Autor: Astrid Gabrielle Reyes Castañeda

Dentro del mundo del arte, hay muchas cosas maravillosas que uno puede crear, y una de esas es inventar personajes.Pero me iré más por el lado de los OC (Original Character), que a menudo tienen presencia en la comunidad de los dibujantes.

Para empezar, un OC es un personaje original inventado por una persona. Puede tener una historia o no; estas mismas no pertenecen a ninguna serie o franquicia.

El proceso creativo al crear un OC es de las cosas más entretenidas y, a su vez, algo frustrantes, pues muchas veces pensar en un diseño, la personalidad e incluso su mundo e historia puede ser bastante difícil. Pero, en cuanto logras crear uno, es bastante satisfactorio.

Muchas veces los OC son la identidad artística de los dibujantes sin necesidad de ser un avatar o un self-insert.Los OC ayudan a los artistas a experimentar con diseños, estilos, colores, conceptos y una manera distinta en la que destacar.

Sobre los sentimientos que surgen a partir de la creación de un personaje desde cero, son variados.Hay quienes consideran a sus creaciones como sus hijos, mientras que otros los ven como personajes que merecen sufrir por el bien de la trama e incluso llegan a matarlos por puro placer (a veces), y otros son solo OCs que existen en el cuaderno de dibujo, como una zona de confort del artista o solo para salir de la rutina.

No todos los dibujantes tratan de la misma manera a sus OC. La mayoría suele inventarles una historia, aunque muchas veces se queda solo en notas o ideas random de los personajes.

Otros crean personajes para desarrollar más a fondo una trama y el desarrollo del mundo, lo que lleva al punto de hacer cómics, animaciones y novelas. Y están los que solo disfrutan inventar personajes por simple diversión, sin tener una historia de fondo.

Respecto a la comunidad, compartir personajes, hacer colaboraciones, intercambiar diseños, reinterpretar y crear historias es una bonita forma en la que convivimos los artistas.

Chloe Bourgeois es un personaje que pertenece a la serie animada Miraculous: Las aventuras de Ladybug y Cat Noir.

Se nos presenta como el típico personaje que le hace bullying a la protagonista. Y, en un principio, era una de las principales antagonistas del show, provocando varias akumatizaciones.

De personalidad presumida, consentida y clasista, era fácil odiarla, pues cometió muchos actos cuestionables para su beneficio. Un ejemplo es cuando usaba el nombre de su padre para ejercer poder y no salir perjudicada, o para obtener algún tipo de recompensa, recordando que su padre es el alcalde de París.

Sin embargo, a partir de la segunda temporada, ocurre un pequeño accidente en el que Ladybug pierde el Miraculous de la abeja, el cual termina siendo encontrado por Chloe. A partir de esa situación, se desarrolla una trama que se puede analizar bien. Después de eso, Chloe decidió convertirse por su cuenta en la portadora de ese Miraculous, creando la identidad de Queen Bee.

Y es curioso, pues quería ser una heroína al igual que Ladybug y Cat Noir, pero los métodos por los cuales quería ser reconocida como tal pusieron en riesgo la vida de varias personas, al paralizar al conductor de un metro solo para fingir un acto heroico. Y aquí hay dos cosas:

1. Chloe solo quería obtener más fama, por eso no le importó revelar su identidad a los demás.

2. Una parte de ella quería ser una heroína de forma genuina. Y ambas partes pueden coexistir con el tipo de personaje que es ella.

En esa misma temporada, se nos mostró una faceta diferente de Chloé, pues, aunque seguía siendo la chica bully, también seguía siendo una niña que quería sentirse querida y que valoraba mucho la amistad de Adrien Agreste, a tal punto que intentaba ser más amable con los demás solo para no perder la relación que tenía con él.

Y al principio ese era su motivo para cambiar. Pero en muchas ocasiones se le ha visto hacer buenas acciones sin esperar algún tipo de elogio o recompensa. Por ejemplo, ha habido ocasiones en las que ayuda a Ladybug y ha mostrado admiración, a su manera, hacia ella.

Y cuando llegó el Día de los Héroes, en el que pelearon contra Scarlett Moth y Mayura, Chloe, como Queen Bee, hizo un gran trabajo como heroína, sobre todo porque aprendió de su error.Y me da tristeza el hecho de que Chloe estaba genuinamente emocionada de ser una heroína y de hacer equipo con Ladybug y Cat Noir, a tal punto que esperaba a que alguno de ellos le llevara el Miraculous para así pelear juntos.

Y aunque eso no borre las cosas malas que hizo, estas pequeñas pero significativas acciones le daban profundidad al personaje, más allá de ser solo la enemiga de la protagonista.

Esto ocasionó que el público empezara a empatizar con ella e incluso que llegara a ser más popular que Marinette.

Esto no le gustó mucho al creador de la serie, Thomas Astruc, pues le molestó que su protagonista empezara a ser opacada por un personaje secundario que, en teoría, era malo.

Y, por su capricho, después de la segunda temporada, en la que nos mostraron un desarrollo acorde con Chloe, decidió echar todo a la basura, volviéndola mucho más odiosa e incluso mucho más mala de lo que se nos había mostrado. Publicó en X (Twitter) que Chloe jamás cambiaría y que su personaje no estaba pensado para tener algún tipo de evolución, contradiciendo lo que se nos había mostrado en la segunda temporada.

El odio del autor arruinó a Chloe, quien tenía potencial para convertirse en uno de los mejores personajes de la serie, mostrando que podía cambiar, ser mejor persona y convertirse en una heroína, pero sin blanquear lo que hizo en el pasado.

Sin duda, fue una mala decisión por parte del creador, considerando que él mismo fue quien creó al personaje, a pesar de que no le agradaba. Considero que los escritores de la serie sabían el potencial de Chloe, pero, por el capricho de Thomas Astruc, este no se aprovechó, dejando a Chloe peor que antes.

En conclusión:

A pesar de todo el retroceso que tuvo Chloe como personaje, para mí sigue siendo icónica.La segunda temporada hizo que pasara de caerme mal a tomarle cariño.

Queen Bee por siempre.

Sailor Moon es uno de los mangas y animes más queridos por la comunidad del anime. Pues cumple con los elementos que hacen que una historia sea memorable, ya sea los diseños de los personajes, la personalidad y el cómo se desenvuelven en su mundo.

Cada Sailor Senshi (o scout) tiene una identidad visual bien marcada. Los colores, peinados, uniformes y accesorios hacen que reconozcas quién es quién, pues tienen una silueta muy reconocible.

En cuestión de personalidad, considero que fueron mucho más desarrolladas en el anime de los 90’s.

Toei Animation hizo un excelente trabajo en desarrollar más el lado humano de las Sailors, ya que a cada una le desarrolló características únicas en su forma de ser.

Como ejemplo, Usagi (la protagonista) es alegre, torpe, llorona y con grandes sueños; por otro lado, sus amigas, de cierto modo, son más responsables, pero también tienen su lado divertido: Ami es una chica muy estudiosa, pero bastante tímida; Rei es alguien elegante y apasionada, pero, a su vez, es bastante temperamental; Makoto podría parecer intimidante y ruda; sin embargo, es una chica enamoradiza que sueña con conocer al amor de su vida; Minako pareciera ser la líder seria con una gran responsabilidad, pero, en cuestión de personalidad, es similar a Usagi, además de que tiene el sueño de convertirse en idol.

Y es algo que le aplaudo y agradezco a Toei Animation: desarrollar esas personalidades y su vínculo como amigas. Siento que es una de las razones por las cuales Sailor Moon es tan querido… A diferencia del manga, donde el ritmo es más acelerado y, en mi consideración, no hay mucho desarrollo por el lado humano.

Y esto ya es muy personal mío, pues yo siento que una de las cosas que hace que una historia sea recordada no siempre son las batallas o los problemas que deben enfrentar los personajes, sino el cómo se van desarrollando y que cada uno sea diferente, pero que complemente a su mundo.

Si bien, algo que me gusta en todas las versiones de esta historia es el manejo de la mitología: desde las reencarnaciones, el Reino en la Luna, los Sailor Crystals (el alma y esencia de cada guerrera) y el romance trágico entre la princesa de la Luna y el príncipe de la Tierra, es increíble cómo se conecta todo lo cotidiano con lo fantástico. La trama consigue que una chica normal quede relacionada con un pasado cósmico y lleno de tragedia, y que tiene un deber mucho mayor, más allá de ir a la escuela y realizar tareas; ahora tiene la responsabilidad de ser la protectora del universo.

Y ni hablar de la mitología: combina de manera orgánica las mitologías, en su mayoría griega, china, japonesa, entre otras, dándole una identidad bien marcada.

Sin embargo, aquí viene el pero:Naoko Takeuchi creó un gran mundo que pudo haber sido explotado mucho más y no dejar a la imaginación del lector/espectador.

Una de las tramas que se pudo haber desarrollado tiene que ver con Sailor Cosmos y Sailor Chaos, dos seres ultrapoderosos que han estado en guerra por mucho tiempo, donde lamentablemente Sailor Cosmos perdió la batalla y se quedó sola.

Si bien, en el manga y posteriormente en las películas de Sailor Moon Cosmos, se nos revela que ella es Sailor Moon, pero de un futuro muy lejano, no dice casi nada de lo ocurrido. ¿Qué fue lo que pasó en ese futuro para que la Neo Reina Serenity recuperara sus poderes de Sailor y se pudiera convertir en Cosmos? ¿Quién es Sailor Chaos y cómo es que logró tomar forma de Senshi? Se da a entender que en ese futuro todos murieron y Sailor Cosmos se quedó sola. Esto me hace preguntar otra cosa: ¿Sailor Moon está destinada a sufrir siempre? ¿Ese es su final y ya no queda esperanza de que recupere lo perdido? Pues el caos siempre regresará, y si eso pasa cada cierto tiempo de manera cíclica, ¿Sailor Cosmos podrá recuperar a sus seres queridos? ¿O definitivamente ya no tendrá final feliz?

Pienso que la trama de Sailor Cosmos podría dar origen a otra historia, pues tiene un concepto bastante interesante, porque, en la mayoría de los casos, el protagonista de una historia casi siempre tiene un final feliz… Pero, en el caso de Sailor Moon y su final en el manga, deja una sensación agridulce o incluso de vacío, al saber cuál será su futuro más allá de Tokio de Cristal.

Desarrollar una trama así expandiría más su universo. Ahora, hay otras cosas que se podrían aprovechar mucho.

Si bien, el futuro de Usagi Tsukino es convertirse en reina, por todos los acontecimientos ocurridos a lo largo de la obra, ese futuro ha tenido ligeros cambios en su línea temporal.

Originalmente, Usagi ascendería al trono después de derrotar al Dark Kingdom; sin embargo, no fue así, pues nuevas amenazas fueron apareciendo y Sailor Moon tuvo que aumentar su poder, lo que se ve reflejado en el futuro con el cambio de cetros que tuvo la reina, indicando los ligeros, pero significativos, cambios que hubo en las líneas temporales.

La obra nos da a entender que ese futuro prometido siempre estuvo en riesgo y que existía la posibilidad de que no sucediera.

Cuando Sailor Galaxia apareció (como la última y más poderosa de las villanas en la historia), ella arrebataba los Sailor Crystals, matando de manera inmediata a todas las Sailors y, a su vez, a Tuxedo Mask (el futuro rey de Tokio de Cristal); el futuro de Usagi Tsukino como reina corría peligro, a tal punto de que pudo haber desaparecido.

A lo que quiero llegar: ¿cuántas alteraciones sufrieron todas esas líneas temporales? Con todos esos cambios, ¿qué retos enfrentará la Neo Reina Serenity? ¿Cuáles serán los nuevos enemigos?Después de un tiempo, ¿Chibiusa se podrá convertir en reina igual? ¿O ese futuro ya no existe para ella por todo lo que sucederá con la guerra contra Sailor Chaos?

En conclusión, Sailor Moon es una obra que se pudo haber expandido más allá, mostrando nuevos conflictos donde Usagi ya es reina.La aparición de otras Sailors Senshi que vengan de otro sistema, tal como las Sailors Starlights (de las que no se supo bien qué pasó, aunque puede que revivieran y regresaran a su planeta).

O incluso explorar una trama donde Usagi o Serenity, siendo madre, ya no quiera seguir peleando y prefiera que su hija crezca como una niña normal en un entorno más pacífico. Y puede que el tema de identidad se haya abordado de manera superficial.

¿De verdad Usagi está realmente dispuesta a renunciar a quién era para volverse soberana? ¿O podrá desarrollar una crisis?Y sobre las demás Sailor Senshi, todas ellas renunciaron a sus sueños para ser las protectoras del reino. ¿En serio están dispuestas a dejar de lado algo que anhelaban desde niñas?¿Qué garantiza que todas ellas están comprometidas con su deber y no se han cuestionado lo que pudo haber sido una vida de paz, en vez de ser unas guerreras que luchan por el bien del universo?

Lookism: Cuando las apariencias engañan.

En diciembre de 2022, se estrenó el anime coreano de 8 episodios llamado Lookism (APARI3NCIAS en español), basado en el webtoon del mismo nombre.

Al ver el tráiler de Lookism, la trama no me convencía, pues parecía un anime más del montón, donde un chico considerado feo por ser gordo cambia mágicamente de la noche a la mañana y ahora es guapo y apuesto. Al igual que creí que sería un anime donde, por ser el protagonista, tendría un harén solo por ser guapo.

Sin embargo, después de que se estrenó, decidí darle una oportunidad. Y, para mi sorpresa, nada de lo que creía sucedió.

En primer lugar, Park Hyungseok (mejor conocido como Daniel Park) es un joven que sufre bullying por su apariencia al vivir en una sociedad coreana a la que solo le importa la belleza.Y aunque la historia inicia como slice of life, también tiene su lado sobrenatural.

Pues, después de sufrir acoso durante toda su vida, Park Hyungseok quiere iniciar una nueva vida lejos de su antigua escuela y compañeros, a pesar de que es difícil por la situación económica en la que él y su mamá viven.Sin embargo, al descubrir todo lo que sufría su hijo en la escuela, su madre decidió esforzarse aún más para lograr cambiarlo de escuela.

Después de que el protagonista se fuera a vivir más lejos, él, en su inocencia, creyó que todo sería más fácil.Sin embargo, en su primer día todo salió mal, pues, luego de ser golpeado por otro chico en el centro de la ciudad por un malentendido, provocó risas entre las personas e incluso llegaron a subirlo a internet, donde, de nuevo, todas las personas se burlaban de su físico.Obviamente, Hyungseok se la pasó llorando al tener baja autoestima. Toda la tarde se la pasó triste hasta que se quedó dormido.

Y aquí es donde entra lo sobrenatural.En la madrugada, al despertar, Hyungseok se levantó para ir al baño, pero había algo raro: en sus palabras, se sentía más ligero y veía todo más abajo.Para su sorpresa, al verse en el espejo, su apariencia había cambiado por completo: tenía una complexión más delgada y atlética, y un rostro digno de un idol de K-pop. Incluso le había cambiado la voz.Esto desconcertó a Hyungseok, pues no sabía qué había pasado al ver que pasó de ser una persona gorda y fea a ser alguien atractivo en todos los sentidos. Pero hay algo más extraño, pues su cuerpo original se encontraba durmiendo ahí.

Técnicamente, se estaba viendo a sí mismo desde otro cuerpo.

Todo parecía ser un sueño, hasta que se acercó a su cuerpo y empezó a moverlo, intentando despertarlo. Sin embargo, solo lo consiguió cuando golpeó su propio cuerpo. Al despertar, regresó a su cuerpo original. Hyungseok creyó que se había tratado de un sueño, hasta que vio al cuerpo perfecto a su lado, ahí dormido.En pocas palabras, el protagonista ahora tiene la capacidad de cambiar de cuerpo cada vez que duerme.Lo inquietante es que el segundo cuerpo tiene vida, a pesar de no poder moverse por sí solo.

Y, hasta ahora, por lo que va de la obra, no se sabe de dónde salió ese otro cuerpo ni cuál es su propósito. En un inicio, se creería que solo es una historia que combina la crítica a la sociedad con un toque de misterio, pero, cuando te adentras más en la obra, puede que la respuesta sea otra.

Una posible teoría es que el segundo cuerpo sea Hyungseok del futuro.Sin duda, es una historia bastante peculiar y algo que no había visto antes en alguna otra obra. De hecho, fue lo que más me llamó la atención de la obra, es por eso que decidí solo hablar de la situación que vive Hyungseok.Me parece bastante original cómo maneja el cambio de cuerpos y cómo la trama cumple con lo que promete su título.

Una de las joyas ocultas de la animación que casi nadie conoce y que se encuentra disponible en Netflix es el donghua Scissor Seven.

Lo que vuelve grandiosa a esta serie, es la genialidad con la que mezcla elementos como la comedia absurda y el misterio, y que curiosamente funciona sin sentir que estás viendo dos historias diferentes, pues tiene un muy buen ritmo y desarrollo para los pocos episodios que son.

La historia sigue a Seven, un joven que sufre amnesia severa y no recuerda nada de su pasado. Vive en la Isla Pollo, donde trabaja como peluquero. Para poder pagar un costoso tratamiento médico que le ayude a recuperar sus recuerdos y saldar deudas, Seven decide convertirse en un asesino a sueldo. Para ello, utiliza sus tijeras de peluquero, que puede controlar mediante telequinesis. Sin embargo, el problema principal de Seven es que es bastante torpe, al igual que tiene un buen corazón y la mayor parte del tiempo falla sus misiones o termina empatizando con su objetivo. A medida que avanza la trama, poco a poco va recuperando sus recuerdos y descubre que su pasado está ligado a algo mucho más peligroso, lo que puede poner en peligro a sus amigos y su tranquilidad.

La razón por la que esta serie merece más reconocimiento es por el tipo de narrativa y la animación que se maneja. Empieza siendo algo cotidiano. Seven vive su día a día en la Isla, enfrentando situaciones absurdas. Otra cosa que me gusta es cómo todos los personajes son importantes. Aunque su diseño sea bastante ridículo o solo parezcan estar de fondo, la realidad es que todos aportan a la historia de una manera bastante positiva, sean aliados o antagonistas. Y sobre la animación, al principio es bastante sencilla. Un estilo visual expresivo, combinando trazos caricaturescos, simples y casi de garabato para las escenas de humor, con líneas nítidas y fluidas.Y aunque con el paso de las temporadas se fue puliendo el estilo, hasta asemejarse más a un anime japonés, sigue manteniendo su identidad visual. La comedia y el misterio no están peleados en esta historia, pues tiene un excelente equilibrio entre los géneros. Algo gracioso es que una pelea se puede sentir ridícula, pero a su vez bastante seria, dándote a entender que la situación ya escaló a algo mayor y que no todo es diversión.

Y quizá eso sea lo que hace que Scissor Seven sea tan increíble. A simple vista parece una serie hecha únicamente para hacerte reír y pasar el rato, pero conforme avanzan los episodios demuestra que detrás de sus chistes y personajes absurdos existe una historia mucho más grande.

En una época donde las redes sociales han tomado demasiada relevancia y que las usamos día a día como parte de nuestra rutina, el arte es algo que puedes encontrar en tu algoritmo sin que lo tengas que buscar, ya que es algo que está presente en todas partes.

A pesar de que las redes sociales han ayudado a muchos artistas a crecer y dar a conocer sus obras, lo cierto es que cuando algo se empieza a volver popular o famoso, es aquí donde entra el problema. La comparación, el hate, cancelaciones o funas, robo, estafas, mentiras y, en casos muy extremos, algún delito, entre otras cosas.

Aquí solo me enfocaré en los artistas que son dibujantes, pues yo, al pertenecer a esa rama de la comunidad, sé cómo puede llegar a ser.

Uno de los problemas que podemos encontrar es el hate entre dibujantes.Desde comparaciones que uno mismo se hace, hasta otros miembros comparándote con algún otro artista.

El compararse es una reacción entendible, pero tóxica, pues estar comparando tu estilo, tu progreso y cómo vas avanzando como dibujante es algo que te puede dejar encerrado en un bucle de pensamientos, donde creerás que nunca serás lo suficientemente bueno en lo que haces.

Por más que practiques, estarás en la negativa al no salir de esos pensamientos. Pero la cosa es que también hay personas externas queriendo hacer comparativas todo el tiempo. Desde una foto sobre un dibujo, hasta las tendencias que hay en las redes sociales.

TikTok, por ejemplo, es una aplicación que muchos artistas usan, ya sea para promocionar su propio trabajo o simplemente como un hobby para seguir tendencias; pues últimamente se han hecho bastante populares los videos de dibujantes siguiendo un trend.

Y, a pesar de ser divertido, es aquí donde, de nuevo, la gente arma competencias donde no tenía por qué haberlas.Está el típico comentario de: —Es que tal persona lo hizo mejor— o —Se copiaron de no sé quién—, como si alguien fuera el dueño de alguna tendencia.

Luego están las críticas.La realidad es que las críticas siempre van a existir, y muchas de ellas solo son para demeritar el trabajo de alguien o, de plano, insultar.Esto es más común cuando un principiante apenas empieza a dibujar. Es obvio que va a tener muchos errores y, al publicar en redes sociales, donde hay todo tipo de gente, nunca faltarán los que se ríen, insultan o, de plano, empiezan a acosar.

Y, en su mayoría, no se toman el tiempo de hacer comentarios o críticas constructivas que puedan ayudar a mejorar a un principiante. Esto también ocasiona que muchos de ellos ya no se animen a seguir dibujando, pues están con el miedo de que alguien les comente algo hiriente. Irónicamente, los que más insultan son personas que solo dibujan un poco mejor, pero siguen estando en un nivel bajo.

Otra cosa que debo mencionar es la problemática que surgió ante el auge de la IA. En estos tiempos, muchas personas prefieren que una máquina les genere una imagen mal hecha y rápida a algo de calidad. Esto ha preocupado a todos los artistas, sobre todo a los diseñadores, dibujantes y animadores. Entonces hay una división, porque dentro de la comunidad están los que están a favor de usar la IA como herramienta, los que de plano se vendieron por completo a ella y los que están en contra de ella.

Pero no solo se queda ahí. Pues ya ha habido varios dibujantes que usan la IA en sus propias obras, solo para verlas acabadas más rápido o por la excusa de que no saben dibujar.

Esto también ha generado que a varios artistas se les haya culpado de usar IA, solo por el hecho de que un dibujo les quedó increíble, al ya dominar las técnicas. Si antes acusaban de calcar a los que dibujan bien, ahora te acusan de usar IA si creaste una obra impecable.

Y, aunque la toxicidad en la comunidad abarca distintas áreas, tantas que explicarlas en una sola columna es difícil, quiero nombrar una última.Una que es el robo. Desde estafas hasta robo de identidad y apropiación de contenido.

Las estafas van por ambas partes. El vendedor y el cliente.

La mayoría de los dibujantes abren comisiones para ganar dinero, pero no es fácil, pues no siempre llegarán clientes.

Lamentablemente, cuando tienen comisiones, en varias ocasiones, el que pidió la comisión no paga, pone excusas o, a la mera hora, cancela el pedido.

Por el otro lado, están los dibujantes que engañan a sus clientes. Son quienes piden pagos adelantados, pero al final no entregan el producto. Al igual que los clientes que hacen lo mismo, ponen bastantes peros y, si sigues mandando mensajes preguntando por tu comisión, pueden incluso llegar a bloquearte.

Es un problema y un riesgo que viene de dos lados.

Y, por último, el robo de contenido e identidad.Los motivos de esto pueden ser varias razones: la frustración, el querer atención o, de nuevo, las estafas.

Aunque, mayormente, los que roban contenido son personas que buscan atención.Pues hay una característica bastante peculiar en ellos.Juran que las obras les pertenecen, recortan la imagen y borran la firma, y si los contradices, empezarán a pelear. Intentar razonar con ellos solo es una pérdida de tiempo. Es probable que muchos sean menores de edad.

Otra manera de robo es poner una foto de perfil de algún usuario ya conocido y hacerse pasar por él o ella, robando contenido de todas partes. Y se indignan cuando les dicen que ese contenido no les pertenece.

Y, para finalizar, están los que calcan por encima o alteran una obra con IA, para luego publicarla en su perfil. Esos mismos son los que andan comentando puro hate en publicaciones de otros artistas.

Mairimashita! Iruma-Kun, también conocido como Welcome to the demon school! Iruma Kun, es anime basado en el manga de Osamu Nishi.

La historia trata sobre Iruma Suzuki, un humano de 14 años que un día es arrastrado en contra de su voluntad al mundo de los demonios. Por si no tenía bastantes problemas con eso, su nuevo dueño y autodeclarado “Abuelo” es el demonio director de su nueva escuela. Para poder sobrevivir en este nuevo mundo y en esta escuela, Iruma tendrá que superar todo tipo de retos, como vencer en un duelo a un estudiante muy peligroso, una chica con ciertos problemillas de personalidad, ¡y todo tipo de seres terroríficos!

A pesar de que en la actualidad el anime se ha hecho bastante popular, Mairimashita! Iruma-kun no ha recibido el reconocimiento que merece. Pues, aunque a simple vista parece ser una historia muy simple, o que incluso al protagonista, Iruma, se le ha llegado a llamar “Deku azul”, reduciéndolo a ser una simple copia de Izuku Midoriya, del anime y manga My Hero Academia.

Sin embargo, no es así. Iruma es un personaje que, al principio, quiere evitar destacar, ya que piensa que, si llama la atención, correrá el peligro de que los demonios descubran que es un ser humano y decidan comérselo.

Incluso tenía el deseo de volver al mundo humano, a pesar de que llevaba una vida horrible por culpa de sus padres.Tampoco buscaba ser el más fuerte y solo intentaba sobrellevar su nueva vida.

Sin embargo, conforme avanza la historia, eso va cambiando.Poco a poco, Iruma se adapta al inframundo y a los diferentes demonios que viven ahí.

Por cierto, algo que olvidé mencionar es que el inframundo y los demonios son totalmente lo contrario de lo que uno podría imaginar. Uno podría pensar que se trata de un lugar lleno de sufrimiento y violencia, pero este no es el caso. Los demonios viven de manera casi pacífica: tienen familias, van a la escuela, salen a pasear, se divierten y realizan otras actividades muy cotidianas. Esto puede chocar con las ideas que tenía Iruma antes de permitirse conocer ese mundo caótico y divertido.

La trama suele ser bastante ligera, cómica, entrañable y muy disfrutable.Aunque todo parezca ser muy feliz, uno de sus puntos más fuertes es que logra equilibrarlo con el misterio. Por ejemplo, está el misterio sobre el último rey demonio, Delkira, de quien no se sabe mucho ni por qué desapareció. También, desde el inicio de la historia, se da a entender que Iruma llegará a ser el rey demonio, a pesar de ser humano, y que todo lo que estamos viendo es el proceso de cómo llegará a ese punto.También está el misterio que rodea a Ari, el ser que habita en el Anillo Voraz. Existen múltiples teorías que plantean que podría ser una parte del alma del rey Delkira. Además, se relaciona al Anillo Voraz con el Anillo de Salomón, el cual aparece en una profecía que señala que quien lo porte será el nuevo monarca del inframundo.

Y sin más que decir, Mairimashita! Iruma-kun es una obra que merece la pena ser vista, aunque sea una sola vez.

Si no sabes qué ver durante un fin de semana, esta serie te está esperando para que le des una oportunidad.

Puedo asegurar que te sacará muchas risas y también te dejará con intriga y ganas de saber más.

One Piece se caracteriza por un estilo caricaturesco y bastante exagerado.Es parte de su esencia: desde cuerpos aparentemente normales, hasta personajes que son gigantes, otros pequeños y algunos bastante raros, como tener el cuello demasiado largo o las piernas ser más largas que el torso.Y, a pesar de eso, hay una queja dentro del fandom de One Piece respecto a los cuerpos de los personajes femeninos.

Pero este tema controversial no estuvo presente desde el principio de la obra, ya que en los primeros arcos de One Piece, antes del Time Skip (salto temporal de dos años en la historia), los personajes como Nami, Robin y Vivi tenían cuerpos más adecuados, por así decirlo, pues, a pesar de ser delgadas, no estaban exageradas ni eran tan voluptuosas.Sin embargo, con el paso de los años, Eiichiro Oda cambió un poco su estilo de dibujo, el cual actualmente es muy reconocible, pero gran parte de los fans extrañan cómo se veían antes, y esta es la razón:

A partir del Time Skip, la mayoría de los personajes femeninos atractivos de One Piece tienen casi el mismo tipo de cuerpo: cintura exageradamente estrecha y un tamaño de busto exageradamente grande. Esto da lugar a momentos de fanservice innecesario, mostrando estas partes del cuerpo en primer plano, lo que muchas veces incomoda al espectador, en especial al fandom femenino.

Pero, siendo sincero, lo que agrava esta polémica no es tanto el cuerpo, sino la ropa que utilizan durante los arcos.A diferencia de los personajes masculinos, que usan ropa más adecuada para pelear o incluso para algo cotidiano, a personajes como Nami se les da un vestuario bastante revelador, mostrando sus grandes atributos no para mostrar que es un personaje atractivo, sino para verla desde un lado más sexualizado, pues muchas veces se le da ropa tan reveladora que parece no llevar ropa interior.Pero no se queda ahí. Aunque parezca un problema exclusivo de personajes mayores de edad, la verdad es que no.Otro ejemplo controversial es Rebecca. En la obra se nos presenta como una guerrera y ex princesa del reino de Dressrosa. Ella tiene un pasado triste y, durante su adolescencia, sufrió, siendo un personaje con mucho potencial. Lamentablemente, se le vio reducida a su diseño, que destaca de manera negativa.A pesar de tener 16 años, es bastante sexualizada, ya que la ropa de gladiadora no le cubre mucho: la parte del busto apenas está cubierta por el top que usa y, en la parte de abajo, una tela apenas le tapa. De nuevo, pareciera que no trae ropa interior, lo que causa incomodidad al ver este diseño.

En el manga, a pesar de que la obra sigue siendo exagerada y los diseños bastante cuestionables, todo se ve mucho más orgánico y, sin defender a Oda, resulta más digerible.Pues lo que mencioné anteriormente es más culpa del estudio de animación, Toei Animation, el cual llega a ser más desmesurado, agrandando ciertas partes del cuerpo y animando ángulos que en el manga no existen.

A todo esto, es uno de los puntos más criticados de la obra y, aunque muchas veces puede resultar incómodo o incluso repugnante, eso no le quita lo grandioso a esta historia.Considero que debemos aprender a ver más allá del diseño y juzgar a los personajes por lo que son, y no por su manera de vestir o su físico.No digo que haya que dejar de criticar estos aspectos, porque, aunque sea ficción, muchas veces este tipo de situaciones se ven normalizadas en la realidad, lamentablemente.Que se sepa que los personajes femeninos de One Piece son más que un cuerpo y que también tienen sus propios sueños, al igual que los personajes masculinos.

Hace algunos años, Disney era considerado una de las mejores empresas de producción, pues hacían historias que te tocaban el corazón o te provocaban alguna emoción.

Películas como El Rey León, La Sirenita, Blancanieves o Cenicienta son algunos de los ejemplos de producciones más queridas por los que crecieron con Disney.

Incluso las películas de nueva generación como Frozen, Moana y Zootopia han sido del agrado del público y hasta ahora se han considerado de las mejores películas animadas en 3D que ha hecho Disney.

Sin embargo, en estos últimos años ya no es así.
Muchos consideran que Disney ha perdido su magia, pues actualmente se están yendo por el lado de hacer live actions que nadie pidió o secuelas innecesarias.

Y aunque intenten hacer algo original, ya no es muy bien recibido por el público.
Un ejemplo es la nueva película que saldrá este año en noviembre, Hexed. Pues, a simple vista, pareciera que es algo nuevo y original que Disney quiere traer, pero muchos espectadores han señalado la similitud en los diseños, comentando que solo parecen reciclar el estilo y expresiones de Frozen, al igual que comentan que la trama se parece bastante a la de The Owl House, serie que fue cancelada por el mismo Disney.

Pues esta película tratará sobre la típica chica diferente que en realidad tiene poderes y que viaja a un mundo mágico.

Hablando de los live actions.
La Sirenita, Blancanieves y Mulan han sido un fracaso.
La audiencia en general las tacha de innecesarias, aburridas y forzadas.

Muchos no estuvieron contentos con las decisiones de la historia. En Mulan, por ejemplo, quitaron los elementos cómicos, la personalidad de la protagonista la consideran plana y su trama, sin sentido.

Blancanieves y La Sirenita fueron criticadas por casi lo mismo.
Por las actrices que se eligieron, pues la actriz que interpretó a Ariel, Halle Bailey, siendo una persona negra, fue duramente criticada, llegando incluso a ser víctima de racismo.

Mientras que Rachel Zegler fue criticada por su actitud y posturas políticas, al igual que por el lado superficial, donde, de nuevo, se le critica su tono de piel al no ser blanca, al igual que Blancanieves.

Yéndonos por el lado más técnico.

Disney se ha olvidado de hacer nuevos productos originales, pues le han dado más prioridad a las ganancias financieras masivas.

La saturación de remakes live action de películas clásicas, el aumento de precios en sus parques y en su plataforma, al igual que se abusa de explotar ciertas franquicias como Marvel, Star Wars e incluso Toy Story y Frozen.

Con esto, el público ha caído en cuenta de que a Disney ya no le importa innovar, sino seguir generando dinero, pero todo a costa de la calidad, la originalidad y la imaginación que antes se sentía en sus productos.

Sakura Haruno es uno de los principales personajes del anime y manga Naruto y, a pesar de eso, se le ha considerado el peor personaje de toda la historia ¿Pero de dónde viene este odio?¿De verdad merece tanto ese odio?

Una de las principales razones por las que es odiada es por “maltratar” o “golpear” al protagonista, que en este caso es Naruto.

Pero el momento más recordado que hizo que el fandom odiara a este personaje es cuando ella dijo que Naruto no tenía padres, un comentario fuera de lugar, imprudente, pero al final creíble, algo que perfectamente puede decir una niña de 12 años que apenas va desarrollándose.

Pero fue en ese momento donde muchos agarraron de bajada al personaje, posicionándola como uno de los peores personajes de todo Naruto o incluso de todo el anime. Incluso es más odiada que los villanos que de verdad hicieron cosas malas para Naruto y para la aldea y aunque Sakura no es el mejor ejemplo de buen personaje femenino, tampoco la podemos tachar como la peor escoria dentro del anime y manga.

Pues, al final de cuentas, actúa como alguien de su edad y sí, es algo odiosa, pero es algo que se le fue quitando conforme fue madurando. Sin embargo, hay otra razón por la que Sakura es odiada y es el hecho de ser un personaje inútil, pues al ser un ninja, muchas veces solo estorbaba en la misión, aunque la razón de que eran ninjas que apenas iniciaban, la verdad es que no es una excusa, pues muchos personajes masculinos de su edad ya peleaban y no se quedaban quietos. Lastimosamente, aquí no hay algo con qué defenderla, pero sí tenemos a un responsable de que Sakura fuera así, y es el mismísimo autor, Masashi Kishimoto, quien en una entrevista declaró que no sabía escribir personajes femeninos, lo que para mí en realidad solo es una excusa, pues solo para hacer un buen personaje tiene que ser independientemente del género.

Ahora bien, actualmente Sakura, a pesar de sus fallos, ha crecido y madurado, pues aunque no tenga el nivel de poder del protagonista, ha desarrollado grandes habilidades como ninja: una súper fuerza, ser una excelente ninja médico, regeneración, entre otras.

Aun así, muchos no han cambiado su percepción del personaje, todavía reduciéndola a su versión de 12 años, como si todo su crecimiento no contara, a diferencia de otros personajes quienes han dicho cosas o hecho cosas peores.

El odio hacia este personaje los ha cegado tanto que ya ni siquiera critican al personaje por cómo está escrito, sino que directamente empiezan a criticar el físico de Sakura, llamándola “tabla” de manera despectiva al no tener un cuerpo tan desarrollado como otros personajes femeninos de Naruto.Y el problema solo podría quedarse en odiar a un personaje 2D, pero no es así.

Dentro del fandom de Naruto, hay quienes genuinamente son fans de Sakura Haruno y sin pena dicen que es su personaje favorito; sin embargo, esto provocó que fueran insultados o acosados por otros disque fans, pues no soportan que un personaje que ellos consideran horrible tenga fans genuinos.Incluso llegó al tal grado de que se metieran con el físico de estas personas, tal y como lo hacen con el personaje.

En conclusión, Sakura Haruno es un personaje que va evolucionando a su ritmo y, a pesar de ser molesto, no se puede negar que ha crecido como persona y como ninja. A pesar de no ser la más poderosa, no se puede negar el cambio que tuvo, a pesar de que odies u ames al personaje.El hecho de que odies a un personaje tampoco da el derecho de insultar o acosar a otras personas por el simple hecho de tener un gusto distinto al tuyo.

Al final, considero que Sakura pudo haber sido un personaje que diera más, pero las malas decisiones del autor la dejaron en una posición media, donde, a pesar de ser habilidosa, todavía es opacada.

Aún con todo esto, considero que el odio hacia Sakura está forzado y muchas veces es sin argumento o por razones pasadas.