Categoría: CULTURA

Tendencias estéticas, artes plásticas, literatura y las expresiones que moldean la identidad contemporánea.

  • La intertextualidad en la postmodernidad: Una Paradoja cultural

    La intertextualidad en la postmodernidad: Una Paradoja cultural

    La intertextualidad, para aquellos no relacionados con la idea pues viene de la semiología; Habla de que las obras, las historias y discursos no son aislados, más bien son una conversación viva de múltiples voces y contextos, un mosaico de citas e ideas que se absorben y reorganizan a medida que el autor interactúa con la cultura universal del conocimiento humano.

    Una vez sentada la base procederé a tirar una pregunta cuál chispa sobre un debate tan denso como el alquitrán; ¿Realmente estamos construyendo un futuro que se sienta digno del pasado?

    Las inquietudes que gestan mis cuestiones surgen de leer a Byung-Chul Han en La expulsión de lo distinto, dónde la globalización e hiperconexión ha fundido nuestra identidad local con algoritmos cuyo único fin es enganchar y consumirse fugazmente, ahí es donde todas las culturas se homogenizan en los mismos formatos de información; La misma ironía, la misma nostalgia, los mismos 15 segundos, el mismo vocabulario…

    La juventud está frente a una realidad que se desarrolló al igual que su cerebro lo iba haciendo, ya no necesitamos ser silenciados por dictaduras fascistas, ahora no somos un mayor inconveniente si estamos anestesiados por un conformismo digital que nos dispara a un espacio oscuro, que se encuentra entre el final de una tendencia y el comienzo de otra.

    Genuinamente no quiero que esto se vuelva una simple crítica social masticada de los mismos conceptos que me tienen atado a mi retórica, sino resaltar las cuestiones correctas, por qué desde afuera se siente completamente normal sentirse un joven del siglo XXI con la cultura en su bolsillo.

    La contradicción entra cuando te das cuenta que sin importar que hablemos de CDMX, Mérida, Berlín o París, hemos desarrollado todos un mismo modus operandi para apropiarnos de la cultura histórica con un hambre estética, la pretención está más fuerte que nunca y la historia misma se ofrece como un disfraz generalizado, despojado de su propósito original (El grunge, el Y2K, el aesthetic) todo con un propósito performativo.

    La novedad en fusionar estilos se ha estado desvaneciendo, ¿Todavía sigue siendo una declaración de resistencia e identidad? ¿O solo nos inclinamos al mercado del mundo para encajar?empaquetados como algo que se gasta al mirarse por carecer de sustancia.

    Calmemos el caudal un poco, no es una decadencia, es una transformación en proceso, hay teóricos que postulan la incapacidad de nuestras generaciones para innovar, aferrados al reciclaje y a la referencia continúa, sin embargo, somos generaciones que están formando su identidad en este caleidoscopio sumergido en crisis políticas y humanitarias.

    Las propuestas discursivas en proyectos y acciones colectivas entre las escenas juveniles de todo el mundo ha demostrado ser genuina, abriendo puertas a paisajes inéditos, me consta por conocer a mis contemporaneos y compartir sus ambiciones.

    Más allá del algoritmo, de las pastiches, del capitalismo tardío y el incontable uso del 67 en el humor abstracto de estos días, me atrevo a citar una vez más, sabiendo que hay un futuro ansioso por describirme a mi y a mis compañeros como algo de lo que valdrá la pena hablar.

    “No importa de dónde tomes las cosas, sino adónde las llevas”

    –Jean-Luc Godard.

  • ‘El día de la revelación’: Cuando la verdad es el fin del mundo

    ‘El día de la revelación’: Cuando la verdad es el fin del mundo

    ¿Información real?

    Vivimos en la era de la sobreinformación, un laberinto de espejos donde la verdad se ha convertido en un artículo de lujo, casi extinto. Quizá por eso, El día de la revelación golpea con tanta precisión. No estamos ante un simple producto de entretenimiento de fin de semana; estamos ante una autopsia de nuestra vulnerabilidad colectiva

    Los minutos cuentan

    Desde los primeros minutos, la cinta nos arranca de la anestesia habitual. La premisa toca un nervio profundo: ¿qué pasa cuando el velo finalmente cae y la humanidad entera es obligada a enfrentarse a una verdad innegable que reescribe todas las reglas del juego? El mayor acierto de la dirección es esquivar con elegancia los clichés del cine de desastres. Aquí, el colapso no llega en forma de explosiones desmedidas o invasiones estridentes, sino a través de la fractura psicológica y moral de sus protagonistas.

    El guion brilla precisamente por lo que no dice. Las actuaciones, desprovistas de los heroísmos de cartón a los que Hollywood nos tiene acostumbrados, nos muestran a personas ordinarias lidiando con lo impensable. Apoyada por una fotografía asfixiante y un manejo del ritmo que no da tregua, la cámara nos encierra con ellos. Nos recuerda que, ante lo desconocido, las peores tormentas siempre ocurren de puertas para adentro. La famosa “revelación” que da título a la obra funciona no como un truco barato, sino como un catalizador implacable que desnuda las miserias, los instintos de supervivencia y, en cuentagotas, la empatía de una sociedad al borde del abismo.

    La revelación da miedo

    Pero lo verdaderamente perturbador de la película es su eco constante con nuestro presente. En tiempos donde los algoritmos, la polarización y las realidades a la carta dictan nuestra cotidianidad, la idea de un evento absoluto que obligue a todo el planeta a mirar en la misma dirección resulta un ejercicio fascinante. ¿Estamos emocionalmente preparados para despertar de nuestra propia ignorancia voluntaria? La película sugiere con cinismo que no, pero nos otorga el beneficio de la duda en sus actos finales.

    Cuando corren los créditos y se encienden las luces de la sala, uno no se lleva a casa un final feliz ni respuestas digeridas. Te llevas una incomodidad persistente en el estómago. Y ese es, al final del día, el único y verdadero triunfo del buen cine: recordarnos que la pantalla no siempre es una ventana para escapar del mundo, sino un espejo implacable para mirarnos de frente.

  • Sex Symbols

    Sex Symbols

    El deseo en escena: Evolución y comercialización del sex symbol en la historia del rock

    La figura del sex symbol en la industria del rock no surgió por accidente ni como una etiqueta meramente estética; fue el resultado de una convergencia entre la evolución de los medios de comunicación, la liberación sexual y el propio ADN rebelde del género.

    Antes de la irrupción del rock, este concepto pertenecía casi en exclusiva al cine hollywoodense, con figuras como Rudolph Valentino o Marilyn Monroe. Sin embargo, con la llegada de Elvis Presley a mediados de la década de 1950, el dinamismo cambió drásticamente: la música popular dejó de ser solo auditiva cuando los movimientos de cadera del “Rey” fueron considerados tan explícitamente sexuales que la televisión llegó a censurar, transmitiendo solo de la cintura para arriba. Elvis demostró que la tensión sexual, combinada con la histeria adolescente y el atractivo de la rebeldía juvenil, no solo vendía discos, sino que llenaba estadios.

    Durante los años 60, el concepto se refinó y diversificó al compás de la contracultura y la Revolución Sexual. Frente a la imagen pulcra inicial de los Beatles, Mick Jagger y The Rolling Stones introdujeron un erotismo mucho más crudo, redefiniendo el mito masculino a través de labios prominentes, movimientos amanerados mezclados con hipermasculinidad y una provocación constante hacia la moral conservadora.

    A su vez, Jim Morrison, vocalista de The Doors, encapsuló el mito del artista torturado, oscuro y chamánico, transformando la atracción física en un espectáculo casi religioso vestido en pantalones de cuero ajustados.

    Al mismo tiempo, mujeres como Janis Joplin y Grace Slick comenzaron a reclamar su propia sexualidad en el escenario, alejándose de las expectativas tradicionales de las cantantes pop de la época para asumir el control total de su propia imagen.

    Con la llegada de los años 70, la industria discográfica descubrió que la explotación visual del sex symbol era la piedra angular del marketing musical. Robert Plant, al frente de Led Zeppelin, encarnó a la perfección la figura del “dios del rock” con su melena rubia rizada, sus camisas abiertas y una voz aguda cargada de insinuaciones.

    En contraste, David Bowie y el Glam Rock rompieron las barreras de género; al encarnar a Ziggy Stardust, Bowie demostró que el atractivo sexual podía ser andrógino, teatral y alienígena, desvinculándolo de los cánones tradicionales de la masculinidad.

    La consolidación de esta categoría contó con factores clave como la prensa especializada, que convirtió la vida personal y la apariencia física de las estrellas en el foco principal del periodismo musical; la fotografía icónica de autores como Mick Rock o Annie Leibovitz inmortalizó imágenes que convirtieron a los músicos en objetos de deseo global y la mercadotecnia de la rebeldía llevó a las discográficas a comprender que el “peligro sexual” era la mejor estrategia de ventas frente al rechazo de las generaciones adultas.

    Este ecosistema alcanzó su cúspide en los años 80 con la llegada de MTV en 1981, canal que trasladó la construcción del icono desde los conciertos hasta las salas de estar. Surgió así la hipersexualización comercial del Hair Metal con bandas como Mötley Crüe, Bon Jovi o Poison, que combinaron maquillaje, cabello abombado y ropa ajustada con letras agresivamente heterosexuales.

    Paralelamente, iconos femeninos de poder como Tina Turner, Joan Jett, Debbie Harry y Pat Benatar redefinieron el concepto para las mujeres a través de la fuerza, el control sobre su propio cuerpo y una erótica basada en la actitud y no en la sumisión.

    En este recorrido, la clasificación del sex symbol nació como una respuesta orgánica a la energía del propio ritmo musical, pero fue rápidamente absorbida por la industria para convertir el atractivo visual en uno de sus activos comerciales más rentables.

    Y si hablamos de la evolución contemporánea de esta figura, Lenny Kravitz emerge como el puente perfecto que sintetiza cuatro décadas de historia para proyectarlas hacia el nuevo milenio. Irrumpiendo a finales de los 80 con Let Love Rule, Kravitz ofreció una alternativa de autenticidad retro frente a la estética plástica del Hair Metal.

    Gracias a su herencia afroamericana y judía, rompió barreras raciales en un género predominantemente blanco, fusionando el erotismo del soul y el funk de Prince o Jimi Hendrix con la potencia del rock clásico de Led Zeppelin, recuperando el mundo analógico de las dreadlocks, los pantalones de cuero, las transparencias y la joyería pesada.

    Durante la década de los 90, su magnetismo visual dominó la televisión a través de videoclips emblemáticos: desde la seducción pura y la energía física de “Are You Gonna Go My Way”, hasta la consolidación de su faceta de galán bohemio en “Fly Away” y “Again”, donde explotó su físico, su androginia sutil y una actitud relajada pero magnética.

    Lo que distingue a Kravitz de otros iconos es su condición de sex symbol atemporal, ya que ha mantenido un físico esculpido que desafía los estándares habituales de la edad, ejerce un control creativo absoluto como multiinstrumentista que produce y compone su material otorgando a su atractivo una dimensión de autoridad artística.

    En definitiva, Lenny Kravitz ha demostrado que la figura del sex symbol no tiene por qué ser una etapa pasajera de la juventud, sino una actitud permanente cimentada en la confianza, el estilo personal impecable y la autenticidad artística.

    Más allá de las modas, los cambios de formato y la inevitable mirada comercial de la industria, la figura del sex symbol en el rock ha demostrado que el verdadero atractivo nunca dependió de una receta estática o puramente superficial.

    Lo que comenzó como una sacudida de caderas censurada en la televisión en blanco y negro terminó transformándose en un territorio de libertad expresiva, donde la androginia, la fuerza femenina, la provocación estética y el talento indiscutible encontraron un canal único de validación.

    Al final, la longevidad de esta etiqueta no reside en empaquetar una juventud eterna, sino en la capacidad de proyectar una autenticidad sin concesiones. Artistas como Lenny Kravitz confirman que el mito no muere con el paso de las décadas; se reinventa cuando la actitud, la elegancia y la pasión por el arte se imponen sobre cualquier molde prefabricado, dejando en claro que el deseo en el rock siempre ha sido, ante todo, una cuestión de actitud y presencia.

  • El precio de aparentar y comprar estatus a meses sin intereses

    El precio de aparentar y comprar estatus a meses sin intereses

    EL ARTE DE SARAH

    Sabemos perfectamente que la mayoría de nosotros queremos tener una buena posición social y que las personas nos vean de una manera más exclusiva. Compramos estatus, aunque nos endeudemos, solo para ser validados por los demás.

    En esta ocasión, me gustaría hablar del K-drama titulado El arte de Sarah, una serie de ocho capítulos que cuenta la historia de Kim Sarah. La trama nos muestra cómo una simple empleada de una firma de lujo pasa a fundar su propia marca, engañando a todo el mundo con bolsos sumamente costosos que las personas más influyentes terminan adquiriendo.

    Un ejemplo tan claro:

    En la serie se menciona con insistencia que tener un bolso Boudoir no era simplemente adquirir un accesorio, sino comprar un boleto automático a la élite. El producto funcionaba como el pasaporte definitivo: si llevabas esa marca colgada del brazo, el trato respetuoso aparecía de inmediato y las puertas de los círculos más privilegiados se abrían sin hacer preguntas.

    Kim Sarah entendió el engranaje del capitalismo moderno mejor que nadie: a la sociedad no le importa quién eres en realidad, sino la fachada que logras construir.

    Su engaño funcionó no porque sus creaciones fueran técnicamente superiores, sino porque supo explotar la necesidad colectiva de aparentar solvencia económica. Vendió exclusividad y el entorno influyente la compró a ciegas para sostener su propia imagen de poder.

    Esta dinámica no dista en absoluto de nuestra vida cotidiana y basta con observar cómo miles de personas se endeudan a veinticuatro meses sin intereses para comprar el último modelo de un teléfono de gama alta, o cómo gastan quincenas enteras en ropa de diseñador.

    Al igual que con los bolsos en el K-drama, el objeto en sí pasa a segundo plano; lo que realmente se financia es una máscara social, adquirimos la ilusión de pertenecer a un estrato superior, aunque en la práctica el presupuesto personal quede comprometido.

    El arte de Sarah nos confronta con una realidad incómoda: la valía humana ha quedado condicionada por los logotipos que portamos o cuando la dignidad y la aceptación social dependen de la etiqueta que mostramos en la calle, el mercado ha ganado la batalla.

     Lo verdaderamente alarmante del fraude de Sarah no es la mentira que ella inventó, sino lo dispuestos que estamos todos a pagar el costo de la apariencia.

  • MAXIMALISTA vs MINIMALISTA (EN LA MODA)

    MAXIMALISTA vs MINIMALISTA (EN LA MODA)

    ¿Gustó o Validación social?

    ¿En qué momento dejamos o perdimos nuestra personalidad para vernos igual?, será que ¿El minimalismo es clasista o al menos al día de hoy es ocupado como tal? .

    El Meximalismo forma parte de la cultura debido a la sobresaturación de colores y diseños por eso México fue nombrado así, y a los únicos que no les gusta son a los Mexicanos, vivimos negando una identidad tratando de encajar con tendencias extranjeras como el minimalista.

    Porque para ellos no ser minimalista es vulgaridad, sobrecargado o sucio. Tras los pensamientos de estandarización del minimalismo que “entre menos es más”.

    Podemos encontrar muchos tipos de pensamientos diferentes respecto a estos dos tipos muy significativos tanto en la sociedad (cultura) como en la política.

    FOTOGRAFÍA: IG(alejandrxgonzlz). Alejandra González.

    El maximalismo más allá de un concepto es una identidad, es lo que define lo que nos hace diferentes a un diseño vacío, por qué México es un país de colores, lo que nuestra cultura expresa es “no hay que tener miedo de mezclar y de crear”.

    En México siempre verás un festival visual, lleno de vida, no tienes que ser la copia de algo ya que en México se mexicaniza vive tus tradiciones y ama los colores, el exceso, las texturas múltiples, ama tu identidad.

    Así que mi pregunta para ti sería ¿por qué, si vives en un país intenso, tú no puedes serlo?.

  • Mi primera vez con… Imagination

    Mi primera vez con… Imagination

    Esta primera vez fue una recomendación de una persona que acababa de conocer, cuando le compartí sobre las columnas que llevo escribiendo todas estas semanas.

    Me hizo la recomendación de escuchar Imagination de Foster The People y sinceramente nunca había escuchado la mención del artista que la interpreta.

    Desde el inicio es una canción muy tranquila, que cuando la escuche por primera vez me relajó bastante la verdad.

    Algo mágico

    Esta canción me da muchas vibras de un mundo mágico, irreal creado para escapar de una realidad que no le gusta.

    Y es cierto, la mente humana es capaz de escapar de la realidad mediante el uso de los deseos y de los sueños.

    Aunque también es un peligro ya que ese poder nos puede perjudicar en como percibimos la realidad y puede hacer que no nos conozcamos.

    La letra es un poco incierta porque no menciona nada concreto, habla de romances y conexiones unidas solo por la imaginación.

    También menciona las pasiones y anhelos ocultos que en la vida real no se pueden cumplir por una u otra razón, se nos ocurre imaginar.

    Imaginar

    El poder de imaginar y proyectar nuestros deseos que producen nuestro mundo ideal, cuando nos falta o no tenemos algo o a alguien.

    Imaginar un romance, una conexión, una caricia con la persona que amamos y que no tenemos cerca en ese momento.

    Ya sea temporal o permanente su ausencia, mientras estamos lejos podemos imaginar nuestro mundo soñado con esa persona.

    Imaginar una casa soñada, un carro soñado, un trabajo soñado una relación soñada, pero ese mundo perfecto solo existe en nuestra imaginación.

    Es un sentimiento inigualable, donde puedes hacer lo que te gusta y ser lo que quieres ser, siempre y cuando no quitemos los pies de la tierra.

    Tal vez no se convirtió en mi canción favorita, pero para un día tranquilo en casa si la pondría para imaginar mi mundo ideal.

    Mi primera vez con Imagination fue una experiencia interesante ya que es impresionante como la mente puede crear un nuevo mundo ajeno totalmente a nuestra realidad, solamente porque la realidad no nos agrade.

    Tal vez ya la hallas escuchado o tal vez como yo no la hallas escuchado, te hago una invitación a que la escuches y saques tus propias conclusiones. Así acaba mi primera vez con… Imagination, la siguiente semana será el turno de otra canción que escuche por primera vez, ¿Ahora quien me recomendara esa canción?

  • Frecuencia de tragos amargos y fantasmas en la mente.   

    Frecuencia de tragos amargos y fantasmas en la mente.  

    Hoy hablare de una canción que acaba de salir el 3 de septiembre 2026 llamada “Vasos de whisky” del Cantante Harold Armenta, empezó a circular primero en la plataforma de Tik Tok y de ahí a las demás redes sociales.

    A simple vista puede ser una más de las canciones de desamor pero no, el tono melancólico que tiene va más allá del desamor, narra su sentimiento de ahogarse en sus propios recuerdos.

    En la letra de su canción va dejando ver que el olvidar y dejar ir a una persona es difícil y que cada que pasan los días puede que lo lleven a “tomar malas decisiones” donde el whisky es un compañero en sus noches de insomnio.

    Y como lo expresa en la línea de los primeros minutos “es el alcohol el que me lleva a hacer canciones extrañando tu amor y ahora botellas se encargan de los dolores”.

    La música que se inspira del despecho no es nueva en nuestro contexto cultural, pero en la forma en la que “vasos de whisky” aborda la nostalgia resulta desgarradoramente honesta y un sentimiento desde lo más profundo del corazón.

    “Dime que me quieres

    aunque sea mentira

    dilo para estar más tranquilo

    pa’ que cuando caiga la noche

    los vasos de whisky no sean mis amigos”  

    Aquí la referencia de la bebida no funciona como un cliché festivo, sino como una forma de evadir el sentimiento del querer y extrañar a alguien, pero no poder estar juntos, cada verso construye un ambiente donde además del whisky, el hielo y el vaso de cristal se vuelve los únicos testigos de una ausencia que quema mientras la mente no para de sentir ese faltante y lo expresa en su línea “Tu mi amor , tan bello y dulce ausente corazón y yo buscándote en botellas de licor”.

    Lo fascinante en esta canción es la manera en la que transforma la experiencia de el en un dolor colectivo para todas las personas que lo escuchan ya que, al sonar las primeras notas, la soledad del interprete hace que las personas se sientan identificadas, de esta forma demuestra que la música tiene la capacidad de servir como catarsis, donde el peso de los fantasmas siempre se siente un poco más ligero cuando se canta en voz alta.

     “Dimelo, abrazame y por fa no te vayas otra vez”

    Al final la canción no solo es un retrato del olvido que con la bebida termina siendo un intento fallido, sino más bien le canta a la vulnerabilidad humana, donde el artista Harold Armenta nos entrega un tema que no busca ignorar la tristeza, sino acompañarla sirviendo una dosis pura de nostalgia para quienes aún estamos aprendiendo a decir adiós.

  • LA DECADENCIA DE DISNEY

    LA DECADENCIA DE DISNEY

    Hace algunos años, Disney era considerado una de las mejores empresas de producción, pues hacían historias que te tocaban el corazón o te provocaban alguna emoción.

    Películas como El Rey León, La Sirenita, Blancanieves o Cenicienta son algunos de los ejemplos de producciones más queridas por los que crecieron con Disney.

    Incluso las películas de nueva generación como Frozen, Moana y Zootopia han sido del agrado del público y hasta ahora se han considerado de las mejores películas animadas en 3D que ha hecho Disney.

    Sin embargo, en estos últimos años ya no es así.
    Muchos consideran que Disney ha perdido su magia, pues actualmente se están yendo por el lado de hacer live actions que nadie pidió o secuelas innecesarias.

    Y aunque intenten hacer algo original, ya no es muy bien recibido por el público.
    Un ejemplo es la nueva película que saldrá este año en noviembre, Hexed. Pues, a simple vista, pareciera que es algo nuevo y original que Disney quiere traer, pero muchos espectadores han señalado la similitud en los diseños, comentando que solo parecen reciclar el estilo y expresiones de Frozen, al igual que comentan que la trama se parece bastante a la de The Owl House, serie que fue cancelada por el mismo Disney.

    Pues esta película tratará sobre la típica chica diferente que en realidad tiene poderes y que viaja a un mundo mágico.

    Hablando de los live actions.
    La Sirenita, Blancanieves y Mulan han sido un fracaso.
    La audiencia en general las tacha de innecesarias, aburridas y forzadas.

    Muchos no estuvieron contentos con las decisiones de la historia. En Mulan, por ejemplo, quitaron los elementos cómicos, la personalidad de la protagonista la consideran plana y su trama, sin sentido.

    Blancanieves y La Sirenita fueron criticadas por casi lo mismo.
    Por las actrices que se eligieron, pues la actriz que interpretó a Ariel, Halle Bailey, siendo una persona negra, fue duramente criticada, llegando incluso a ser víctima de racismo.

    Mientras que Rachel Zegler fue criticada por su actitud y posturas políticas, al igual que por el lado superficial, donde, de nuevo, se le critica su tono de piel al no ser blanca, al igual que Blancanieves.

    Yéndonos por el lado más técnico.

    Disney se ha olvidado de hacer nuevos productos originales, pues le han dado más prioridad a las ganancias financieras masivas.

    La saturación de remakes live action de películas clásicas, el aumento de precios en sus parques y en su plataforma, al igual que se abusa de explotar ciertas franquicias como Marvel, Star Wars e incluso Toy Story y Frozen.

    Con esto, el público ha caído en cuenta de que a Disney ya no le importa innovar, sino seguir generando dinero, pero todo a costa de la calidad, la originalidad y la imaginación que antes se sentía en sus productos.

  • Lo fácil que es engañar en redes sociales.

    Lo fácil que es engañar en redes sociales.

    Ya sabemos que el engaño es una mentira que se lleva a un extremo del que es muy difícil regresar, esa situación donde empiezas a mentir o también puede ser que tú sabes algo que en tu realidad no quieres verificar, sin embargo está habilidad en redes sociales es conflictiva y poco útil.

    Las situaciones que pueden generar peleas, funas o incluso malos entendidos históricos que pueden dañar el trabajo de especialista. Sin embargo no podemos evitar el uso de la autonomía de las personas ni su libertad de expresión.

    Ahora bien si esto puede ser un problema más que algo positivo, es un problema que estamos alimentando todos como consumidores, por ejemplo si te quedas viendo un video de datos y histórico y crees por completo su verdad solo por qué es información y no te cuestionas de dónde salió, ahí tal ves te estés mal informando.

    Hace poco me pasó que me apareció el vídeo de un chico que explica de por qué el vídeo otra persona decía información falsa, el arguentamentaba que era un especialista y lo que la chica decía era simplemente un mito que se creyó por muchos años.

    Pero ls realidad es que hay personas que se van por la información fácil, sin verificar de echo ellos creen que no están engañando, simplemente su verdad no es la verdad correcta y ahí es donde debe de entrar nuestro pensamiento crítico.

    ¿HAY SOLUCIÓN?

    La verdad pienso que esto no es algo que podamos cambiar realmente, simplemente si a ti llego una información que te gustó y te intereso deberías de cuestionar que parte de lo que vestiste en esa publicación es real y que otra fue falsa o incluso poner atención para saber si al final del vídeo o publicación no se específica que es una broma o algo por el estilo.

    Se nos ha dado mucho que la retención se queda corta y se nos hace fácil criticar a otra persona por qué nosotros sabemos algo y él no, pero la realidad es que no todo es verídico en esta vida y si no alimentamos nuestro pensamiento crítico las redes sociales cada ves tienen más fácil el engaño sin necesidad de esfuerzo.

  • EL HOMBRE DE LAS MIL CICATRICES

    EL HOMBRE DE LAS MIL CICATRICES

    Jesús Lunas Pozos, conocido popularmente como Charly Manson, nació el 24 de marzo de 1975 en la Ciudad de México. Creció en un entorno de bajos recursos económicos, lo que lo llevó a trabajar desde temprana edad en diversos oficios informales para ayudar al sustento familiar.

    Durante su adolescencia laboró como cobrador de microbús en la capital del país, además de emplearse en diferentes talleres y comercios locales.

    Antes de enfocar su vida a la lucha combinó el trabajo con deportes como atletismo y deportes de contacto, fue a inicios de los años noventa donde su interés por la lucha libre empezó a desarrollarse, su formación luchistica la tuvo bajo la enseñanza de entrenadores como Hombre Bala y El Apache quiénes ayudaron a pulir su técnica de lucha olímpica.

    Antes de dar el salto a la fama, buscó oportunidades en la escena independiente y local bajo los nombres de Dinamita Luna y Jim Katt personaje con el que debutó formalmente alrededor de 1990-1992. En el año de 1998 tuvo la oportunidad de unirse a Triple AAA bajo el personaje de Charly Manson.

    Su pasión por la música rock y el heavy metal, sumada a la subcultura gótica de la época, fue moldeando la estética que finalmente adoptaría a finales de los noventa.

    En su primera etapa en la empresa formó parte de diferentes facciones como: Los Vatos Locos, The Black Family, La Secta y Los Hell Brothers. También protagonizó grandes luchas como su lucha de apuesta contra El Zorro en Triplemania XIV, siendo esta una de las luchas en jaula más sangrientas y recordadas en la historia de la empresa.

    Así como su lucha contra Electroshock en Triplemania XVII donde dramáticamente Charly se alzó con la victoria. A lo largo de su carrera ha tenido grandes y peligrosas luchas extremas pero en 2001 enfrentaría una que cambiaría su vida.

    En el momento clave de la lucha, Charly subiría una de las escaleras colocadas, cuando se encontraba en lo más alto cayó de ella hacia fuera del cuadrilátero golpeando directamente el piso de concreto.

    Lo que causó un fractura grave de fémur y un traumatismo craneoencefálico por lo que le colocaron una placa de acero. Tras el accidente pasó varios meses en silla de ruedas y casi un año en una dolorosa rehabilitación que muchos pensaron terminaría con su carrera.

    Pero a finales del 2009 regresaría a las arenas pero en esta ocasión con el Consejo de lucha libre, su paso por ahí fue corto, ya que en finales del 2010 regresaría a Triple AAA.

    Un año más tarde se vería involucrado en un altercado violento con con elementos de la Secretaría de Seguridad Pública de la Ciudad de México lo que derivaría en su arresto y posteriormente en una condena en prisión de la que saldría libre en 2015.

    Regresando a la empresa que le dio su primera oportunidad, Charly Manson se convirtió en una de las figuras más emblemáticas y controversias de su época. Su estilo rudo y arriesgado sigue inspirando a nuevas estrellas y fanáticos.