durante el trayecto de regreso a casa o en las tareas del día a día y bajarse del ritmo acelerado del mundo, el camino de vuelta a casa suele ser el único momento en que nos quedamos a solas con nuestros pensamientos y escucharla mientras la ciudad avanza se convierte en un espacio en pausa, introspección y memoria, permitiéndonos procesar lo que sentimos y rendir de cierto modo un homenaje silencioso a quienes llevamos en el corazón.

Hay canciones que se escuchan solamente con los oídos, aunque suene un poco ilógico, pero hay otras canciones que se escuchan con la mente, alma y corazón, ya que se su ritmo va directamente a nuestra piel.

Y “No dejes que…” de Caifanes para mí es un claro ejemplo de canción que tienen el poder de cambiar nuestro estado de ánimo apenas reproduciéndolo en el segundo 1.

Fue lanzada en el año de 1990 dentro del álbum llamado “el diablito”, a más de tres décadas de su estreno, la voz de Saúl Hernández y la guitarra de Alejandro Marcovich entendí que no estaba ante una simple balada de desamor, sino ante una advertencia sutil sobre el peso de la vida cotidiana.

Con forme pasa el tiempo, he aprendido que el peligro más grande no siempre es un gran colapso, sino el desgaste silencioso de todos los días, hacer lo mismo todos los días.

“Ver a través del vaso y el tiempo” las expectativas ajenas y la inercia de hacer cosas en piloto automático nos van consumiendo y arrebatando la sensibilidad sin darnos cuenta, hasta que un día nos descubrimos mas fríos, más apáticos, más distantes de quienes solíamos ser.  

“No dejes que…

Nos coma el diablo, amor,

Que se trague tu calor,

Que eructe m dolor…”

En un nivel más directo, “No dejes que…” habla sobre aferrarse al amor frente a la adversidad, defender ese refugio compartido para no permitir que “nos coma el diablo” o que el dolor marchite el calor de una relación.

Es una invitación para que los que tengan un vínculo amoroso, luchen juntos y encontrar la luz en medio de la oscuridad sin importar que, pero mantener viva esa conexión, dejando a un lado el sufrimiento y dificultades de la rutina.

Sin embargo, para mi esta canción va mucho más allá del ámbito romántico ya que a nivel personal, se ha convertido en un himno de resistencia y supervivencia no dejando que “me coma el diablo”, pero, sobre todo, en un vínculo con la memoria de un ser querido que ha fallecido.

Al escucharla, entiendo que ese “tú eres mi guía” no describe necesariamente a alguien que este físicamente a mi lado, sino una luz que me acompañe desde otro plano. La presencia de esa persona especial trasciende la muerte y se transforma en una fuerza protectora.

En el impulso diario que me recuerda que debo seguir avanzando, a pesar del cansancio, la rutina o la incertidumbre del mundo recordando que es importante no dejarnos “comer por el diablo”, seguir adelante “donde los temores se evaporan” conservando nuestra chispa de entusiasmo y autenticidad, con la esperanza de “que algún día estaremos tranquilos”.

En pocas palabras se convierte en un refugio personal y un pacto con nosotros mismos, una promesa de atravesar el humo, el ruido, la rutina y la maldad del mundo “no importándonos saber por qué” y sin permitir que la apatía nos gane, buscando siempre nuestra felicidad propia, en nuestro espacio de paz y aprender a amarnos unos mismos sin dejar que las inseguridades nos afecten.

“No dejes que…” nos invita a reflexionar sobre la importancia de aferrarnos al amor y a la esperanza en medio de la incertidumbre y la oscuridad, recordándonos que podemos superar cualquier obstáculo, encontrar la solución, calma en medio de la tormenta y el arcoiris a la vuelta de la esquina.

Hay canciones que no solo se escuchan, se sienten como traer una chamarra que te abriga en los momentos en los que mas lo necesitas y no sabes a quien recurrir.

Bueno en esta ocasión hablaremos de Ed Maverick, que en cada una de sus canciones evoca una mezcla entre nostalgia, melancolía y autenticidad que hace que su esencia pura haga que tantas personas conecten con sus canciones.

En la juventud en la que el mundo exterior se vuelve una carga muy difícil de sostener y la única salida lógica parece ser el rescate mutuo de dos personas, en esta canción de “Ropa de Bazar” de Ed Maverick y Bratty la idea de ir a un bazar a buscar prendas no es en forma de ir por moda o por pasatiempo sino de ser el refugio de dos personas que solo se tiene la una a la misma para sobrevivir.

En la letra de esta canción no habla de ambiciones ni de un futuro bien planificado, habla de un impulso desesperado por querer irse, dejar a un lado los problemas y buscar otro ángulo de la situación de forma que estén juntos y tranquilos.

Como lo expresa en la línea que dice: “vamonos de aquí, acompáñame…corre y no vuelvas, si quieres yo te ayudo a escapar”, en este verso se ve como expresa de cierta manera el sentimiento de tomar la mano de alguien que la esta pasando mal, sacarlo o sacarla de donde le duele y ofrecerle un espacio seguro aunque el espacio solo sea el asiento de un coche o la habitación de un hotel ya que nada esta planeado.

Ahora bien el que diga “comprar ropa de bazar” se convierte en mas que un símbolo de huida y se convierte en la prueba para construir una vida juntos y que no importa los juicios de los demás, el dinero, el futuro incierto sino que tiene mas relevancia la calidez de vivir el presente, andar juntos, elegir una prenda que para alguien ya es pasado pero para quien la compra es un comienzo improvisado lejos del caos y con la persona que te interesa y es como un lugar seguro.

“Ay, guey, que felicidad de verte y luego tus pecas contar”, en general la canción conmueve porque es un equilibrio entre la urgencia del escape con la paz del afecto cotidiano, salvar a alguien no siempre exige grandes gestos “heroicos” a veces significa ofrecerle un trayecto en carretera, la certeza de que no esta solo o sola y la simplicidad de compartir días sin pretensiones.

Al final “Ropa de Bazar” es de cierta forma una representación de que cuando el entorno es asfixiante, el amor verdadero no busca cambiar el mundo, busca crear uno propio donde lo único importante sea estar juntos , con lo puesto y sin mirar atrás apuntando hacia la felicidad y de no esperar fechas importantes para que sea especial sino disfrutar cada dia que pasa.

Ahora que ya saben mas acerca de esta canción, no olviden queridos lectores agregarlo a su lista de reproducciones, escucharla en un momento donde necesites recordar que hay una salida, siempre hay una salida solo hay que buscar otra perspectiva, despejar la mente aunque solo sea en compañía de tus audífonos y tu, aunque por otra parte tambien podrias dedicarsela a esa persona especial que hace que en momentos de caos te da tranquilidad.

Así es en esta ocasión hablaremos de Doctor Strange y como es que después del accidente que tuvo, la perdida de su trabajo como el mejor neurocirujano y la perdida del amor de su vida, encontró un propósito por el cual seguir.

Doctor Strange es un personaje que a mi parecer es uno de los mejores en cuestión de proyectarnos esa enseñanza de estar en constante búsqueda del conocimiento y reconocer cuando te equivocas.

No solo es hablar de artes místicas, capas flotantes o portales mágicos que aunque son sorprendentes detrás de eso considero que representa una de las tensiones mas humanas y universales por la lucha obsesiva por el control y el doloroso aprendizaje de soltarlo.

Strange era la cúspide del ego moderno, ya que en la historia es un neurocirujano brillante, pragmático y arrogante cuya identidad entera dependía de sus manos y de su capacidad para corregir lo que estaba roto.

Sin embargo, el accidente que destruyo sus manos no solo destruyo sus manos sino también su carrera sobre la que había construido toda su existencia.

Es ahi donde el hechicero supremo deja de ser un simple heroe de comic para convertirse en un espejo donde refleja nuestra propia incapacidad para aceptar la vulnerabilidad.

¿Por qué nos sentiríamos proyectados en Stephen?

Porque vivimos en una cultura obsesionada con dominar cada variable, proyectar certeza y medir nuestro valor a través del éxito profesional que obtenemos.

Strange encarna la crisis que ocurre cuando esa ilusión se rompe y quedamos en el abismo entre quienes somos cuando tenemos el mando y quienes somos cuando nos quedamos con las manos vacías.

Su verdadero viaje místico no empieza al aprender una lección fundamental que Ancestral le resume en una sola frase “No se trata de ti”.

Ahora la magia de Strange no funciona como una herramienta de dominio egoísta sino como una disciplina de rendición y de ayudar a los demás.

Para salvar su universo, debe aceptar que no siempre se puede ganar en sus propios términos, que las cicatrices forman parte del trayecto y que la verdadera fortaleza reside en adaptarse al caos y no en reprimirlo.

Y desde mi perspectiva entre la amplia existencia de héroes y dioses del Multiverso de Marvel, como diría Strange “lo amo en todos los multiversos”, es uno de mis favoritos porque destaca el crecimiento de una persona sanando desde el interior, por su complejidad, su resiliencia y esa constante batalla entre la razón y lo desconocido.

El Hechicero supremo considero que tiene esa combinación perfecta entre el deber ético y la tentación del conocimiento prohibido y eso es lo que hace que sea una elegancia intelectual aunque con un trasfondo trágico y lo convierta en un estudio fascinante de la psique humana.

Origen

Esta canción fue lanzada en 2024, como parte del álbum titulado “Mirada”, ¿Dónde estas? es una de los temas que posicionan al cantautor mexicano-estadounidense Iván Cornejo como uno de los referentes del genero de corridos tumbados melancólicos.

La canción nace del aislamiento y la experimentación acústica de la guitarra, logrando así captar la esencia del desamor y vacío emocional.

En la actualidad es famosa por…

Bueno, el tema aborda un duelo amoroso desde una perspectiva madura, pero a la vez dolorosa.

Ya que no solo queda en una despedida dramática, sino que nos habla de romper la costumbre de estar y compartir mucho tiempo con alguien.

Y de repente de un momento a otro esa rutina se esfuma por no tener los mismos puntos de vista.

“Es que siempre he sido terco, у tú también terca
Siempre era una guerra que nunca se termina”.

Con el impulso de buscar a esa persona a tal grado de soñarla, el volver a los mismos rincones que visitaron solo para reencontrar la compañía de esa persona.

Son justamente estos sentimientos los que expresa Iván cornejo en esta canción.

La desorientación que produce el proceso de dejar ir a la otra persona por la que sentías profundos sentimientos

“¿En dónde estás?” retrata con precisión ese sentir de ver como algo que ya estaba decidido a futuro se desmorona.

No tanto es referirse a una ubicación geográfica, sino más bien cuestionarse o quejarse del ¿Dónde quedo lo que construimos juntos? 

El cantante en la letra de su canción, plasma de una manera que todos los y las que lo escuchamos lo sentimos de manera sincera, al cantarle a la dificultad de aceptar la ausencia y cuestionándose por qué paso clon frases como:

“No es fácil de aceptar que no estás aquí

¿De dónde te salió que ya no me querías a mí?”

A diferencia de otros géneros donde el despecho se describe en busca de venganza, enojo y orgullo en esta canción expresa la tristeza, la nostalgia de extrañar a alguien y la desesperación de no poder continuar con su vida sin que le afecte como lo dice en la letra.

“Ya hasta empecé a ir a clases de terapia, Salí con varias ninguna te alcanza”.

Y como lo mencionaba anteriormente, toma la ausencia de un amor pasado, la imposibilidad de superar ese luto emocional y el vacío que deja el ya no saber más de ese alguien especial.

Para finalizar mencionare que tanto la letra como el video le va muy bien a la temática de la canción ya que el uso del astronauta en un paisaje solitario refuerza la idea de que el proceso de aceptación a veces se puede sentir como estar en otro planeta desconectado del mundo exterior a causa del dolor.

Wolverine o como otros también lo conocen como Logan es un superhéroe con una sorprendente fuerza bruta que gracias a esto tiene la capacidad que otros no de resistir el dolor y no es presa fácil de la muerte.

Origen

En la historia este personaje nace a finales el siglo XIX en Canadá, como un niño el cual era de cierta forma normal llamado James Howlett y de cierta forma frágil, el camino de Logan nunca estuvo trazado por la gloria, sino por el trauma.

De ser un humano normal pasa a ser sometido al proyecto Weapon X, este era un proceso nuevo que estaban probando los militares, donde le inyectaban directamente a su sistema óseo “adamantium” el cual es el metal más duro de la tierra dándole las garras de hueso que después fueron de metal y la fuerza sobrehumana.

Con estas nuevas características ya no solo lo utilizarían por su fuerza, sino que lo convirtieron en un arma perfecta de destrucción, pero ni el metal ni mucho menos el borrarle la memoria pudieron deshacer a esa esencia del hombre detrás de las garras de metal que ahora portaba.

Más adelante en las películas, se muestra como para Logan el súperpoder de la regeneración y la inmortalidad jamás fueron algo de lo que él quisiera y usara con orgullo, al contrario, lo tomo como una condena, en específico la inmortalidad para logan se transformó en su tormento de cierta forma invisible.

Pero porque fue así, bueno en las películas se explica al igual que en los comics, como es que Logan está atrapado en el tiempo prácticamente, fue obligado a parte de destruir enemigos a ver envejecer y morir a cada persona que para Logan eran especiales, acumulando al paso del tiempo un conjunto de dolor y emociones reprimidas.

Para nosotros sus fans o admiradoras del personaje, nos puede resonar la historia de Logan porque de cierta forma representa también nuestras heridas que nos dejan una cicatriz de por vida, no solo vemos el súperpoder de que es invencible sino también la voluntad que refleja al seguir de pie aun cuando tiene conflictos internos sin resolver y aun así ayudar, proteger y empatizar con las demás personas a su alrededor.

Su triste final.

Finalmente, Wolverine o Logan en la película de 2017 terriblemente cede al envenenamiento por metal, pero ahora había encontrado un motivo para sobrevivir que no era la batalla, pero lamentablemente se sacrificó por Laura (X-23) que aparece siendo su hija, esto se da por querer proteger a la nueva generación de mutantes y que su hija de logan pueda vivir una vida diferente sin ataduras a diferencia de la de Logan.

Logan muere sosteniendo la mano de su hija Laura y a su vez dan a entender que por primera vez en siglos de la vida de Wolverine, descansa tras haber experimentado el amor paternal y sentir la paz de ser salvado de su propia condena de la inmortalidad.

Hoy hablare de una canción que acaba de salir el 3 de septiembre 2026 llamada “Vasos de whisky” del Cantante Harold Armenta, empezó a circular primero en la plataforma de Tik Tok y de ahí a las demás redes sociales.

A simple vista puede ser una más de las canciones de desamor pero no, el tono melancólico que tiene va más allá del desamor, narra su sentimiento de ahogarse en sus propios recuerdos.

En la letra de su canción va dejando ver que el olvidar y dejar ir a una persona es difícil y que cada que pasan los días puede que lo lleven a “tomar malas decisiones” donde el whisky es un compañero en sus noches de insomnio.

Y como lo expresa en la línea de los primeros minutos “es el alcohol el que me lleva a hacer canciones extrañando tu amor y ahora botellas se encargan de los dolores”.

La música que se inspira del despecho no es nueva en nuestro contexto cultural, pero en la forma en la que “vasos de whisky” aborda la nostalgia resulta desgarradoramente honesta y un sentimiento desde lo más profundo del corazón.

“Dime que me quieres

aunque sea mentira

dilo para estar más tranquilo

pa’ que cuando caiga la noche

los vasos de whisky no sean mis amigos”  

Aquí la referencia de la bebida no funciona como un cliché festivo, sino como una forma de evadir el sentimiento del querer y extrañar a alguien, pero no poder estar juntos, cada verso construye un ambiente donde además del whisky, el hielo y el vaso de cristal se vuelve los únicos testigos de una ausencia que quema mientras la mente no para de sentir ese faltante y lo expresa en su línea “Tu mi amor , tan bello y dulce ausente corazón y yo buscándote en botellas de licor”.

Lo fascinante en esta canción es la manera en la que transforma la experiencia de el en un dolor colectivo para todas las personas que lo escuchan ya que, al sonar las primeras notas, la soledad del interprete hace que las personas se sientan identificadas, de esta forma demuestra que la música tiene la capacidad de servir como catarsis, donde el peso de los fantasmas siempre se siente un poco más ligero cuando se canta en voz alta.

 “Dimelo, abrazame y por fa no te vayas otra vez”

Al final la canción no solo es un retrato del olvido que con la bebida termina siendo un intento fallido, sino más bien le canta a la vulnerabilidad humana, donde el artista Harold Armenta nos entrega un tema que no busca ignorar la tristeza, sino acompañarla sirviendo una dosis pura de nostalgia para quienes aún estamos aprendiendo a decir adiós.

Hay una gran línea entre la obsesión y el deseo que puede llegar a sentir una persona, en esta ocasión Latín Mafia lo expresa con absoluto éxito en su colaboración con el productor británico Fred again con el tema “Te estoy correteando”.

A mi parecer su éxito no es un accidente algorítmico, sino el resultado de entender exactamente cómo se siente amar, extrañar y perseguir a esa persona en la que pensamos cada que escuchamos esta canción y que por ende es especial para nosotros.

Lo fascinante del track y por lo que se caracteriza mas es por la producción coqueta con texturas electrónicas de ritmo acelerado, podríamos decir que envolventes, mientras que la interpretación vocal navega con un tono de melancolía, esta canción nos invita a bailar, pero al mismo tiempo deja un vacío en lo profundo de nuestro corazón.

El peso de la letra y el significado del “correteo”

En la letra de esta canción, Latín Mafia condensa una narrativa de vulnerabilidad directa y sin filtros que sostiene toda una carga emocional de la canción:

“Te estoy correteando

Ya sal de mi mente que te quiero ver

Ya van varios días enfermo de ti

Dale, ven…”

La palabra “Corretear” es usado en el español mexicano para describir la acción de perseguir a alguien de forma inalcanzable por lo que en la canción adquiere una dimensión poética y fácil de cierta forma de proyectarnos como seguidores de este artista.

La interpretación va más allá de una simple búsqueda física, busca la conexión mental de la etapa del enamoramiento y la nostalgia que la presencia de la otra persona se apodera hasta casi volverse una invasión casi física.

En esta época marcada por la frialdad, desapego simulado y miedo a mostrar interés en las relaciones de pareja, la letra actúa como una declaración guerra, donde no hay espacio para el orgullo ni para los juegos de la indiferencia, es una súplica honesta, un grito desesperado por llevar la conexión del plano mental a lo físico.

Latín Mafia demuestra una vez más porque lidera el nuevo movimiento independiente en México y que no intentan encajar en la industria tradicional, al contrario convierte la ansiedad juvenil, la urgencia urbana en la mezcla ecléctica de géneros en un excelente tema musical como lo es “Te estoy correteando” no es solo un éxito para la pista de baile sino que se convirtió en una radiografía sonora del deseo contemporáneo.