Categoría: CULTURA

Tendencias estéticas, artes plásticas, literatura y las expresiones que moldean la identidad contemporánea.

  • EL REY DE BAYAMÓN

    EL REY DE BAYAMÓN

    Gilbert Cosme Ramírez, popularmente conocido en el deporte espectáculo como El Mesías o Ricky Banderas, nació el 25 de mayo de 1975 en Bayamón, Puerto Rico.

    El Mesías no nació siendo una estrella de los grandes cuadriláteros. Detrás de su presencia imponente, su figura atlética y su aura dominante dentro del cuadrilátero, existe una historia de disciplina constante, sacrificio personal y la firme convicción de convertirse en un referente indiscutible de la lucha libre internacional.​

    Mucho antes de que el Mesías alcanzará la gloria, existió un joven en Bayamón que dividía su rutina cotidiana entre las aulas universitarias y el esfuerzo físico diario.

    Mientras cursaba la carrera de Tecnología Informática en la Universidad Interamericana de Puerto Rico, Gilbert descubrió que su verdadera vocación exigía una entrega total sobre la lona.

    Decidido a forjar su propio destino, entreno agotadoras jornadas de entrenamiento físico y técnico. Fue en la International Wrestling Association (IWA) de su tierra natal donde dio sus primeros pasos profesionales como Ricky Banderas, construyendo con base en sudor y disciplina un estilo caracterizado por la potencia de sus ejecuciones y un dinamismo poco común para atletas de su tonelaje.

    Salir de su entorno natal para incursionar en escenarios internacionales no representó una transición sencilla. A mediados de la década de los 2000, desembarcó en México de la mano de la empresa Triple AAA.

    Inicialmente presentado tras la incógnita de Muerte Cibernética, fue en junio de 2006, en Triplemanía XIV, cuando perdió la máscara ante La Parka y desveló su rostro, adoptando a partir de ese instante el nombre definitivo que consolidaría su leyenda: El Mesías.​

    En aquella época, el terreno estelar de la lucha libre mexicana se mantenía como una plaza sumamente exigente para cualquier competidor extranjero, donde la afición local solía brindar una recepción hostil a quienes buscaban desplazar a los ídolos nacionales.

    El Mesías no se conformó con un rol secundario en las carteleras; decidió medirse en el centro del encordado contra los pesos pesados y los máximos referentes del pancracio mexicano. Apoyado en un estilo contundente y ejecuciones, transformó el abucheo inicial de los recintos en un respeto profesional unánime.​

    Su época dorada quedó enmarcada por enfrentamientos encarnizados y apuestas de altísima tensión. El Mesías disputó combates emblemáticos donde la sangre y el honor se pusieron en juego frente a colosos de la industria como Dr. Wagner Jr., Cibernético, L.A. Park y Electroshock.

    En batallas memorables de máscara contra cabellera y luchas en jaula de acero o de alambre de púas, colecciono campeonatos de enorme valor, arrancando las melenas de gladiadores consagrados y consolidando su reputación como un especialista en contiendas extremas.

    Su consistencia en el encordado alcanzó un punto culminante al coronarse como el primer Megacampeón de AAA, un cetro de prestigio mundial que conquistó en cuatro oportunidades distintas, además de adjudicarse torneos de gran tradición como Rey de Reyes.​

    Mirar en retrospectiva la trayectoria de Gilbert Cosme es contemplar la travesía de un atleta de Bayamón que empleó la preparación, el carácter y la determinación para superar fronteras geográficas y culturales.

    El Mesías abrió una brecha fundamental para las generaciones de gladiadores internacionales que aspiran a triunfar en los escenarios de México.

  • CUANTO LA LINTERNA SE APAGA – LA MUERTE DE HAL JORDAN

    CUANTO LA LINTERNA SE APAGA – LA MUERTE DE HAL JORDAN

    A veces se habla de ese “impulso masculino” de querer hacer lo correcto después de una vida llena de errores.

    Pero uno pensaría que esto no aplica con un superhéroe, digamos, como Green Lantern, ¿Verdad?

    Porque fue elegido por los mismísimos guardianes del universo, es aquel que lucha para proteger al universo de todo mal. Pero a veces olvidamos que detrás de esas máscaras los héroes no son muy diferentes a nosotros.

    Porque debajo de ese traje, tras esa intensa luz esmeralda que ilumina el universo en el día más brillante y en la noche más oscura, se encuentra Hal Jordan, un hombre como tú o como yo. Un hombre con sentimientos, virtudes, defectos, y traumas.

    Desde aquella noche en que dejó de ser solo un piloto de la fuerza aérea, juró proteger el universo de todo mal que lo amenazara, con métodos más o menos cuestionables, e independientemente del tipo de persona que fuera, juró defender el universo hasta su último aliento.

    Ganó incontables batallas, salvó incontables vidas y se volvió un héroe muy conocido y admirado por muchos, pero tal vez Hal pasó demasiado tiempo volando como para darse cuenta de quien realmente estaría con él cuando finalmente tuviera que tocar el suelo.

    Tras conocer a John Stewart, y saber de su inminente reemplazo, Hal se enfrentó en carne propia a la gran debilidad de los Green Lantern.

    “No tengo la menor idea de lo que esperabas, pero supongo que es este anillo de aqui y no necesito un compañero, y mucho menos un apoyo, así que la única forma en que lo obtendrás es sobre mi maldito cadáver”.

    Esas palabras dejaban entrever el profundo miedo que sentía.

    Miedo no saber quién era realmente cuando tuviera que ceder el anillo. Y en un afán de demostrarle a todo mundo, a los guardianes, a Stewart y a sí mismo que aún podía seguir siendo el héroe que siempre fue, terminó por condenar al pacifico pueblo de Rushville. Aunque finalmente, John Stewart renunció al anillo por su propia voluntad.

    Tras el incidente, pasó 10 años en prisión, 10 años siendo solo Hal Jordan, aceptando la responsabilidad por sus actos y, tras salir, intentó reparar el daño.

    Se mudo al pueblo, y día tras día iba de casa en casa tocando puertas para ver cómo podía ayudar, así fuera en lo más simple. Pese a los insultos y rechazos de los habitantes de Rushville, nunca dejó de intentarlo, nunca dejó de querer hacer lo correcto.

    Tras su muerte, su funeral se llevó a cabo como se debía. Con la presencia de dirigentes mundiales, de otras galaxias, sus compañeros de la corporación y cientos de miles de asistentes presentes para honrar al gran héroe que fue.

    O al menos, eso fue lo que Hal se imaginó al escribir su discurso de despedida. Porque a su funeral solo asistieron tres personas, entre ellas John Stewart, aquel que desprecio por ser su “inminente reemplazo”.

    Hay algo profundamente irónico en un hombre que salvó galaxias enteras y terminó siendo despedido casi en silencio, mientras el pueblo al que una vez dañó nunca terminó de perdonarlo del todo, y ahí está una de las partes más dolorosas de la historia de Hal.

    Porque cuando tienes poder o éxito y todo mundo te necesita, esa atención puede malinterpretarse como amistad. Ya que una vez que dejó atrás el anillo y su carrera comenzó a apagarse, esa compañía también se fue.

    Al final, el hogar de Hal Jordan terminó reflejando a la persona que era en realidad, y alejándose completamente del funeral que imagino: Un lugar enorme y espacioso, pero con pocas personas dentro para acompañarlo.

    Y quizá por eso su despedida importa tanto, porque después de una vida rodeado de gente y vitoreos, terminó descubriendo quienes realmente estuvieron ahí para él.

  • MR ROBOT Y LA FALSA SOCIEDAD

    MR ROBOT Y LA FALSA SOCIEDAD

    Los episodios de Mr. Robot se titulan como archivos dañados.

    Esa es la primera advertencia de que esto ocurre dentro de una máquina con fallos, y esa máquina, es la cabeza de Elliot Alderson.

    De día arregla sistemas ajenos. De noche se cuela en vidas ajenas. Puede abrir cualquier cuenta y no puede abrir una conversación. Espía a su psicóloga, a sus vecinos, a su amiga, porque leer a la gente es más soportable que mirarla a los ojos. 

    La soledad no se explica, se ve. Elliot vive en un rincón del plano, arrinconado por metros de pared vacía, como una silla libre en una mesa puesta para dos. 

    Y entonces te habla a ti. Te pide que guardes sus secretos, te corrige cuando miente, nadie inventa un testigo si tiene a alguien, el trauma no se cuenta, se clava. Una fecha que regresa. Un silencio que dura demasiado. 

    Elliot quiere derribar a la corporación que lo controla todo y borrar las deudas de millones de personas. Su colectivo, fsociety, es puro espíritu anarquista: sin líderes visibles, sin permiso, con la máscara como bandera. 

    Pero la serie no romantiza el incendio. Pregunta quién queda bajo los escombros. Y el nombre esconde su sentencia: fsociety termina leyéndose como false society, una sociedad falsa. Los que juran destruir el engaño acaban fabricando el suyo.

    Tenemos servidores, algoritmos, redes que lo conectan todo, y ninguna máquina descifra una mente. Un firewall se rompe con código. Un recuerdo no.

    La tecnología avanza en línea recta; el ser humano se mueve en círculos, con miedo, con culpa, con ganas de ser salvado. 

    No muchas series han capturado tan bien lo enrevesado de estar vivo.

    Y casi nadie la nombra. No la ignoraron por débil, sino por exigente. Quien la abandonó a medias se perdió el instante en que todo se derrumba y, aun así, encaja.

    Para mí, es indiscutiblemente una de las mejores serie que existe, porque entiende lo que es estar vivo sin saber si alguien escucha. Elliot sigue ahí, a las tres de la madrugada, hablándole a alguien que quizá no esté. 

    Ahora te toca estarlo.

    “¿Qué tal si cambiar el mundo se trata solo de estar aquí, de aparecer sin importar cuántas veces nos digan que no pertenecemos, de mantenernos fieles incluso cuando nos avergüenzan para que seamos falsos, de creer en nosotros mismos incluso cuando nos dicen que somos demasiado diferentes? Y si todos nos aferráramos a eso, si nos negamos a ceder y a seguir la corriente, si nos mantenemos firmes el tiempo suficiente, quizás… El mundo no pueda evitar cambiar a nuestro alrededor.” 

  • El espejo de neón: cuando el algoritmo cruza la pantalla

    El espejo de neón: cuando el algoritmo cruza la pantalla

    La saga de TRON regresa con un giro inesperado. Esta vez no viajaremos al mundo digital. Ahora los programas salen a nuestras calles.

    Del microchip a nuestras calles

    En 1982, la primera película nos mostró un universo dentro de la computadora. Décadas después, TRON: Legacy transformó ese lugar en un espectáculo visual con música de Daft Punk.

    Hoy, TRON: Ares cambia las reglas. El héroe ya no es un humano atrapado en la red. Ares es un programa avanzado que viaja al mundo real para cumplir una misión peligrosa.

    Esta idea refleja muy bien nuestros días. Antes temíamos quedar atrapados dentro de una pantalla. Mientras tanto, hoy vemos cómo los algoritmos y la inteligencia artificial modifican nuestro entorno diario.

    Un choque de luz y sonido industrial

    En lo visual, la película combina la simetría del mundo digital con el caos de la ciudad real. Las luces rojas brillan sobre el asfalto sucio. El resultado es sorprendente y moderno.

    La música refuerza esa sensación de peligro. Nine Inch Nails firma una banda sonora industrial y potente. Su estilo aporta una energía oscura a cada escena. Cada nota suena como metal chocando contra el suelo.

    Por su parte, Jared Leto interpreta a Ares con temple y misterio. El personaje busca entender la vida y las emociones humanas.

    ¿Quién controla a quién?

    La cinta ofrece un gran espectáculo de efectos especiales. Sin embargo, su verdadero valor está en las preguntas que plantea. Además, la historia explora la responsabilidad de crear tecnología tan potente.

    Al terminar la función, el público se lleva una reflexión inquietante. Ya no importa si las máquinas van a pensar como nosotros. La duda real es cuánta libertad perderemos frente a ellas.

  • Marilyn Manson: El Anticristo mediático

    Marilyn Manson: El Anticristo mediático

    Hubo un tiempo en que Estados Unidos necesitó desesperadamente un monstruo, y Brian Warner estuvo más que dispuesto a construirlo a medida. Bajo el nombre de Marilyn Manson, el matrimonio forzado entre el icono pop definitivo y el asesino más célebre de la contracultura, el personaje no nació para gustar, sino para infectar. Manson entendió antes que nadie que en la era de la televisión por cable y el sensacionalismo, el verdadero poder no residía en la melodía, sino en la capacidad de perturbar.

    A finales de los noventa, la figura de Manson operó como un espejo deformante para la sociedad puritana estadounidense. No era solo música; era una amenaza existencial para los valores tradicionales. Cuando la tragedia de Columbine sacudió al mundo en 1999, la histeria colectiva buscó desesperadamente un culpable en las frecuencias de radio. Manson no apretó ningún gatillo, pero su estética lo convirtió en el culpable perfecto.

    Su respuesta a la cancelación mediática no fue el repliegue, sino la lucidez fría, cuando Michael Moore le preguntó en Bowling for Columbine qué le diría a los jóvenes de aquella masacre, Manson pronunció la frase que desarmó a la prensa sensacionalista: “No les diría una sola palabra; escucharía lo que tienen que decir, que es lo que nadie hizo”. De repente, el “demonio” del rock demostró ser más analítico y articulado que los propios moralistas que pedían su cabeza.

    Musicalmente, Manson logró una hazaña rara: traducir la fealdad del underground industrial a un lenguaje masivo y adictivo. Este tomó la agresividad metálica y la mezcló con sintetizadores viscosos en Antichrist Superstar, creando un muro de sonido destructivo, sofocante y teatral.

    Pero reducirlo al shock rock es ignorar su camaleonismo. En Mechanical Animals, mutó de la bestia industrial al alienígena andrógeno de glam rock. Inspirado en la etapa más estéril de David Bowie, Manson facturó un álbum brillante sobre la alienación, el vacío de la fama y la anestesia química, demostrando que su propuesta tenía un sustento compositivo feroz que trascendía la simple provocación visual.

    La propuesta visual de Manson nunca fue erotismo convencional; fue una exploración del cuero, las prótesis, la androginia y el dolor. Su estética abrazaba sin complejos la imaginería BDSM y la deformidad quirúrgica: corsés opresivos, ligueros sobre cuerpos pálidos, lentes de contacto muertos y un maquillaje que oscilaba entre el cadáver y la diva decadente.

    El sexo en el universo de Manson no tiene nada que ver con el amor o el placer hedonista; es una moneda de cambio, un ritual de dominación y sumisión. Sus videoclips y performances transformaron la imaginería del sadomasoquismo en una metáfora del control institucional: la religión, la adicción y el poder político ejercidos sobre el cuerpo. Manson convertía el escenario en un quirófano o en una mazmorra, desafiando las fronteras del género y atrayendo al espectador desde una fascinación profundamente turbia y perturbadora.

    El problema con los personajes construidos alrededor del exceso y la dominación es que, eventualmente, la grieta entre el escenario y la realidad se rompe. Cuando una ola de graves acusaciones por abuso físico, psicológico y agresión sexual por parte de varias exparejas salió a la luz pública, la narrativa del “provocador incomprendido” colapsó instantáneamente. Para la opinión pública y los grandes sellos discográficos, la vibra sadomasoquista que durante décadas fue consumida, comercializada y aplaudida como una brillante performance artística pasó a ser leída como el registro explícito de una dinámica de poder real.

    Sin embargo, la historia de Manson no terminó en el ostracismo definitivo, sino en un fenómeno aún más revelador sobre el pragmatismo de la industria musical contemporánea.

    A partir de 2024, tras años de silencio, despidos de su agencia y pleitos judiciales, Warner inició un calculado retorno a los escenarios. Proclamando una supuesta sobriedad y firmando con un sello independiente del metal pesadísimo, lanzó los sencillos de su proyecto en dos partes, One Assassination Under God.

    Su regreso no se dio mediante la disculpa o la contrición, sino apelando a su núcleo duro de fanáticos en arenas abarrotadas y grandes festivales de rock. Las giras masivas junto a bandas del metal contemporáneo demostraron que el “mercado de la nostalgia y la transgresión” opera bajo sus propias reglas de demanda: un sector masivo de la audiencia decidió separar activamente al artista del ser humano.

    Al final, la trayectoria de Marilyn Manson revela una última y amarga ironía. El artista que usó el morbo para criticar el capitalismo de Estados Unidos acabó convirtiéndose en su producto más resistente. Un hito de la cultura pop que ni el pánico moral de los noventa ni la cancelación mediática del presente pudieron erradicar por completo, demostrando que en el espectáculo moderno, mientras la marca siga vendiendo entradas, el espectáculo siempre debe continuar.

  • El silencio del motor

    El silencio del motor

    Hubo un tiempo en que un automóvil no era un simple electrodoméstico con ruedas. Era un ser vivo, un tótem de libertad que rugía al pisar el acelerador, una extensión de la personalidad que mostraba el alma de su dueño antes de que éste pronunciara una sola palabra.

    Bastaba ver una silueta a la distancia o escuchar el rugido distante de un motor para reconocerlo. Un Shelby Cobra, un Corvette, un Mustang o un Jaguar no nacían en una hoja de cálculo corporativa destinada únicamente a complacer las tendencias financieras.

    Antes tú podías escuchar el estruendo metálico y profundo de un V8, esa sinfonía grave que hacía vibrar el asfalto.

    Los Ferrari de la época dorada no eran meros vehículos; eran poemas líquidos esculpidos por el viento, con líneas que desafiaban la física y motores que cantaban óperas de potencia bruta. Los Mustang y los Camaro de los sesenta y setenta, los Porsche 911 de aire refrigerado, los Jaguar E-Type que Enzo Ferrari llamó


    “El automóvil más hermoso jamás creado” – Enzo Ferrari

    Todos ellos compartían un alma común, un carácter inconfundible que los hacía únicos e irrepetibles. Las marcas europeas y americanas construyeron imperios sobre esa identidad.

    Un Mercedes-Benz no se confundía con un BMW ni con un Alfa Romeo; cada uno poseía su propia gramática estética, su filosofía de conducción, su manera particular de dialogar con el camino. Eran productos con un origen marcado y con una historia que contar en cada curva de su carrocería.

    La frialdad eléctrica

    Pero el mundo cambió. Y no fue un cambio orgánico, sino una invasión silenciosa que llegó de Oriente con la promesa de un futuro limpio y tecnológico. Los primeros vehículos eléctricos y los híbridos, provenientes mayoritariamente de China, irrumpieron en el mercado global con una estrategia tan eficaz como despiadada.

    Estas compañías ofrecieron tecnología de punta a precios impensables para las marcas tradicionales, y lo hicieron bajo un diseño que podríamos calificar como genéricamente funcional.

    Mientras tanto, los gigantes de Detroit, Stuttgart, de Múnich y Milán, creaban sus míticas obras de arte e ingeniería aferrados a sus motores de combustión y a sus legados centenarios y llegaron estas nuevas ideas de la fiebre eléctrica que habían transformado a la industria, y en esa transformación, las marcas europeas y americanas perdieron algo más que participación en el mercado, perdieron su brújula, su esencia.

    La tiranía del minimalismo

    Hoy, al contemplar las calles de nuestras ciudades, esa magia parece haberse disipado en un humo repentino. Los automóviles actuales, con honrosas pero escasas excepciones, comparten un mismo lenguaje visual. Líneas suaves, parrillas sin personalidad, faros que parecen salidos del mismo catálogo genérico de LED.

    Los interiores se han vuelto santuarios del minimalismo extremo, donde una pantalla gigante reemplaza todo vestigio de botones físicos, donde la calidez de los materiales nobles ha sido sustituida por plásticos reciclados que se sienten fríos al tacto, tanto física como emocionalmente.

    El silencio de los motores eléctricos, tan alabado por su eficiencia y su nula emisión de gases, nos ha arrebatado algo fundamental. La banda sonora de la conducción. Ese rugido que anunciaba la llegada de un automóvil deportivo, ese golpeteo rítmico del diésel, ese susurro aterciopelado de un seis cilindros en línea; todo ello ha sido reemplazado por el zumbido eléctrico de un electrodoméstico de alta gama.

    Conducir hoy se parece más a manejar un gran teléfono inteligente que a pilotar una máquina con alma.

    ¿Qué hemos ganado y qué hemos perdido?

    Es cierto que los motores eléctricos ofrecen una velocidad instantánea superior a cualquier motor de combustión. Es cierto que los híbridos han reducido el consumo y las emisiones a niveles antes inimaginables.

    Tambien que la conectividad y la asistencia a la conducción han llevado la seguridad del conductor y pasajeros a otro nivel.

    Pero, ¿a qué precio? Hemos ganado en tecnología lo que hemos perdido en pasión; hemos avanzado en eficiencia mientras retrocedemos en emoción. Los fabricantes chinos, que llegaron al mercado sin el lastre de un legado mecánico, han sabido capitalizar esta nueva era con una maestría envidiable.

    Marcas como BYD, NIO o Xpeng no solo venden automóviles; venden ecosistemas tecnológicos que seducen a un público joven que jamás ha escuchado un motor V8 a pleno rendimiento y, por tanto, no siente nostalgia por lo que desconoce.

    El automóvil contemporáneo busca aislar por completo al conductor de la experiencia de manejo. Los interiores se han transformado en salas de estar rodeadas de pantallas táctiles.

    Incluso el sonido, antes producido por el aliento natural de la combustión interna, hoy intenta ser simulado a través de altavoces en un intento melancólico por emular una emoción que ya no existe bajo el capó.

    La última revolución

    Las decisiones de diseño de firmas emblemáticas reflejan este cambio de época. Cuando casas históricas que construyeron su reputación sobre deportivos de ensueño comienzan a volcar su herencia hacia conceptos puramente corporativos e hiper tecnológicos, resulta inevitable sentir que la pasión ha sido relegada en favor del mercado y la simpleza tecnologica.

    Sin embargo, el automovilismo no se inventó para medir únicamente métricas de consumo, conectividad digital o simplemente llegar del punto A al B. Se inventó para transmitir sensaciones, para acelerar el pulso y para recordar que la ingeniería también puede ser una forma de arte.

  • Frecuencia sin respuesta: ¿Dónde estas? de Iván Cornejo.

    Frecuencia sin respuesta: ¿Dónde estas? de Iván Cornejo.

    Origen

    Esta canción fue lanzada en 2024, como parte del álbum titulado “Mirada”, ¿Dónde estas? es una de los temas que posicionan al cantautor mexicano-estadounidense Iván Cornejo como uno de los referentes del genero de corridos tumbados melancólicos.

    La canción nace del aislamiento y la experimentación acústica de la guitarra, logrando así captar la esencia del desamor y vacío emocional.

    En la actualidad es famosa por…

    Bueno, el tema aborda un duelo amoroso desde una perspectiva madura, pero a la vez dolorosa.

    Ya que no solo queda en una despedida dramática, sino que nos habla de romper la costumbre de estar y compartir mucho tiempo con alguien.

    Y de repente de un momento a otro esa rutina se esfuma por no tener los mismos puntos de vista.

    “Es que siempre he sido terco, у tú también terca
    Siempre era una guerra que nunca se termina”.

    Con el impulso de buscar a esa persona a tal grado de soñarla, el volver a los mismos rincones que visitaron solo para reencontrar la compañía de esa persona.

    Son justamente estos sentimientos los que expresa Iván cornejo en esta canción.

    La desorientación que produce el proceso de dejar ir a la otra persona por la que sentías profundos sentimientos

    “¿En dónde estás?” retrata con precisión ese sentir de ver como algo que ya estaba decidido a futuro se desmorona.

    No tanto es referirse a una ubicación geográfica, sino más bien cuestionarse o quejarse del ¿Dónde quedo lo que construimos juntos? 

    El cantante en la letra de su canción, plasma de una manera que todos los y las que lo escuchamos lo sentimos de manera sincera, al cantarle a la dificultad de aceptar la ausencia y cuestionándose por qué paso clon frases como:

    “No es fácil de aceptar que no estás aquí

    ¿De dónde te salió que ya no me querías a mí?”

    A diferencia de otros géneros donde el despecho se describe en busca de venganza, enojo y orgullo en esta canción expresa la tristeza, la nostalgia de extrañar a alguien y la desesperación de no poder continuar con su vida sin que le afecte como lo dice en la letra.

    “Ya hasta empecé a ir a clases de terapia, Salí con varias ninguna te alcanza”.

    Y como lo mencionaba anteriormente, toma la ausencia de un amor pasado, la imposibilidad de superar ese luto emocional y el vacío que deja el ya no saber más de ese alguien especial.

    Para finalizar mencionare que tanto la letra como el video le va muy bien a la temática de la canción ya que el uso del astronauta en un paisaje solitario refuerza la idea de que el proceso de aceptación a veces se puede sentir como estar en otro planeta desconectado del mundo exterior a causa del dolor.

  • ¿Quién tiene permitido imaginar nuestro pasado?

    ¿Quién tiene permitido imaginar nuestro pasado?

    Empezamos con una pregunta que resonó mucho en mi cabeza en una de las tantas madrugadas, podemos desglosar la pregunta, para empezar ¿el pasado se puede imaginar?

    En mi opinión creería que no, pero la realidad es que no todos somos partes de la desiciones que afectan a la sociedad, o por lo menos no en todos lados.

    Hay historiadores que intentan escribir o reescribir la historia a través de descubrimiento de fósiles, jeroglíficos etc… Pero llegara un punto tan antigua que nadie nos confirma que de todo lo que sabemos es real o mentira, el pasado es algo que no podemos saber con exactitud.

    Quién nos asegura que los dioses no existieron, que nos caballos no volaron y lo dejaron de hacer por lo humanos, que lo que conocemos hoy no fue como en los cuentos de hadas que conocemos ahora.

    Lo podemos poner de otra manera, podemos ver el pasado como un chisme, uno que va pasando de boca en boca, des escrito en escrito y que cada quien lo interpreta diferente, así que lo que alguien comenzó diciendo o haciendo fue cambiando sin querer.

    Alguien imagino que en el chisme la pero a era malvada y por eso se considera un villano para algunos, mientras que otra persona como se la historia contada de otra forma y para ella tal ves habla de una princesa.

    Por eso el pasado se puede imaginar, por qué es subjetivo depende de cómo se cuente un chisme, y no se trata de dar permiso si no que todos tenemos la libertad de creer que la historia se modifica.

    ¿Realmente somos consciente de los que el pasado significa para todos?

    Ahora bien, que se modifique la historia y que esto no se genere como un problema tampoco es la repuesta, ya que la realidad es que de acuerdo a qué historia nos están contando nos puede perjudicar no.

    Lo ponemos así, si estoy contado el pasado de una princesa donde contamos la vida de sus padres y de como es que ella tiene ese título, ese pasado es el que le perteneces a ella.

    Pero si contamos el como han gobernado sus antepasados eso es algo que perjudica al pueblo sobre el cual gobiernan, si es bueno, malo o simplemente pierna el nombre por herencia.

    El permiso no lo tiene nadie, por eso es que nos debemos de sentir con total libertad de creer en los dioses, hadas, trolls o cualquier ser místico que quieras como también creer que en las historias no héroes ni villanos, simplemente son humanos que intentan vivir.

    Podrías hablar también de gobernantes, revoluciones, pueblos indígenas entre otros, pero los historiadores nos han dejado muy en claro que el pasado no es una verdad fija, ni una acumulación de fechas.

    Si no que son historia de vida, que se acumulan y se interpretan, con ayuda de documentos, escritos, dibujos, creencias etc… Y que podemos seguir creyendo lo que queramos de estás historias y disfrutarlas.

  • MAIRIMASHITA! IRUMA-KUN NECESITA MÁS RECONOCIMIENTO

    MAIRIMASHITA! IRUMA-KUN NECESITA MÁS RECONOCIMIENTO

    Mairimashita! Iruma-Kun, también conocido como Welcome to the demon school! Iruma Kun, es anime basado en el manga de Osamu Nishi.

    La historia trata sobre Iruma Suzuki, un humano de 14 años que un día es arrastrado en contra de su voluntad al mundo de los demonios. Por si no tenía bastantes problemas con eso, su nuevo dueño y autodeclarado “Abuelo” es el demonio director de su nueva escuela. Para poder sobrevivir en este nuevo mundo y en esta escuela, Iruma tendrá que superar todo tipo de retos, como vencer en un duelo a un estudiante muy peligroso, una chica con ciertos problemillas de personalidad, ¡y todo tipo de seres terroríficos!

    A pesar de que en la actualidad el anime se ha hecho bastante popular, Mairimashita! Iruma-kun no ha recibido el reconocimiento que merece. Pues, aunque a simple vista parece ser una historia muy simple, o que incluso al protagonista, Iruma, se le ha llegado a llamar “Deku azul”, reduciéndolo a ser una simple copia de Izuku Midoriya, del anime y manga My Hero Academia.

    Sin embargo, no es así. Iruma es un personaje que, al principio, quiere evitar destacar, ya que piensa que, si llama la atención, correrá el peligro de que los demonios descubran que es un ser humano y decidan comérselo.

    Incluso tenía el deseo de volver al mundo humano, a pesar de que llevaba una vida horrible por culpa de sus padres.Tampoco buscaba ser el más fuerte y solo intentaba sobrellevar su nueva vida.

    Sin embargo, conforme avanza la historia, eso va cambiando.Poco a poco, Iruma se adapta al inframundo y a los diferentes demonios que viven ahí.

    Por cierto, algo que olvidé mencionar es que el inframundo y los demonios son totalmente lo contrario de lo que uno podría imaginar. Uno podría pensar que se trata de un lugar lleno de sufrimiento y violencia, pero este no es el caso. Los demonios viven de manera casi pacífica: tienen familias, van a la escuela, salen a pasear, se divierten y realizan otras actividades muy cotidianas. Esto puede chocar con las ideas que tenía Iruma antes de permitirse conocer ese mundo caótico y divertido.

    La trama suele ser bastante ligera, cómica, entrañable y muy disfrutable.Aunque todo parezca ser muy feliz, uno de sus puntos más fuertes es que logra equilibrarlo con el misterio. Por ejemplo, está el misterio sobre el último rey demonio, Delkira, de quien no se sabe mucho ni por qué desapareció. También, desde el inicio de la historia, se da a entender que Iruma llegará a ser el rey demonio, a pesar de ser humano, y que todo lo que estamos viendo es el proceso de cómo llegará a ese punto.También está el misterio que rodea a Ari, el ser que habita en el Anillo Voraz. Existen múltiples teorías que plantean que podría ser una parte del alma del rey Delkira. Además, se relaciona al Anillo Voraz con el Anillo de Salomón, el cual aparece en una profecía que señala que quien lo porte será el nuevo monarca del inframundo.

    Y sin más que decir, Mairimashita! Iruma-kun es una obra que merece la pena ser vista, aunque sea una sola vez.

    Si no sabes qué ver durante un fin de semana, esta serie te está esperando para que le des una oportunidad.

    Puedo asegurar que te sacará muchas risas y también te dejará con intriga y ganas de saber más.

  • Mi primera vez con… Photograph

    Mi primera vez con… Photograph

    Buscando una canción encontré una que necesitaba escuchar, ya que calmo la tormenta de mi corazón.

    Esta semana decidí darme la oportunidad de escuchar Photograph de Ed Sheeran que aunque ya conocía al cantante.

    Justo esta canción no la había escuchado y justo era el momento que necesitaba escucharla

    Me ayudo mucho por que se sintió como un arcoíris en medio de la tormenta de mi corazón

    Arcoíris

    Esta canción desde el primer segundo que la escuche la sentí muy cálida, acogedora como el arcoíris que sale en medio de una tormenta.

    Durante un mes eh vivido muchas emociones que me tenían un poco enredada y caótica, aunque el caos es parte de mi, era demasiado.

    Esta canción me abrazo, me sentía culpable por amar con intensidad, me preguntaba una y otra vez, por que tenía que ser tan difícil el amor

    Y justo ese es el inicio de la canción que el amar puede doler pero justo a media canción fue justo lo que necesitaba escuchar y dice que el amor puede sanar.

    Amor

    Esta canción nos cuenta varias facetas del amor, el poder de los recuerdos que creamos con nuestro ser amado

    Que en la distancia nos dan fuerza para seguir cuando ya no podemos mas, que con tan solo recordar su risa, sus besos o sus abrazos de esa persona.

    Nos levanta el animo aunque no la tengamos en ese momento, esos recuerdos son muy poderosos.

    Cuando estamos pasando un momento difícil y reproducimos esos momentos guardados en nuestra mente y corazón, nos dan animo, fuerza

    El como el amar puede causar una tormenta interna pero a la vez calmarla y causar un arcoíris, por que amar a esa persona nos hace sentir vivos, el poder que tiene de ayudarnos a sanar

    El sentimiento por una persona que amamos mucho lo guardamos como una fotografía, es tan grande que no te lo puedes guardar y creamos recuerdos para nosotros mismos

    Es mas grande que tu, que solo quieres el bienestar de tu ser amado como dice la canción que ella no esta sola por que lo tiene a el

    Que lo puede guardar siempre con ella en sus pantalones rotos, abrazándose a la distancia

    Mientras llega el dÍa en el que sus miradas se encuentren de nuevo y se puedan abrazar uno al otro.

    En definitiva, mi primera vez con… Photograph fue una experiencia inigualable y acogedora.

    Tal vez ya la hallas escuchado o no, si es el caso te invito a que la escuches y saques tus conclusiones. Así acaba esta primera vez con Photograph, ¿Ahora que canción necesitare escuchar?