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Viernes, 6 de Noviembre de 2026, es de noche y los estudios QUARRY en la CDMX arroparon gentilmente a todos aquellos asistentes al road to hipnosis, volvió nuevamente a ciudad de México después de un merecido descanso de 4 años, ese legendario concierto junto a The War On Drugs y The Strokes sirvieron de punto y a parte para la vida de rock Star de McBriare Samuel Lanyon, mejor conocido como Mac DeMarco, quien decidió reordenar sus habitos y volver en mejor condicion que nunca.

Un artista que me ha acompañado ya más de 8 años y con el que he crecido, sus baladas psicodelicas, irreverentes y a momentos profundamente honestas me han acompañado en muchas etapas, esa honestidad produce lo que hablaremos; Lo que surge cuando ese trabajo construye una comunidad y como todo converge en noches como esta del 6 de noviembre.

Abrió un músico legendario; Connan Mockasin quien con un blues lento y puntual remarcaba su estilo suave, un dominio serio de los slides y un ritmo que se prestaba a trances interesantes. Su canción Forever Dolphin Love se me hace alucinante, tanto que hasta King Krule me la ha presentado en un cover igual de bueno, pude escucharla esa noche.

Para el show estelar, Mac Abrió con For The first time de su corte del 2017 que es mi favorito personal(This Old Dog). Y como la letra decía, era como verlo por primera vez después de mucho tiempo, por qué durante el performance entendía que el tiempo había pasado y las cosas que alguna vez sentí realmente sucedieron, casi como si la canción fuera un ancla emocional a recuerdos que nos perdemos en el camino… Pensé en un poema:

“Un recuerdo que apenas recuerdas pero que mantienes junto al pecho”

Y así es como a través de todas las frustraciones de la nostalgia me puedo recordar momentos que fueron tiernamente arropados por su música, la canción “Sweter” procedía con gentileza recordando la madurez del Mac Actual, recordándome a la par que el cambio es bueno, puede ser más dulce con el tiempo, también que algunas cosas nunca cambian.

Le prosiguieron canciones queridas por los fans, cortes de sus discos Salad Days(2014), algúna de One Wayne G(2023) ese álbum de 199 canciones que documentaba su evolución como compositor al rededor de 5 años, los discos que estuvieron más presentes fueron This Old Dog(2017), Guitar(2025) y no podían faltar los clásicos de 2(2012) o el debut Rock and Roll Night Club(2012)El recorrido por la discografia estaba justo para todos los fans, realmente resaltaban esas canciones con auras especiales como Ode To Viceroy o One more love song.

Las lágrimas y la vulnerabilidad se veían cortadas de tajo con los chistes y la actitud de Mac, sin embargo este contraste siempre reflejaba una calma muy especial que solo el podía transmitir, de golpe se ponía a caminar parado de manos o a perrear encima de algún monitor después de cantar sobre ese amor que construimos una y otra vez para caer inevitablemente.

Había fans gritando chistes, haciendo porras improvisadas que la multitud seguía, regalando freebies de gran cariño solo para los fans, parejas abrazándose en las baladas melancólicas, un verdadero ecosistema nacido de la verdad de Mac, tocó heart to heart y fue inevitable pensar en Mac Miller, a quien le escribió esa canción y de quién era gran amigo, Miller siendo mi rapero favorito esto se sintió como un homenaje justo de músicos hacia músicos. De familia a familia.

Connan Mockasin se unió a tocar algunas canciones entre ellas el famoso Hit Chamber of Reflection, fulminaron con la sentimental y tardíamente distorsionada Moonlight On The River, que tal cual en su versión de estudio, la terminaron con una jam que llenó de ruido y psicodelia una de las cumbres del show.

Los fans estábamos eufóricos, realmente complacidos después de un set de 27 canciones que atravesaban todas las facetas de DeMarco, como es de costumbre en un show con cariño, tuvieron un respectivo encore pedido a gritos, no podía cerrarse la noche si una de sus canciones insignia: My Kind Of Woman. No sé, hablar de esa canción es abrir la escotilla a sentimientos amplios, simplemente era un regalo escucharla en vivo por fin, como si mi vida estuviera ganando un recuerdo que con orgullo llevaré a descansar a la tierra. Todos esos momentos donde Mac me acompaño con sus canciones y más especialmente con esa, pude recordar una vez más por qué la música es el hogar más seguro que conozco.

Por fin se cumplía ese encuentro, la banda de Mac estuvo impecable, improvisaban cuando debían y lo mantenían fiel en los momentos clave, los solos de algunas de estas versiones iban cargados de sentimentalismo. Debo reconocer que fue una noche de muchas sensaciones encontrados, en cada vistazo que podía dar estando ahí era especial, intenté devorarlo todo con los ojos y procesarlo con el corazón, quería que esta columna fuera un recuerdo de ello, regrese a mi hogar entre la niebla y el frío, habiendo vivido algo con sentido, gracias por leer.

Hay artistas que construyen catedrales sonoras apoyados en presupuestos millonarios y grandes orquestas; Alexander Giannascoli prefirió edificar un imperio emocional con un micrófono modesto, una guitarra de cuerdas gastadas y el crujido discreto del suelo de su habitación en Filadelfia.

Para toda una generación que busca refugio frente a la saturación del ruido digital, Alex G no es simplemente un cantautor: es el secreto mejor guardado de la música alternativa contemporánea, un arquitecto de la intimidad.

Escuchar su vasta discografía equivale a sintonizar una estación de radio pirata que emite de noche desde la penumbra de un altillo. Su fórmula parece engañosamente simple, pero resulta inalcanzable para la mayoría de sus imitadores.

Giannascoli toma retazos del folk de raíz, la distorsión del grunge noventero, acordes disonantes de jazz y sutiles pinceladas electrónicas, para luego retorcerlos mediante filtros vocales que oscilan entre la inocencia infantil y lo inquietante. Sus canciones poseen una cualidad espectral: son melodías inmediatas y adhesivas, pero envueltas en un aura de enigma y rara melancolía.

El impacto de Alex G en la escena musical es tan profundo como silencioso. Mucho antes de que el concepto de bedroom pop se convirtiera en un cliché de la industria o en una tendencia fácil de algoritmo, él ya había moldeado la poética de la distancia.

Demostró que la grabación casera y el sonido lo-fi no eran limitaciones por falta de recursos, sino una postura estética e intensamente personal. Esta capacidad única para entrelazar lo cotidiano con lo surrealista terminó atrayendo a figuras como Frank Ocean, quien lo convocó para aportar sus guitarras texturizadas en álbumes de culto como Blonde y Endless.

Hoy, la huella de Giannascoli se respira en una marea de jóvenes creadores que comprendieron que no hace falta un estudio sofisticado para edificar un universo perdurable. Piezas como “Mary”, “Sarah” o “Treehouse” han mutado en himnos generacionales en plataformas digitales, demostrando que sus relatos ambiguos conectan con una audiencia hambrienta de vulnerabilidad sin filtros. En una era obsesionada con la producción hiperpulida y la inmediatez efímera, Alex G se mantiene firme como un culto a lo impredecible. Su trayectoria nos recuerda que la magia sonora habita, casi siempre, en las grietas de lo imperfecto.

A trece años de su partida, el eco de Lou Reed sigue resonando con la misma intensidad rugosa, poética y honesta que definió toda su trayectoria. Los últimos años del legendario líder de The Velvet Underground no estuvieron marcados por la decadencia ni por el retiro silencioso, sino por una incansable búsqueda artística, una profunda plenitud personal y una dignidad inquebrantable frente a la fragilidad del cuerpo.

En este capítulo final, el amor y la contemplación guiaron sus días. En 2008, unió su vida oficialmente a la artista vanguardista Laurie Anderson, su compañera y alma gemela durante más de dos décadas. Junto a ella construyó un refugio de serenidad y complicidad creativa en Nueva York.

Al mismo tiempo, Reed volcó su energía vital en la práctica del Tai Chi bajo la guía del maestro Ren GuangYi; esta disciplina oriental no solo sostuvo su salud, sino que se transformó en una filosofía de vida: la búsqueda de la fuerza a través de la calma y el equilibrio.Fiel a su indomable espíritu provocador, su último gran trabajo de estudio fue Lulu (2011), una incomprendida colaboración con Metallica.

Aunque fue rechazada por parte de la crítica comercial, Reed la defendió con orgullo como una de sus creaciones más arriesgadas, demostrando que hasta el último aliento se negó a complacer expectativas ajenas.

En mayo de 2013 se sometió a un trasplante de hígado tras batallar contra una grave enfermedad. Tras unos meses de serena recuperación, el 27 de octubre de 2013, a los 71 años, Lou Reed falleció pacíficamente en su casa de Long Island. Rodeado de naturaleza y amor, pasó sus últimos instantes contemplando las copas de los árboles y realizando suaves movimientos de Tai Chi con las manos. Transcendió exactamente como vivió: radicalmente auténtico, poético e inquebrantablemente libre

En mi travesía de vida por el mundo del arte siempre hay guiños a esta corriente, muchas veces usada la palabra surreal sin saber su significado; surrealismo fue acuñado por Apollinaire en 1917: Por encima de la realidad o sobrerealidad, consagrado en el manifiesto de 1924 de André Bretón.

Directo, crudo, elegante a la hora de hablar de la verdad de las personas, no de andarse con chorradas en los polvos como me dirían esas queridas traducciónes de anagrama que no desperdiciaban ni un poco la esencia en la prosa de este hombre.

El decía que el arte está en las calles a montones como colillas de cigarros, por qué en todas los rincones de una ciudad habita la poesía en sus personas e historias y sin embargo el mejor regalo que le podían dar sus lectores era su ausencia, limitando el gesto de un encuentro a la página impresa desde el 94 que murió para volverse inmortal.

Si, hablamos de Heinrich Karl Bukowski, mejor conocido en el mundo literario como Charles Bukowski, hijo de padres alemanes eventualmente migrantes. América dónde vivió gran parte de su vida sirvió como la pintura que alimentó sus paisajes, más exactamente la densa atmósfera bohemia de los Angeles.

Ese viejo indecente paso 50 años de su vida entre trabajos, pobreza, mujeres y botellas hasta comenzar a dilucidar los primeros atisbos de reconocimiento a su talento.

Su debut fue la novela Post Office (1971) o Cartero en español donde relata su vida en el trabajo, relata las noches de una vida dura, el último poeta maldito de América lo era por su predilección a la cerveza, la música clásica y los gatos, bajo su alter ego Henry Chinasky es que encontramos las vivencias de alguien seguro de su estilo de vida y seguro de su mirada al mundo, sabía que era un alma condenada y se burlaba de la muerte en su cara.

Es cierto que no buscó ser el mejor escritor o la mejor persona, sus opiniones en momentos controversiales y nada sorprendentemente rechazables terminaban por filtrar y transmitir una personalidad acida, tajante y directa, pero con un carisma desinteresado como el que caracterizaba el nihilismo post guerra del que surgió Buk y muchos más hombres al que la sociedad robó el alma.

“Don’t Try” dice el epitafio de su tumba, diciéndole al lector que no intente cualquier cosa a menos que le salga como si le quemara en las entrañas la necesidad de hacerlo. De no ser así no lo intentes, por qué fallaras en ello, los únicos que se alimentan del fracaso en algo son aquellos tan hambrientos para conseguirlo que no se detienen.

He decidido hablar de el por lo que su figura puede significar muchas cosas, la entrada a la literatura, al mundo de los poetas malditos, a la dignificación de la marginación, de la desigualdad del mundo como un orden sobre el que solo podemos mover algo con la experiencia de las cicatrices.

Tiene poesía, novelas, cuentos, ensayos y cartas que entre dejan ver los días de un mundo condenado desde adentro pero aún con muchas sorpresas que dar, ya sea en una mujer especial que te desvela su naturaleza, en una buena victoria en las apuestas del hipódromo, en esa anécdota de bares, de autos, de cuartos grises con las persianas dejando pasar líneas de luz que golpean con fuerza la cara resacosa de ese hombre gris.

Esta semana se aproxima un momento histórico para el país, está vez no son un perro andaluz.

6 de octubre de 2026, no es una fecha común, la banda neoyorquina de rock alternativo vuelve por segunda vez a la capital mexicana, desde su primer y breve encuentro en octubre del 2024, vuelven para revolver los sonidos de su nuevo disco frente a los fans mexicanos.

Getting Killed, este disco que significó un salto mediático global para la banda también significó un tercer disco a su paleta sonora que desde mi opinión como escucha, los disparó directo a la historia.

Un sonido que desde 2018 se ha ido desarrollado en la banda que de ninguna manera es una operación psicológica(referencia a uno de sus escándalos mediáticos) de los medios ya que se pueden identificar muchas influencias en su sonido, siguen la tradición de guitarras intrincadas entre si conversando como buena banda de garage o rock setentero; Television, Talking Heads, The Strokes, Arctic Monkeys.

Sin embargo una de sus marcas distintivas como banda es Cameron Winter, el vocalista con una capacidad elástica de cambiar su voz y modularla a lo largo de toda la canción, pasando de falsettes dramáticos a gritos rasposos y en momentos teatrales de hard rock.

No solo se queda ahí, sus letras tienen esa potencia posmoderna que oscila entre cultura popular y de nicho que termina creando pasajes grandilocuentes e irónicos, gestionados magistralmente.

“When the Ragnarök comes down and the sun and moon collide we can make love in the end times”

2122(2023)

“I, I can’t even hear myself talk

I’m trying to talk over everybody in the world I, I can’t even taste my own tears

They fall into an even sadder bastard’s eyes”

-Getting Killed(2025)

En diversas entrevistas la banda ha dejado ver qué toman con irreverencia muchas de las cosas que rodean la industria y su carrera, sin embargo lo que más toman en serio es la música y se percibe en la propuesta ecléctica y directa que toman en varios temas, se toman de verdad sus papeles de sorprender y entregar algo nuevo por encima de sus influencias.

Y no todo es un meme o una pastiche en estos tiempos, se presentan como una declaración de los tiempos actuales; Una situación de guerra mental y política en el ser humano, en la canción homónima de su Getting Killed exponen la idea de como la situación contemporánea en las ciudades destruyen a las personas con una calidad de vida supuestamente aceptable para el capitalismo.

“I’ve been getting killed by a pretty good life”

Escucharlos se siente como una propuesta igual de auténtica y monolítica como todas esas influencias de la nostalgia que permean sueños con los nombres de las bandas más grandes de la historia del rock.

Como un reciente admirador de ellos desde el año pasado, he conectado profundamente con su propuesta y se han ganado mi legítima confianza en ser una banda inigualable y de un talento que desborda las expectativas, recomiendo ampliamente darles la oportunidad de disfrutarlos casualmente o de adentrarse a su distorsionado universo sonoro.

Estas semana escuché mi primera canción de Leonard Cohen, la escuché en serio y creo que da para hablar de esto;

“No puedes vencer el dolor sin ser generoso

Estas migajas que me ofreces amor, son las migajas que dejé atrás

Tu dolor ya no tiene autoridad aquí, es sólo la sombra, la sombra de mi herida”

–Línea traducida de Avalanche, canción de su disco Songs of love and hate

Más allá de lo que pueda significar para cada uno, comparto una de mis primeras impresiones de el, y es que hay que reconocer que su uso de figuras retóricas y la manera de dar mensajes en pocas palabras es deslumbrante, y aún más allá de los tecnisísmos, está lo que le dice a cada uno, por qué si, al final todo se reduce a eso, pienso en Silvana Estrada:

“Ya no queda nada

Que pueda salvarse

Tiramos escombros

Lloramos tal vez

Guardamos en cajas

Miedos y reproches

Tirando los dados

Se aprende a perder”

-No te vayas sin saber (2025)

Estaba viendo ese vídeo de José José donde hablaba de como llamaba a su grupo autodestructivo de compañeros: “El escuadrón de la muerte” por qué hacían fiestas de meses, decía jaja, recordemos que José José también tuvo un don para retratar el alma humana y para conectar emociones deslumbrantes arropadas por las mejores bandas.

Si la historia que nos retratan se siente viva y real podemos generar una cercanía, y para eso se requiere refinar una habilidad, la de la narrativa. Hay sintaxis(orden de las palabras) ocultas en ciertas combinaciones de frases o versos que alcanza la potencia de vislumbrar una parte de nuestras vidas.

Jonás de Diles que no me maten ha mencionado a la música como un colchón sobre el que las palabras se pueden recostar, hay nombres que vuelven las palabras música y música a las palabras: Elizabeth Fraser de Cocteau Twins o Jeff Buckley que tenían voces compenetradas especialmente con la instrumental. Véase cuántas perspectivas de ver la interpretación, la voz, el lenguaje.

Muchos compositores mencionan esta brecha casi indivisible entre la literatura y las canciones, desde Bob Dylan hasta Juan Cirerol, desde Rosario Bléfari hasta Natalia Lafourcade en todos está esa idea, usar las realidades para crear otras que hábitar, reflejar el mundo dentro del mundo, para descubrirnos en palabras de otros por qué hay una humanidad detrás de cada relato que se comparte y se conecta.

Lo invito lector a ponerle escucha y corazón a su compositor de confianza y sentarse un momento a contemplar que paisaje se presenta frente a usted.

Probablemente lo que haga a un compositor bueno es lograr volver un fragmento de tiempo inmortal, usar la voz como cincel de una estatua sublime que trascienda la prueba del tiempo, Julián Casablancas dice que más allá de toda subjetividad hay una objetividad colectiva que solo el tiempo puede revelar, ahí yacen las leyendas.

Era el viernes 18 de septiembre del 2026, 9 de la noche, nuevamente en Casa Padi, aquel foro con extraordinarios alcances en la ciudad de Pachuca, eventos casi todos los días y este no era uno más.

Esa valoración se vio plasmada en los gestos de los asistentes que crearon un ambiente en sintonía de la música presentada; Desde Hermosillo hasta Pachuca, Sgt Papers abrió la noche demostrando la potencia que dos hombres pueden alcanzar con una batería, una guitarra y una planilla de pedales entre los que destaca el loop por su creación de atmósferas efectivas y reales que apelaron al baile y la energía de los presentes.

El espectáculo fue tan bien, con sus excentricidades dignas de un espacio independiente, la intimidad y cercanía del espacio moldeaba la trayectoria de los cuerpos, los deseos de capturar todas esas fotos, el flash sobre el sudor, cabezas chocando. Entre los estrenos y los clásicos interpretados para la banda que conoce, se pudo atestiguar una variedad de momentos estéticos entre los logros de su obra, un show potente.

Para las 10:30 de la noche ya se estaban dando las afinaciones finales, la banda estelar comenzó: Unperro Andaluz(si, sacado directamente del corto de Buñuel, esta es la banda no el cortometraje). Una estética magnética, decadente, disonante al mismo tiempo que poética tomando a su realidad como inspiración, Ecatepec como cuna del sonido, así lo dicen y así lo demuestra en su crudeza y energía.

La interacción entre la banda, el lugar y los asistentes se desparramaba de energía, alentados por canciones ya clásicas en su repertorio, me encanto ese momento donde el baterista grito: “Este es un clásico!, para toda la banda!, 1 2 3 y 4” . Mientras marcaba la entrada de Canícula en el cerro, uno de sus hits.

Al son del bajo y los riffs garageros y afilados de las dos guitarras, el sintetizador planteando parte de la base sobre la que bailaba la poesia y los asistentes.

“Se me aparezca el diablo por el viento”

Cantaba Yael, el vocalista, frente a todos esos cuerpos retorciéndose en luces estroboscópicas. Las canciones dictaminaban el ritmo, pero la expresividad daba lugar a escenas únicas; Gente siendo honesta consigo misma y expresándose con la intuición de sus cuerpos, momentos en las canciones como “bossy” planteaban cambios abruptos de tempo yendo de un momento de ruido a un solo de saxofón que hipnotizó a todos, una persona hizo crowd surfing y a la mitad de la canción parecía como si cargarán a un muerto en gloria, con los brazos extendidos y mirando hacia arriba, un réquiem sonando como cargando un timbre rasgado, denso y prolongado que sonaba a marcha fúnebre o a lamento decadente.

Esa era la magia de los contrastes en el sonido de los perroperro, demostraron un dominio medular de sus canciones y una cercanía a la improvisación muy natural, esto desembocó en canciones enriquecidas por la energía del momento. El pozo y moshpit que se generó en el público parecía un espacio para perder la cabeza y liberarse en la catarsis, imágenes en los momentos cumbre del set.

Fue una noche llena sentimientos que sin necesidad de llevar un orden encontró su propia forma de desarrollarse, el setlist abarco sus 2 discos de estudio y sencillos previamente lanzados.

“Te mintieron, te mintieron con que todo iba a ser eterno”

La banda tuvo una presentación exitosa en Pachuca y sobre todo, inolvidable para aquellos que fueron. Hay experiencias irrepetibles, ni en la misma banda o en la misma noche van a fluir los mismos sentimientos en las mismas imágenes, el mundo estético de Unperro Andaluz da para muchas experiencias y vaya que experiencias, es una banda que va para la historia sin lugar a dudas.

La intertextualidad, para aquellos no relacionados con la idea pues viene de la semiología; Habla de que las obras, las historias y discursos no son aislados, más bien son una conversación viva de múltiples voces y contextos, un mosaico de citas e ideas que se absorben y reorganizan a medida que el autor interactúa con la cultura universal del conocimiento humano.

Una vez sentada la base procederé a tirar una pregunta cuál chispa sobre un debate tan denso como el alquitrán; ¿Realmente estamos construyendo un futuro que se sienta digno del pasado?

Las inquietudes que gestan mis cuestiones surgen de leer a Byung-Chul Han en La expulsión de lo distinto, dónde la globalización e hiperconexión ha fundido nuestra identidad local con algoritmos cuyo único fin es enganchar y consumirse fugazmente, ahí es donde todas las culturas se homogenizan en los mismos formatos de información; La misma ironía, la misma nostalgia, los mismos 15 segundos, el mismo vocabulario…

La juventud está frente a una realidad que se desarrolló al igual que su cerebro lo iba haciendo, ya no necesitamos ser silenciados por dictaduras fascistas, ahora no somos un mayor inconveniente si estamos anestesiados por un conformismo digital que nos dispara a un espacio oscuro, que se encuentra entre el final de una tendencia y el comienzo de otra.

Genuinamente no quiero que esto se vuelva una simple crítica social masticada de los mismos conceptos que me tienen atado a mi retórica, sino resaltar las cuestiones correctas, por qué desde afuera se siente completamente normal sentirse un joven del siglo XXI con la cultura en su bolsillo.

La contradicción entra cuando te das cuenta que sin importar que hablemos de CDMX, Mérida, Berlín o París, hemos desarrollado todos un mismo modus operandi para apropiarnos de la cultura histórica con un hambre estética, la pretención está más fuerte que nunca y la historia misma se ofrece como un disfraz generalizado, despojado de su propósito original (El grunge, el Y2K, el aesthetic) todo con un propósito performativo.

La novedad en fusionar estilos se ha estado desvaneciendo, ¿Todavía sigue siendo una declaración de resistencia e identidad? ¿O solo nos inclinamos al mercado del mundo para encajar?empaquetados como algo que se gasta al mirarse por carecer de sustancia.

Calmemos el caudal un poco, no es una decadencia, es una transformación en proceso, hay teóricos que postulan la incapacidad de nuestras generaciones para innovar, aferrados al reciclaje y a la referencia continúa, sin embargo, somos generaciones que están formando su identidad en este caleidoscopio sumergido en crisis políticas y humanitarias.

Las propuestas discursivas en proyectos y acciones colectivas entre las escenas juveniles de todo el mundo ha demostrado ser genuina, abriendo puertas a paisajes inéditos, me consta por conocer a mis contemporaneos y compartir sus ambiciones.

Más allá del algoritmo, de las pastiches, del capitalismo tardío y el incontable uso del 67 en el humor abstracto de estos días, me atrevo a citar una vez más, sabiendo que hay un futuro ansioso por describirme a mi y a mis compañeros como algo de lo que valdrá la pena hablar.

“No importa de dónde tomes las cosas, sino adónde las llevas”

–Jean-Luc Godard.