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Hoy en hablemos de cine tenemos como recomendación “El laberinto del fauno” escrita y dirigida por Guillermo del Toro tras cumplir 20 años de su estreno, llega a los cines de nuevo pero con una versión renovada.

Regresó a los cines mexicanos el 15 de octubre de 2026, con una restauración en 4 K para apreciar mejor los detalles visuales y por primera vez se presenta en México una conversión tridimensional de la película, la idea de Guillermo es que quienes la vieron hace 20 años puedan disfrutarla otra vez en pantalla grande y que quien no la conocen tengan la oportunidad de verla en cine.

Pero ahora hablemos de que trata la película y el ¿por que todos deberíamos de ver cine mexicano? Esta ambientada en la España de 1944 durante el contexto sobre la represión franquista en España después de la guerra Civil, España se encuentra bajo la dictadura de Francisco Franco y todavía hay guerrilleros que luchan contra este régimen.

Y tenemos a nuestra protagonista principal Ofelia, hija de Carmen cuya mujer era viuda y decide casarse con el capitán Vidal para posteriormente embarazarse de el, sin embargo, el padre de Ofelia era un sastre, lo cual los ponía a los tres en una situación critica y de pobreza y de ahí se desata la decisión de Carmen.

Ofelia llega a un campamento en medio del bosque donde vive el nuevo esposo de su madre, desde que llega, Ofelia se encuentra en un ambiente desagradable, con soldados, violencia, miedo y una autoridad que no permite que nadie la cuestione.

Mientras intenta adaptarse a su nueva vida, descubre un antiguo laberinto de piedra, ahí conoce al fauno, que le dice que, en realidad, ella es una princesa de un reino subterráneo, que hace mucho tiempo, la princesa escapó de su reino y llegó al mundo de los humanos, donde perdió la memoria y su identidad, ahora tiene la oportunidad de regresar, pero antes debe demostrar que sigue siendo digna de su lugar.

Y así conforme avanza la película nos explican un poco más sobre la historia que tendrá que atravesar Ofelia para enfrentar aquello que resulta demasiado doloroso para comprender y quizá ahí se encuentra una de las ideas más conmovedoras de la película, cuando el mundo de los adultos se vuelve cruel, la imaginación puede convertirse en el ultimo refugio de la inocencia.

Guillermo del Toro construye un relato en el que la verdadera monstruosidad no siempre tiene garras, ojos extraños o una apariencia inhumana, a veces lleva uniforme, exige obediencia y justifica sus actos en nombre del deber.

Visualmente la película es una experiencia que merece disfrutarse en una sala de cine, la fotografía , los escenarios, el maquillaje y el diseño de las criaturas construyen una atmósfera en la que lo hermoso y lo perturbador conviven constantemente, los tonos oscuros, los espacios opresivos y los detalles de cada ser fantástico hacen que el espectador sienta que esta entrando en un cuento de hadas que ha perdido cualquier promesa de un final feliz, la musica, por su parte, acompaña la historia con una melancolía que permanece incluso después de que aparecen los créditos.

Veinte años después, el regreso de la película también invita a pensar en la vigencia de sus temas, aunque pertenece a un momento histórico en especifico, volver a verla no significa únicamente reencontrarnos con una obra reconocida de nuestro cineasta mexicano favorito, sino preguntarnos por que seguimos necesitando historias que nos recuerden el valor de resistir frente a la injusticia.

Porque, al final, el laberinto nunca fue únicamente un lugar lleno de pasadizos y criaturas extrañas, también es ese espacio oscuro al que entramos cuando intentamos encontrar una salida a un mundo que parece no tenerla y algunas películas, como esta, nos recuerdan que incluso en los momentos más difíciles, todavía podemos elegir que clase de persona queremos ser.

Por eso en hablemos de cine les traemos esta recomendación para poder disfrutar todos en familia y volver a muchas infancias o encontrar una nueva película favorita, quédate como cada semana para mas recomendaciones de cine.

Hoy en hablemos de cine traemos para esta semana una recomendación distinta, es un documental estrenado en la plataforma de Netflix, sobre un caso controversial que escandalizo a todo México, dirigido por Maite Alberdi, que reconstruye una historia real ocurrida en México y que más allá del escándalo que provocó, expone una problemática que sigue presente la presión social que existe alrededor de la maternidad.

Y aquí surge las siguientes preguntas ¿En qué momento el deseo de ser madre deja de pertenecernos y comienza a convertirse en una obligación impuesta por los demás? ¿Cuánto puede pesar la mirada de una familia, de una pareja o de una sociedad que parece medir la plenitud de una mujer a partir de su capacidad para tener hijos?

La historia de Alejandra, una mujer que después de sufrir varios abortos espontáneos finge un embarazo y termina involucrada en un crimen, que resulta tan perturbadora como incómoda esta historia, no solo por las decisiones que toma, sino porque obliga al espectador a mirar más allá de los hechos y preguntarse qué hay detrás de una mentira que termina por salirse de control, sin embargo, comprender las circunstancias de una persona no significa justificar sus actos y es precisamente ahí donde considero que reside la fuerza de este documental, en su capacidad para mostrarnos una historia compleja, en la que el dolor, la desesperación, las expectativas y las consecuencias de las decisiones humanas se entrelazan sin ofrecer respuestas sencillas.

Durante mucho tiempo, la maternidad se ha presentado como una de las experiencias más importantes en la vida de una mujer, pero también como una especie de destino inevitable, desde las conversaciones familiares hasta los comentarios aparentemente inofensivos sobre cuándo llegará un bebé, existe una presión silenciosa que puede transformar una decisión íntima en una exigencia colectiva, como si ser mujer implicara, necesariamente, convertirse en madre.

Lo preocupante es que pocas veces nos detenemos a pensar en lo que ocurre cuando ese mandato choca con la realidad, la infertilidad, las pérdidas gestacionales y el duelo suelen vivirse en silencio, mientras el entorno continúa preguntando, insistiendo y esperando, en el caso de Alejandra, esa distancia entre lo que se esperaba de ella y lo que realmente estaba viviendo se convierte en una parte fundamental de su historia.

A mi parecer, uno de los aspectos más interesantes del documental es que permite cuestionar cuánto de lo que deseamos nace verdaderamente de nosotros y cuánto aprendemos a desear para cumplir con las expectativas ajenas ¿Alejandra quería ser madre por un deseo personal o también buscaba responder a lo que su entorno esperaba de ella? La historia plantea esta pregunta sin que exista una respuesta que pueda reducirse a una sola explicación.

La presión social no convierte a una persona en responsable de los actos de otra, pero sí puede revelar las condiciones emocionales y culturales en las que determinadas decisiones llegan a parecer una salida, reconocer ese contexto es importante, sobre todo cuando existe una tendencia a juzgar rápidamente a las personas sin detenernos a examinar las circunstancias que rodean sus acciones.

Por otra parte, tampoco debemos olvidar que en esta historia hay otra mujer y una familia que también sufrieron las consecuencias de lo ocurrido, hablar del dolor de Alejandra no puede significar invisibilizar el daño causado, la empatía no consiste en elegir a quién creerle o a quién defender, sino en reconocer la humanidad de las personas involucradas sin borrar sus responsabilidades.

En ese sentido, “Un hijo propio” va más allá del interés que despierta un caso real, la combinación de testimonios y recreaciones permite acercarse a los acontecimientos desde distintas perspectivas y recordar que detrás de las noticias que consumimos existen vidas que no pueden resumirse únicamente en un titular, la directora propone una mirada que invita a reflexionar, en lugar de limitarse a convertir la tragedia en un espectáculo.

También considero que este tipo de producciones adquieren relevancia porque los medios de comunicación y las plataformas digitales tienen la capacidad de influir en la manera en que interpretamos la realidad, cuando una historia se presenta únicamente desde el escándalo, el público puede quedarse con la indignación y olvidar las preguntas de fondo. Por eso es importante que el periodismo y el documentalismo no se conformen con mostrar lo extraordinario, sino que también examinen los problemas sociales que se manifiestan a través de ello.

Al terminar de ver “Un hijo propio” la pregunta que permanece no es solamente hasta dónde puede llegar una persona por tener un hijo, sino por qué, en pleno siglo XXI, seguimos construyendo expectativas que hacen sentir a tantas mujeres que deben demostrar su valor a través de la maternidad.

Ser madre debería ser una elección, no una prueba que una mujer tenga que superar para ser aceptada. No tener hijos, no poder tenerlos o decidir no tenerlos no debería convertir a nadie en una persona incompleta ante los ojos de los demás.

Quizá la reflexión más importante que deja este documental es que, antes de preguntar cuándo una mujer tendrá un hijo, deberíamos preguntarnos por qué creemos tener derecho a exigirle una respuesta, porque cuando una sociedad convierte los deseos personales en obligaciones, deja de acompañar a las personas y comienza a imponerles una forma de vivir.

¿Hasta dónde puede llegar una persona cuando el amor, la traición y el resentimiento comienzan a mezclarse? en Elize: sombras de una mujer, justamente no tiene que imaginárselo, ya que es una historia de un caso real que conmocionó a Brasil y que más de una década después, retomada vida y llega a la plataforma de Netflix para ser contada.

Estrenada el 22 de julio 2026, esta producción brasileña tiene una duración aproximada de 93 minutos y está dirigida por Felipe Vellasco, la película está protagonizada por Lorena Comparato, Henrique Kimura y Denise Weinberg, quienes interpretan, respectivamente, a Elize Matsunaga, Marcos Matsunaga y Marta.

La historia sigue a Elize Matsunaga, una mujer dedicada a la prostitución, que intenta construir una vida junto a Marcos Matsunaga, un hombre perteneciente a una familia millonaria, que ya antes de Elize, estaba casado y decide dejar a su familia por Elize, sin embargo, detrás de la aparente estabilidad del matrimonio comienzan a aparecer las infidelidades, las diferencias sociales y una relación cada vez más marcada por la desconfianza, netflix presenta la película como una recreación de un caso real en la que una mujer intenta superar las traiciones de su esposo mientras estas terminan afectando profundamente su matrimonio.

Y es precisamente ahí donde la película encuentra uno de sus puntos más interesantes, “Elize: Sombras de una mujer” no solamente busca contar un crimen, sino mostrar cómo una relación puede ir transformándose poco a poco, lo que al principio parece una historia de pareja termina convirtiéndose en un relato sobre desigualdad, secretos, dependencia emocional y violencia.

El título tampoco parece elegido al azar, Elize no es presentada únicamente desde el hecho criminal que hizo famoso su nombre, la película intenta acercarse a la mujer que existía antes de convertirse en protagonista de las noticias, su pasado como prostituta, sus inseguridades y la diferencia de clases que existe dentro de su relación que ayudan a construir una imagen más compleja del personaje, eso no significa que se deban justificar sus decisiones, sino entender que detrás de un caso criminal que impacto en Brasil, también existen personas, relaciones y circunstancias que también forman parte de la historia.

Uno de los elementos que más llama la atención es la interpretación de “Lorena Comparato”, no solo fisicamente, su personaje requiere pasar de momentos cotidianos y aparentemente tranquilos a situaciones de tensión cada vez mayor, la actriz sostiene gran parte de la película y permite que el espectador observe la transformación de Elize sin que todo dependa de explicaciones directas, también resulta interesante que esta no sea la primera vez que Netflix cuenta esta historia, el caso de “Elize Matsunaga” ya había sido abordado en el documental “Elize Matsunaga: Érase una vez un crimen” por eso, para quienes ya conocen el caso, la película plantea una pregunta diferente ¿qué aporta volver a contar una historia que ya conocemos?

La respuesta está principalmente en la ficción, mientras un documental busca acercarse a los hechos mediante testimonios y materiales relacionados con el caso, una película puede reconstruir ambientes, conversaciones y emociones y esto permite que el espectador se acerque a los personajes desde otro lugar, aunque también implica el riesgo de que algunas situaciones tengan que ser dramatizadas para construir una narrativa cinematográfica.

Otro aspecto importante es que la película evita que el crimen sea solamente el centro del espectáculo, el verdadero interés está en observar cómo se construye una relación marcada por las diferencias de poder, la riqueza de Marcos frente al origen de Elize funciona como una barrera que atraviesa buena parte de la historia y permite hablar de algo que sigue siendo común en muchas relaciones, la manera en que el dinero, la posición social y la dependencia pueden modificar la dinámica entre dos personas.

En ese sentido, “Elize: Sombras de una mujer” funciona como un thriller, pero también como un drama sobre una relación que se va deteriorando, a medida que pasa el tiempo, la tensión no depende únicamente de saber qué ocurrió, sino de observar cómo se llega hasta ese punto, ¿qué lleva a Elize a tomar esa decisión? Y quizá esa sea la parte más incómoda de la película, recordar que los casos que aparecen en las noticias casi nunca comienzan con un titular, antes existe una historia que se fue construyendo mucho tiempo atrás.

Visualmente, la producción apuesta por una atmósfera sobria y oscura que acompaña el tono de la historia, no necesita recurrir constantemente a grandes escenas para generar tensión, muchas veces son los silencios, las miradas y los espacios cerrados los que hacen sentir que algo está a punto de romperse, al final, “Elize: Sombras de una mujer” es una película que puede provocar opiniones divididas, al ser un caso real, su historia ya es conocida y existe una producción documental previa sobre el mismo caso, por lo que inevitablemente habrá quienes consideren que la película aporta una nueva mirada y quienes prefieran la profundidad de la investigación documental.

Pero quizá la pregunta más interesante no sea si Elize merece nuestra simpatía o nuestro rechazo, la película invita a mirar algo más incómodo ¿cómo una persona puede terminar convertida en una sombra de sí misma dentro de una relación? y ¿cómo, cuando los secretos, la desigualdad y la violencia ocupan demasiado espacio, aquello que alguna vez parecía una vida compartida puede convertirse en algo completamente distinto?

Por eso los invitamos en hablemos de cine, a darle una oportunidad y un vistazo a “Elize: Sombras de una mujer” que ya está disponible en Netflix y con poco más de hora y media, propone una historia que va más allá del crimen que todos conocemos, porque algunas sombras no aparecen de repente, se van formando poco a poco, hasta que ya es imposible ignorarlas. 

Los esperamos como cada semana, para seguir hablando de cine y buenas recomendaciones, en hablemos de cine.

Hoy en hablemos de cine les traemos la recomendación de la cinta “Coyote vs Acme” en donde durante años hemos visto al Coyote perseguir al Correcaminos con todo tipo de inventos de “ACME” cohetes, patines, trampas, explosivos y máquinas que casi siempre terminaban jugándole en contra, pero ¿Qué pasaría si, después de tantos fracasos, el Coyote decidiera dejar de perseguir al Correcaminos y llevar a ACME ante la justicia? Esa es precisamente la premisa de “Coyote vs Acme”, una comedia que convierte uno de los conflictos más conocidos de los Looney Tunes en una inesperada batalla legal.

La película llegó a los cines el 28 de agosto de 2026 y tiene una duración aproximada de una hora con 41 minutos, está dirigida por Dave Green y combina acción real con animación para reunir a personajes clásicos de los “Looney Tunes” con actores de carne y hueso, la historia parte de una idea tan sencilla como divertida, después de años de sufrir las consecuencias de los productos de ACME, Coyote decide que ya es suficiente, en lugar de volver a intentar atrapar al Correcaminos, busca la ayuda de Kevin Avery, un abogado con mala suerte interpretado por Will Forte, para enfrentarse legalmente a la compañía responsable de todas aquellas trampas que tantas veces terminaron en desastre.

Del otro lado está Buddy Crane, interpretado por John Cena, un abogado que representa a ACME y que se convierte en el principal obstáculo para que el Coyote pueda llevar adelante su demanda, también participa Lana Condor como Paige Avery, además de otros personajes interpretados por Tone Bell, Byrne, Martha Kelly y Luis Guzmán, pero uno de los mayores atractivos de Coyote vs. Acme es precisamente la manera en que mezcla dos mundos, por un lado tenemos a los personajes animados que conocemos desde hace décadas y por otro lado, un mundo de abogados, tribunales y corporaciones, el resultado es una película que toma el humor absurdo de los “Looney Tunes” y lo coloca dentro de una historia que en apariencia, pertenece a un género completamente diferente.

Y aunque la idea puede parecer simplemente una broma extendida de los dibujos animados, la película encuentra una oportunidad para hablar de algo bastante interesante ¿Qué ocurre cuando una empresa parece tener siempre la respuesta para solucionar nuestros problemas, pero sus productos terminan provocando todavía más dificultades? El conflicto entre el Coyote y ACME funciona así como una exagerada representación de una lucha entre un individuo y una enorme corporación, también hay algo particularmente especial en ver al Coyote como protagonista de una historia en la que finalmente tiene la oportunidad de defenderse, durante décadas ha sido el personaje que pierde una y otra vez, el Correcaminos siempre escapa y el Coyote termina cayendo por un precipicio, explotando o siendo víctima de su propio invento, aquí, en cambio, la historia parte de la posibilidad de que ese personaje que siempre hemos visto fracasar finalmente tenga la oportunidad de ganar.

La película, además, tiene una historia detrás de cámaras casi tan curiosa como la que ocurre en pantalla y aunque fue producida y grabada años antes, “Warner Bros”, decidió archivarla en 2023, en una decisión relacionada con una deducción fiscal, después de la reacción negativa del público y de varios intentos de encontrarle un nuevo distribuidor, “Ketchup Entertainment” adquirió los derechos y permitió que finalmente llegara a los cines. Y quizá por eso existe una razón adicional para verla, Coyote vs. Acme terminó convirtiéndose en una película que tuvo que luchar por llegar a las salas casi de la misma manera que su protagonista lucha por conseguir justicia, su recorrido hasta el estreno hizo que dejara de ser solamente una nueva película de “Looney Tunes” y se convirtiera también en un ejemplo de cómo una producción que parecía destinada a desaparecer puede encontrar una segunda oportunidad.

Visualmente, la combinación de animación y acción real es otro de sus puntos fuertes, la película permite que personajes como el Coyote, el Correcaminos y otros Looney Tunes compartan espacio con actores reales, conservando parte de la personalidad exagerada y el humor físico que caracteriza a estos personajes, por eso, Coyote vs. Acme puede ser una opción especialmente atractiva para quienes crecieron viendo Looney Tunes, pero también para quienes buscan una comedia ligera y diferente, no hace falta conocer cada episodio del Coyote y el Correcaminos para entender la historia, la película toma una situación que prácticamente todos conocemos y la transforma en algo nuevo.

Más allá de la nostalgia, su mayor encanto está en una pregunta que resulta imposible no hacerse ¿Qué pasaría si el personaje que siempre pierde finalmente decidiera dejar de correr detrás de su enemigo y comenzara a luchar por sí mismo? Quizá esa sea la mejor manera de acercarse a Coyote vs. Acme, como una historia sobre segundas oportunidades, contada a través de uno de los personajes más desafortunados de la animación, porque después de tantas caídas, explosiones y trampas fallidas, el Coyote finalmente tiene algo que nunca había tenido, la oportunidad de demostrar que quizá no era él quien estaba destinado a perder, por eso esta semana hemos elegido recomendar una nueva cinta cinematográfica distinta a lo de siempre,

Hoy en hablemos en cine, traemos una nueva recomendación algo diferente a lo de cada semana, ¿Qué harías si la desaparición de alguien que amas te obligara a regresar a un pasado que creías olvidado? Esa es la pregunta que plantea “Susurran tu nombre” el nuevo thriller psicológico de la plataforma de Netflix que llegó el 28 de agosto de 2026 y que rápidamente llamó la atención por reunir a un elenco encabezado por Robert De Niro, Adam Scott, Michelle Monaghan y Michael Keaton.

La película, cuyo título original es The Whisper Man, está dirigida por James Ashcroft y está basada en la novela homónima del escritor Alex North, la historia combina misterio, crimen, drama familiar y suspenso psicológico, por lo que no se limita a contar una investigación policial, sino que también se concentra en las relaciones entre sus personajes.

Hay películas que buscan asustarnos con monstruos y otras que consiguen algo mucho más preocupante, hacernos sentir que el peligro podría estar mucho más cerca de lo que imaginamos, “Susurran tu nombre”, la nueva película de Netflix protagonizada por Robert De Niro, pertenece a esta segunda categoría, basada en la novela de Alex North, la cinta combina misterio, crimen y thriller psicológico para construir una historia en la que una desaparición infantil termina abriendo heridas que parecían estar cerradas.

Robert De Niro interpreta a “Pete Willis” con una presencia que funciona especialmente bien para este tipo de historia, su personaje no es simplemente el detective experimentado que llega para resolver el caso, también es un hombre que tiene que enfrentarse a su propio pasado y a la relación que dejó de lado con su hijo, de esta manera, la investigación externa termina convirtiéndose también en una búsqueda personal.

Otro de los elementos que mantiene la tensión es la figura del “Hombre Susurrante”, más que un asesino, se convierte en una presencia que permanece alrededor de los personajes incluso cuando no aparece, su nombre, sus crímenes y las historias que lo rodean generan una sensación constante de amenaza, la película juega precisamente con eso, con el miedo a aquello que no podemos ver, pero que sabemos que está ahí.

Sin embargo, “Susurran tu nombre” no pretende ser únicamente una historia de asesinatos, en el fondo, habla del miedo, de la pérdida y de los vínculos familiares, la desaparición de Jake obliga a Tom y Pete a enfrentarse a una relación que durante años permaneció rota, mientras buscan al niño, también intentan encontrar una forma de volver a reconocerse como padre e hijo y quizá esa sea una de las partes más interesantes de la película, el verdadero misterio no está solamente en descubrir quién está detrás de las desapariciones, sino en descubrir cuánto puede cambiar una familia cuando se enfrenta a una situación límite, el miedo obliga a los personajes a dejar de lado aquello que los separaba y concentrarse en lo único que realmente importa: encontrar a Jake.

Por eso, “Susurran tu nombre” puede resultar atractiva para quienes disfrutan de los thrillers que mezclan investigación criminal con conflictos familiares, no se trata únicamente de descubrir quién es el culpable, sino de acompañar a unos personajes que tienen que enfrentarse a sus propios fantasmas mientras intentan resolver un misterio que parece estar relacionado con un asesino que ya debería formar parte del pasado.

El reparto es, sin duda, uno de los principales atractivos de la película, Robert De Niro interpreta a Pete Willis, mientras que Adam Scott da vida a Tom Kennedy y Michelle Monaghan interpreta a Amanda Beck, la detective que participa en la investigación, a ellos se suma Michael Keaton como Frank Carter, además de actores como Owen Teague, Hamish Linklater y Will Brill.

Al final, la película deja una idea inquietante, hay cosas que creemos haber dejado atrás, pero que pueden regresar cuando menos lo esperamos y quizá por eso el título resulta tan apropiado, porque algunas amenazas no necesitan gritar para hacerse presentes, basta con un susurro para recordarnos que siguen ahí, “Susurran tu nombre” aprovecha justamente ese miedo para construir una historia que más allá de descubrir al responsable, nos hace preguntarnos ¿qué estaríamos dispuestos a hacer para encontrar a alguien que amamos? Por eso en esta semana los invitamos a ver “Susurran tu nombre” en Netflix, algo nuevo a lo que estamos acostumbrados a escribir en esta columna, los vemos en la siguiente edición para más recomendaciones de cine.

Hay historias de amor que nos hacen creer en los finales felices y otras que nos recuerdan que el amor también puede ser doloroso, obsesivo e incluso a veces destructivo y llega con esto Cumbres Borrascosas que pertenece a esta segunda categoría. 

Basada en la novela de Emily Brontë, la historia de Catherine Earnshaw y Heathcliff se aleja por completo de la idea de un “romance perfecto” para mostrarnos una relación marcada por la pasión, el orgullo, la venganza y las decisiones que pueden cambiar una vida entera, con mucho drama que mostrarnos. 

Desde el principio, la historia nos presenta una relación difícil de explicar, con los personajes de Catherine y Heathcliff, que desarrollan un vínculo profundo que parece estar por encima de cualquier otra relación, pero las diferencias sociales y las decisiones de Catherine terminan separándolos, lo que pudo haber sido una historia de amor se convierte poco a poco en una historia sobre el resentimiento y las consecuencias de no poder dejar atrás el pasado.

Una de las cosas que más llama la atención es que ninguno de los personajes puede considerarse completamente inocente, Catherine toma decisiones pensando en lo que considera conveniente para su futuro, mientras que Heathcliff transforma el dolor que siente por haber sido rechazado en una necesidad de venganza, ambos terminan atrapados en sus propias decisiones, demostrando que no siempre basta con amar a alguien para que una relación funcione.

Y es precisamente ahí donde Cumbres Borrascosas resulta tan interesante, la película no intenta convencernos de que el amor entre Catherine y Heathcliff sea saludable, al contrario, nos muestra una relación intensa que muchas veces se acerca más a la obsesión que al amor, su conexión es tan fuerte que ninguno consigue desprenderse realmente del otro, incluso cuando estar juntos parece imposible, volviéndose un círculo vicioso imposible de lograr salir.

También resulta importante el ambiente que rodea a los personajes, las tormentas, los paisajes y la naturaleza no funcionan solamente como decoración, sino como un reflejo de lo que ocurre dentro de ellos, todo parece ser intenso, el amor, los celos, la tristeza y el odio, el propio nombre de la historia parece anticipar lo que vamos a encontrar, “un lugar tan descontrolado y violento como las emociones de quienes lo habitan”.

Más allá de ser una historia romántica, Cumbres Borrascosas puede verse como una reflexión sobre lo que sucede cuando una persona permite que el dolor se convierta en parte de su identidad, Heathcliff pasa gran parte de su vida intentando recuperar aquello que perdió, pero en el proceso termina destruyendo otras cosas y lastimando a personas que ni siquiera fueron responsables de su sufrimiento.

La historia también nos hace cuestionar la manera en que idealizamos algunos romances, que dos personas se amen profundamente no significa necesariamente que deban estar juntas, a veces, una relación puede ser intensa y al mismo tiempo hacer daño y quizá esa sea una de las ideas más actuales que conserva una historia escrita hace tantos años “la intensidad no siempre significa amor, y el amor no siempre justifica nuestras acciones”.

Por eso, Cumbres Borrascosas no es una película para quienes buscan únicamente una historia romántica, es una historia para quienes disfrutan de personajes complejos, emociones extremas y relaciones que no tienen respuestas sencillas, puede incomodar, puede provocar rechazo hacia algunas decisiones de los personajes, pero precisamente por eso resulta difícil dejar de pensar en ella.

Al final, Cumbres Borrascosas nos deja una pregunta que va más allá de Catherine y Heathcliff, ¿Qué sucede cuando confundimos amar con necesitar? Tal vez su tragedia no esté solamente en que nunca pudieron estar juntos, sino en que tampoco aprendieron a vivir el uno sin el otro y es ahí donde la historia encuentra su verdadera fuerza, en mostrarnos que algunas veces el amor puede ser tan intenso que, en lugar de salvarnos, termina convirtiéndose en nuestra propia tormenta.

Por eso en esta semana, en hablemos de cine recomendamos “Cumbres Borrascosas” porque, aunque no hayamos leído la novela, no es necesario para entender esta parte de la historia, solo nos queda disfrutar y seguir esperando más recomendaciones como cada semana. 

De los libros a las adaptaciones del cine, llega con Hamnet dirigida por Chloé Zhao, basada en la novela O’Farrell con las interpretaciones estrellas de Paul Mescal y Jessie Buckley, quien en la última edición de los Oscar se llevó el galardón a “mejor actriz”. 

Le película nos transporta al siglo XVI con la historia de Agnes Hathaway y William Shakespeare, dos locos enamorados decididos a casarse, tienen a su primera hija, Susanna, al poco tiempo Agnes se embaraza de nuevo e inesperadamente tiene gemelos, nace el primero “Hamnet”, al nacer reconoce que es un niño muy sano junto con las parteras, pero se da cuenta que sigue teniendo dolor y muchas complicaciones, entonces nace Judith, sin poder respirar con el cordón enredado, hasta que por fin logran hacer que respire, al final los dos son bebés muy sanos. 

A partir de esta narrativa estamos acostumbrados a que las películas nos enseñan sus logros o acontecimientos, pero Hamnet nos muestra lo íntimo, nos presenta a una familia numerosa, con pequeños momentos lindos, discusiones, juegos y risas.

“La peste” que lleva a la muerte del pequeño Hamnet, el hijo de 11 años de Agnes y William cambia por completo el rumbo de la historia, de haber construido una relación de ilusiones y enamoramiento a una de las pérdidas más dolorosas que puede vivir una familia. 

Con esta tragedia jamás nos imaginamos que la pérdida de su hijo fuera una de las experiencias que alimentaron la creación de “Hamlet”, no se trata de afirmar que conocemos con certeza qué ocurrió en la mente de Shakespeare, sino de construir una posibilidad emocional y quizá eso sea lo más interesante para preguntarnos “¿Qué puede hacer una persona con un dolor que no tiene palabras suficientes para explicar?”. Hamnet nos habla del duelo, de ese momento en el que una persona pierde una parte de su vida y tiene que continuar, aunque ya nada vuelva a sentirse igual. 

La ausencia del pequeño Hamnet nos lo muestran en los silencios, en las miradas, en los espacios vacíos y en la naturaleza que rodea a los personajes, al encontrase en el campo, los árboles, la luz y las habitaciones parecen acompañar el estado emocional de Agnes y Will, como si el mundo también hubiera cambiado después de la tragedia, como si por un momento el mundo se detuviera para ellos. 

Esta forma de utilizar los espacios y la naturaleza para transmitir emociones es también una característica reconocida en el cine de Zhao, ya que decide no esconder ese dolor detrás de grandes discursos, todo lo trasmiten sin omitir ningún detalle. 

Y aparece otro elemento que me parece fundamental, el personaje de Agnes, su personaje permite que la película se aleje de la típica historia sobre Shakespeare para convertirse en una historia sobre una mujer que también tiene una voz, aunque la historia oficial no siempre se haya detenido a escucharla, con Jessie Buckley que dio vida a este personaje, nos logra transmitir una mezcla de fuerza, amor y desesperación de una madre, haciendo que el espectador no observe el duelo desde lejos, sino que se sienta atrapado dentro de él junto con ella, dicha interpretación fue uno de los aspectos más destacados por la crítica, a tal grado de llevarse uno de los premios más importantes en la categoría de mayor peso. 

Por otro lado Paul Mescal, nos presenta a un Shakespeare mucho más humano que legendario, le da otro aire a su personaje, un sentimentalismo que ni en la misma obra literaria nos enseñan, es alguien que también se rompe, que se distancia y que busca una manera de transformar aquello que no puede soportar, en ese sentido, la relación entre ambos personajes resulta importante porque la película no plantea el dolor como algo que se vive de una sola manera, puesto que Agnes y Will sufren de formas diferentes, y esa diferencia también afecta su relación.

Por eso en esta semana, en “hablemos de cine” recomendamos Hamnet, no es necesario que como espectadores seamos expertos en Shakespeare, no necesitamos conocer cada una de sus obras para comprender lo que significa perder a alguien, el dolor que presenta Hamnet es universal, la historia puede estar situada hace cientos de años, pero las emociones que aparecen en pantalla siguen siendo completamente actuales, la película nos permite imaginarlo y sobre todo, sentirlo, porque a veces el cine no necesita darnos respuestas, basta con hacernos mirar una historia conocida con otros ojos.

Hoy hablaremos de lo que parecía una comedia romántica convencional, dirigida por Kristoffer Borgli y protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson. Esta película comienza prometiéndonos una historia romántica que hace cuestionarnos cuanto conocemos realmente a la persona que tenemos a nuestro lado.

Todo parece apuntar una pareja enamorada con una boda cerca, sin embargo, la película nos demuestra rápidamente que no está interesada en contarnos una comedia romántica.

Por otro lado, están Emma y Charlie siendo los protagonistas, pero cuando todo parece ir excelente, la trama decide dar un giro inesperado, una revelación que cambiara el curso de la historia por completo, haciendo que la manera en la que se percibían sea otra, convirtiéndose así, en una prueba para su relación.

Y justamente es ahí en donde The drama nos da su mejor atractivo, ya que la película, no solo plantea la pregunta de, si una pareja puede superar un secreto, sino algo mucho más incómodo ¿hasta dónde estaríamos dispuestos a conocer la verdad sobre la persona que amamos?

Y esta es quizás la parte más interesante de The drama porque no busca que el público tenga una respuesta sencilla, porque no hay algún tipo de criterio que nos indique cuando perdonar, cuando alejarse o cuando una verdad puede ser demasiado grande para continuar con una relación.

Es por ello que The drama es una increíble adaptación cinematográfica, que te llega a envolver como espectador en el hecho de que no es solamente una boda a punto de arruinarse, más allá de eso, es el miedo de descubrir que nunca terminamos de conocer completamente a las personas que amamos, pero ¿y si en realidad el problema no es el pasado de tu pareja sino tu capacidad de seguir adelante con una versión que ya aprendió?

Quizá por esto y por mil motivos más es que The drama merece una oportunidad en tu lista de películas por ver, no solo porque sea una historia de amor perfecta, porque eso si se puede asegurar, está lejos de serlo, sino precisamente porque se atreve a demostrar lo contrario, una relación enfrentándose a aquello que puede ponerla en duda, es la manera en la que nos llega a transmitir y nos recuerda que “amar” también significa descubrir partes de alguien que no siempre estamos preparados para conocer.

Por eso y más los invitamos a ver The drama y seguir esperando cada semana, la recomendación de una nueva película para añadir a nuestra lista de pelis por ver, esperamos que te guste nuestra selección de películas.

Una historia de hace casi 3,000 años nos vuelve a envolver y a atrapar, llegando así hasta nuestras salas de cine con una producción dirigida por Christopher Nolan estrenada en julio 2026, con un enorme reparto como Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattison, Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong´o.

Lo más impresionante fue la manera de adaptar La Odisea, que a pesar de los años, Hollywood ha decidido apostar por esta historia, con el uso de las camaras IMAX como parte del atractivo principal en esta pelicula pero sobretodo la importancia que le ha dado Nolan de llevar un relato clásico a las nuevas generaciones, dandonos un nuevo aire y un mejor atractivo.

A decir verdad, considero que la historia no solo la podemos ver como una historia ambigua, sino que, podemos apreciar uno de los acontecimientos cinematográficos actuales más importantes, muchos podran decir que tal vez Hollywood no tiene nuevas historias que contar y tiene la necesidad de volver a historias viejas siendo el ancla o la manera más facil de atraer público, pero en esta columna pensamos diferente, creemos fielmente en esta nueva pelicula. 

La Odisea no es precisamente una historia desconocida, el viaje de Odiseo después de la guerra de Troya ha sido contado durante siglos en libros, obras de teatro, entre más ediciones, sin embrago, con esta nueva visión que le dio Christopher ha sido una respuesta comercial importante, la pelicula recientemente superó los mil millones de dólares en taquilla mundial, convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos cinematográficos de este año.

La pelicula nos adentra a la historia de Odiseo, interpretado por Matt Damon, durante el peligroso viaje que emprende para regresar a Ítaca después de la guerra de Troya, en el camino enfrenta a criaturas extrañas, dioses, tentaciones y distintos obstáculos que ponen a prueba no solamente su fuerza, sino también su deseo de volver a casa. 

Tal vez ese éxito sea una señal de que el público no ésta cansado de las historias conocidas, quizá lo que busca es algo diferente que es volver a encontrarse con ellas, pero desde una perspectiva que consiga hacerlas sentir nuevas.