Categoría: CULTURA

Tendencias estéticas, artes plásticas, literatura y las expresiones que moldean la identidad contemporánea.

  • Cuando estar es suficiente

    Cuando estar es suficiente

    Estamos en un lugar bonito, llega la comida y antes de probarla decimos; “espérate, deja tomo foto”, acomodamos las cosas para que se vean mejor, tomamos varias hasta que alguna nos gusta y después seguimos con lo que estábamos haciendo.

    Parece algo insignificante porque ya estamos tan acostumbrados que ni siquiera lo pensamos, y que sea algo malo querer guardar un recuerdo o compartir algo que nos hizo felices, creo que todos lo hacemos, simplemente a veces siento que se nos está olvidando la diferencia entre guardar un momento y vivirlo.

    Una salida, un viaje, un regalo, un concierto, una comida o simplemente estar con nuestros amigos, todavía  no termina de pasar y ya estamos pensando qué foto subir, qué canción poner o cuál historia se ve mejor.

    Y es raro, porque parece que ya no basta con que algo nos pase, también necesitamos que alguien más sepa que pasó, como si una experiencia tuviera un poco más de valor cuando alguien la ve o reacciona ella, como si necesitáramos pequeñas confirmaciones de que nuestra vida también está siendo interesante y que siempre tenemos algo que contar.

    Nos preocupamos por conseguir la foto perfecta de un lugar que apenas observamos, repetimos un video porque no salió como queríamos, acomodamos las cosas para que se vean bonitas o dejamos de disfrutar unos minutos por estar pendientes del teléfono, queremos conservar tantos recuerdos que, sin darnos cuenta, a veces terminamos estando ausentes justo en el momento que queremos recordar.

    Y quizá lo más complicado no es publicar nuestra vida, sino empezar a compararla con la vida que los demás decidieron publicar, vemos viajes, fiestas, regalos, logros y personas aparentemente felices, pero pocas veces vemos lo que ocurrió antes o después de esa fotografía y terminamos comparando nuestros días completos con unos cuantos segundos cuidadosamente elegidos de la vida de alguien más.

    También creo que detrás de todo eso existe una necesidad de demostrar que estamos bien, que salimos, que tenemos amigos, que viajamos, que nos divertimos, que nuestra vida es interesante, y veces podemos estar viviendo un momento completamente normal, pero sentir que debería verse extraordinario para presumirlo a los demás.

    Tal vez por eso hay algo especial en las cosas que nadie ve.

    Esas pláticas con personas especiales que se alargaron mucho más de lo esperado, reírte por una tontería hasta que te duele el estómago, cantar, caminar sin rumbo con alguien o simplemente estar en algún lugar y olvidarte por completo de revisar el teléfono, eso momentos que probablemente no tienen la mejor foto, porque mientras estaban pasando eran tan especiales que ni siquiera pensamos en detenerlos para intentar guardarlos.

    No creo que tengamos que dejar de tomar fotos ni desaparecer de redes sociales, nadie quiere eso, solamente deberíamos aprender que no todo lo bonito necesita convertirse en algo público y que guardar algo únicamente en nuestra memoria también tiene valor.

    Porque hay cosas que no necesitan estar en una historia para convertirse en algo especial.

    Yo creo que la vida no se trata de tener algo que mostrar después, sino de tener algo que, cuando lo recordemos, nos haga sentir que valió la pena haber estado ahí.

  • LOS DISEÑOS CONTROVERSIALES DE LOS PERSONAJES FEMENINOS EN ONE PIECE

    LOS DISEÑOS CONTROVERSIALES DE LOS PERSONAJES FEMENINOS EN ONE PIECE

    One Piece se caracteriza por un estilo caricaturesco y bastante exagerado.Es parte de su esencia: desde cuerpos aparentemente normales, hasta personajes que son gigantes, otros pequeños y algunos bastante raros, como tener el cuello demasiado largo o las piernas ser más largas que el torso.Y, a pesar de eso, hay una queja dentro del fandom de One Piece respecto a los cuerpos de los personajes femeninos.

    Pero este tema controversial no estuvo presente desde el principio de la obra, ya que en los primeros arcos de One Piece, antes del Time Skip (salto temporal de dos años en la historia), los personajes como Nami, Robin y Vivi tenían cuerpos más adecuados, por así decirlo, pues, a pesar de ser delgadas, no estaban exageradas ni eran tan voluptuosas.Sin embargo, con el paso de los años, Eiichiro Oda cambió un poco su estilo de dibujo, el cual actualmente es muy reconocible, pero gran parte de los fans extrañan cómo se veían antes, y esta es la razón:

    A partir del Time Skip, la mayoría de los personajes femeninos atractivos de One Piece tienen casi el mismo tipo de cuerpo: cintura exageradamente estrecha y un tamaño de busto exageradamente grande. Esto da lugar a momentos de fanservice innecesario, mostrando estas partes del cuerpo en primer plano, lo que muchas veces incomoda al espectador, en especial al fandom femenino.

    Pero, siendo sincero, lo que agrava esta polémica no es tanto el cuerpo, sino la ropa que utilizan durante los arcos.A diferencia de los personajes masculinos, que usan ropa más adecuada para pelear o incluso para algo cotidiano, a personajes como Nami se les da un vestuario bastante revelador, mostrando sus grandes atributos no para mostrar que es un personaje atractivo, sino para verla desde un lado más sexualizado, pues muchas veces se le da ropa tan reveladora que parece no llevar ropa interior.Pero no se queda ahí. Aunque parezca un problema exclusivo de personajes mayores de edad, la verdad es que no.Otro ejemplo controversial es Rebecca. En la obra se nos presenta como una guerrera y ex princesa del reino de Dressrosa. Ella tiene un pasado triste y, durante su adolescencia, sufrió, siendo un personaje con mucho potencial. Lamentablemente, se le vio reducida a su diseño, que destaca de manera negativa.A pesar de tener 16 años, es bastante sexualizada, ya que la ropa de gladiadora no le cubre mucho: la parte del busto apenas está cubierta por el top que usa y, en la parte de abajo, una tela apenas le tapa. De nuevo, pareciera que no trae ropa interior, lo que causa incomodidad al ver este diseño.

    En el manga, a pesar de que la obra sigue siendo exagerada y los diseños bastante cuestionables, todo se ve mucho más orgánico y, sin defender a Oda, resulta más digerible.Pues lo que mencioné anteriormente es más culpa del estudio de animación, Toei Animation, el cual llega a ser más desmesurado, agrandando ciertas partes del cuerpo y animando ángulos que en el manga no existen.

    A todo esto, es uno de los puntos más criticados de la obra y, aunque muchas veces puede resultar incómodo o incluso repugnante, eso no le quita lo grandioso a esta historia.Considero que debemos aprender a ver más allá del diseño y juzgar a los personajes por lo que son, y no por su manera de vestir o su físico.No digo que haya que dejar de criticar estos aspectos, porque, aunque sea ficción, muchas veces este tipo de situaciones se ven normalizadas en la realidad, lamentablemente.Que se sepa que los personajes femeninos de One Piece son más que un cuerpo y que también tienen sus propios sueños, al igual que los personajes masculinos.

  • Mi primera vez con… Hombre de bien

    Mi primera vez con… Hombre de bien

    Esta canción es muy especial, ya que me la dedicó una persona que amo mucho, pero por cosas de la vida no estamos juntos.

    Así que esta semana decidí darle la oportunidad y escuchar Hombre de bien de Nsqk, uno de sus cantantes favoritos de esa persona.

    Perdido

    Un hombre perdido de si mismo, así es como inicia la canción, después de perder a una persona, el queda aún mas perdido que nunca.

    Cuenta que eligió un mal camino, ya no se conoce, aunque sabe que nunca ha sido bueno

    Esta perdido y lejos de ser el hombre que era con su pareja, que tal vez no era perfecto pero intento serlo

    Habla de su ex pareja como si aun la amara ya que no le gusta verla triste, ¿por que… a quien le gusta ver triste a la persona que ama?

    Primera vez

    La idea de amarse como la primera vez, como debió de ser desde un inicio, un nuevo comienzo podría hacer que el deje de sentirse perdido.

    Como en su época dorada de su relación, cuando todo se sentía bonito, como un pequeño rayo de luz en un día nublado.

    Después de esa ruptura todo se vuelve memoria, ya nada es real y solo le quedan los recuerdos de ese lindo amor, que prometía mucho.

    Pero sigue pensando en ella, no se la puede sacar de la cabeza, en el fondo quiere que vuelvan a ser como esa primera vez y deje de estar perdido para reencontrarse con ella

    En definitiva, mi primera vez con… Hombre de bien de Nsqk fue una experiencia muy real, escuchar la canción es agradable

    Me llego el sentimiento que transmite al contar que se siente perdido desde que ella no esta junto a el

    Tal vez aunque no le ayudaba, le daba fuerzas para seguir o simplemente se esforzaba por ella

    En mi opinión eso no es bueno ya que el mismo debe de encontrar al hombre de bien que esta perdido, por bien de el.

    Tal vez ya la hallas escuchado o tal vez como yo no la hallas escuchado, te hago la invitación a que la escuches

    No tiene mucho que se lanzo fue hace 10 días, saques tus propias conclusiones y vivas la emoción que transmite.

    Así acaba mi primera vez con… Hombre de bien, la siguiente semana será el turno de otra canción que escuche por primera vez, ¿De donde saldrá la siguiente canción?

  • La inmortalidad y el tormento invisible de Wolverine.

    La inmortalidad y el tormento invisible de Wolverine.

    Wolverine o como otros también lo conocen como Logan es un superhéroe con una sorprendente fuerza bruta que gracias a esto tiene la capacidad que otros no de resistir el dolor y no es presa fácil de la muerte.

    Origen

    En la historia este personaje nace a finales el siglo XIX en Canadá, como un niño el cual era de cierta forma normal llamado James Howlett y de cierta forma frágil, el camino de Logan nunca estuvo trazado por la gloria, sino por el trauma.

    De ser un humano normal pasa a ser sometido al proyecto Weapon X, este era un proceso nuevo que estaban probando los militares, donde le inyectaban directamente a su sistema óseo “adamantium” el cual es el metal más duro de la tierra dándole las garras de hueso que después fueron de metal y la fuerza sobrehumana.

    Con estas nuevas características ya no solo lo utilizarían por su fuerza, sino que lo convirtieron en un arma perfecta de destrucción, pero ni el metal ni mucho menos el borrarle la memoria pudieron deshacer a esa esencia del hombre detrás de las garras de metal que ahora portaba.

    Más adelante en las películas, se muestra como para Logan el súperpoder de la regeneración y la inmortalidad jamás fueron algo de lo que él quisiera y usara con orgullo, al contrario, lo tomo como una condena, en específico la inmortalidad para logan se transformó en su tormento de cierta forma invisible.

    Pero porque fue así, bueno en las películas se explica al igual que en los comics, como es que Logan está atrapado en el tiempo prácticamente, fue obligado a parte de destruir enemigos a ver envejecer y morir a cada persona que para Logan eran especiales, acumulando al paso del tiempo un conjunto de dolor y emociones reprimidas.

    Para nosotros sus fans o admiradoras del personaje, nos puede resonar la historia de Logan porque de cierta forma representa también nuestras heridas que nos dejan una cicatriz de por vida, no solo vemos el súperpoder de que es invencible sino también la voluntad que refleja al seguir de pie aun cuando tiene conflictos internos sin resolver y aun así ayudar, proteger y empatizar con las demás personas a su alrededor.

    Su triste final.

    Finalmente, Wolverine o Logan en la película de 2017 terriblemente cede al envenenamiento por metal, pero ahora había encontrado un motivo para sobrevivir que no era la batalla, pero lamentablemente se sacrificó por Laura (X-23) que aparece siendo su hija, esto se da por querer proteger a la nueva generación de mutantes y que su hija de logan pueda vivir una vida diferente sin ataduras a diferencia de la de Logan.

    Logan muere sosteniendo la mano de su hija Laura y a su vez dan a entender que por primera vez en siglos de la vida de Wolverine, descansa tras haber experimentado el amor paternal y sentir la paz de ser salvado de su propia condena de la inmortalidad.

  • La migración, como el sueño que todos quieren.

    La migración, como el sueño que todos quieren.

    Realmente todos queremos salir de el país en el que nacimos, o solo nos vendieron la idea de que tú país está tan mal que lo mejor es que migres de este lugar y cumplas el “sueño americano”.

    El sueño americano, es llegar a una tierra prometida para obtener mejores oportunidades de vida, a pesar de lo que muchos creemos en la actualidad este surgió en Europa.

    Todo cuando los protestantes franceses vieron en el nuevo continente un lugar dónde refugiarse de las disputas religiosas de la época.

    Esto es lo contrario a lo que en mi opinión todos cresimos conociendo, el sueño americano históricamente tiene sus inicios entre los europeos.

    Halando de México es importante el entorno al sector agrícola, dijo Díaz de la Serna. La gente que trata de vivir del campo no tienen forma de competir contra las grandes compañías procesadoras de alimentos.

    Por ende, estás personas que viven a través de esto buscan otra forma de salir y si en el extranjero dan un mejor pago, puede ser que alguien de la familia decida migrar y mandar dinero mientras que los demás se quedan o prefieren que toda la familia migre junta.

    Sin embargo, pese a la perseverancia, de un país entero a aferrarse a una idea de mejorar, hay muchos que viven el fracaso de su intento: o atrapados y deportados, o mueren en el camino.

    Estados Unidos, se convirtió en esa esperanza de vida que muchos anhelaron o anhelan tener a costa de lo que sea. Siendo así ahora el país que alberga a nuevas generaciones capaces de discriminar a quienes siguen entrando al país de manera ilegal.

    En este caso y con todo lo que ha está pasando con ICE en los últimos años, la realidad es que el sueño americano ya no es una salida viable para salir, dejando de lado la caída del dólar y mucho menos si empezamos a hablar sobre la descripción y racismo que presenta el país.

    Entonces ¿realmente el sueño americano es algo que queremos?

    No podría estar segura de esta respuesta, pero la realidad es que México es un país que todos quieren por la gran amabilidad de las personas, carisma y diversidad de cultura que tiene, entonces en mi opinión la idea de buscar la migración por un sueño solo es una idea que ya tenemos demasiado arraigada y no que realmente se quiera.

    La realidad es que cada quien puede buscar el sueño americano según sus circunstancias y necesidades.

    Pero aquí podemos ver qué realmnte nunca fue lo que nos contaron y simplemente fue una ideología que a Estados Unidos como país le beneficia, pero a no nosotros como migrantes simplemente nos vende esperanza de mejorar, que aveces solo se queda en eso y no hay ningún cambio masivo.

  • La televisión mexicana y los agresores en sus programas

    La televisión mexicana y los agresores en sus programas

    Los reality shows mexicanos ya no reclutan participantes: reclutan agresores.

    Desde el año pasado, la tele mexicana descubrió su fórmula favorita: meter a un hombre señalado por violencia contra mujeres a un reality, ponerle luz bonita y esperar a que el público lo adopte como “el bueno de la casa”. La Casa de los Famosos México (temporadas 3 y 4), La Granja VIP y La Mansión VIP han hecho de esto una línea editorial. Adrián Di Monte carga siete carpetas de investigación por violencia de género en la Fiscalía de CDMX. Eleazar Gómez estuvo preso por violencia familiar equiparada. Naim Darrechi acumula denuncias, una orden de captura vigente en España y una carpeta abierta por discriminación. Masad Al-Tamimi tiene dos denuncias de exparejas, una con medidas de protección. Cuatro nombres, cuatro producciones, un mismo manual: dales cámara, edítalos como payasitos entrañables y que la audiencia haga el resto.

    Y el resto lo hacen las FIONAS: Fulanas Imponiendo Opiniones Normalizando Agresiones, séquito que los defiende con el corazón (y sin argumentos) mientras el montaje los presenta como niños indefensos, graciosos, “incomprendidos”. Ni carisma, ni talento, ni personalidad, y de belleza ni hablamos: Masad con esa cara de cirugías en Uncanny Valley no da para tanto ampáyer. Pero ahí está la producción, sosteniéndolos como si fueran el activo más valioso del programa.

    Mientras tanto, a las mujeres del elenco se les cobra cada gesto de dignidad. Ninel Conde y Dalila Polanco, criticadas por no seguir el guion del “romance” en LCDLFMX3. Karina Torres y Brianda Deyanara, señaladas por poner límites ante comentarios clasistas y machistas, como los que Masad soltó contra “Ese” Pérez y contra la propia Karina. Ellas se defienden y son “conflictivas”; ellos agreden y son “personajes queribles”. Esa asimetría no es casualidad, es diseño de producción.

    Lo peligroso no es solo que estos hombres estén en pantalla: es que cada semana la tele les regala una idealización que ninguna denuncia, ninguna carpeta abierta, logra opacar. Se sigue premiando el morbo sobre la memoria de quienes los señalaron. Y no, esto no es cuestión de “opiniones personales” del público: es una maquinaria mediática entrenándonos, entrega tras entrega, para aplaudirle a un violentador antes que a la mujer que se atrevió a hablar.

  • Coyote vs ACME: Cuando correr ya no es suficiente.

    Coyote vs ACME: Cuando correr ya no es suficiente.

    Hoy en hablemos de cine les traemos la recomendación de la cinta “Coyote vs Acme” en donde durante años hemos visto al Coyote perseguir al Correcaminos con todo tipo de inventos de “ACME” cohetes, patines, trampas, explosivos y máquinas que casi siempre terminaban jugándole en contra, pero ¿Qué pasaría si, después de tantos fracasos, el Coyote decidiera dejar de perseguir al Correcaminos y llevar a ACME ante la justicia? Esa es precisamente la premisa de “Coyote vs Acme”, una comedia que convierte uno de los conflictos más conocidos de los Looney Tunes en una inesperada batalla legal.

    La película llegó a los cines el 28 de agosto de 2026 y tiene una duración aproximada de una hora con 41 minutos, está dirigida por Dave Green y combina acción real con animación para reunir a personajes clásicos de los “Looney Tunes” con actores de carne y hueso, la historia parte de una idea tan sencilla como divertida, después de años de sufrir las consecuencias de los productos de ACME, Coyote decide que ya es suficiente, en lugar de volver a intentar atrapar al Correcaminos, busca la ayuda de Kevin Avery, un abogado con mala suerte interpretado por Will Forte, para enfrentarse legalmente a la compañía responsable de todas aquellas trampas que tantas veces terminaron en desastre.

    Del otro lado está Buddy Crane, interpretado por John Cena, un abogado que representa a ACME y que se convierte en el principal obstáculo para que el Coyote pueda llevar adelante su demanda, también participa Lana Condor como Paige Avery, además de otros personajes interpretados por Tone Bell, Byrne, Martha Kelly y Luis Guzmán, pero uno de los mayores atractivos de Coyote vs. Acme es precisamente la manera en que mezcla dos mundos, por un lado tenemos a los personajes animados que conocemos desde hace décadas y por otro lado, un mundo de abogados, tribunales y corporaciones, el resultado es una película que toma el humor absurdo de los “Looney Tunes” y lo coloca dentro de una historia que en apariencia, pertenece a un género completamente diferente.

    Y aunque la idea puede parecer simplemente una broma extendida de los dibujos animados, la película encuentra una oportunidad para hablar de algo bastante interesante ¿Qué ocurre cuando una empresa parece tener siempre la respuesta para solucionar nuestros problemas, pero sus productos terminan provocando todavía más dificultades? El conflicto entre el Coyote y ACME funciona así como una exagerada representación de una lucha entre un individuo y una enorme corporación, también hay algo particularmente especial en ver al Coyote como protagonista de una historia en la que finalmente tiene la oportunidad de defenderse, durante décadas ha sido el personaje que pierde una y otra vez, el Correcaminos siempre escapa y el Coyote termina cayendo por un precipicio, explotando o siendo víctima de su propio invento, aquí, en cambio, la historia parte de la posibilidad de que ese personaje que siempre hemos visto fracasar finalmente tenga la oportunidad de ganar.

    La película, además, tiene una historia detrás de cámaras casi tan curiosa como la que ocurre en pantalla y aunque fue producida y grabada años antes, “Warner Bros”, decidió archivarla en 2023, en una decisión relacionada con una deducción fiscal, después de la reacción negativa del público y de varios intentos de encontrarle un nuevo distribuidor, “Ketchup Entertainment” adquirió los derechos y permitió que finalmente llegara a los cines. Y quizá por eso existe una razón adicional para verla, Coyote vs. Acme terminó convirtiéndose en una película que tuvo que luchar por llegar a las salas casi de la misma manera que su protagonista lucha por conseguir justicia, su recorrido hasta el estreno hizo que dejara de ser solamente una nueva película de “Looney Tunes” y se convirtiera también en un ejemplo de cómo una producción que parecía destinada a desaparecer puede encontrar una segunda oportunidad.

    Visualmente, la combinación de animación y acción real es otro de sus puntos fuertes, la película permite que personajes como el Coyote, el Correcaminos y otros Looney Tunes compartan espacio con actores reales, conservando parte de la personalidad exagerada y el humor físico que caracteriza a estos personajes, por eso, Coyote vs. Acme puede ser una opción especialmente atractiva para quienes crecieron viendo Looney Tunes, pero también para quienes buscan una comedia ligera y diferente, no hace falta conocer cada episodio del Coyote y el Correcaminos para entender la historia, la película toma una situación que prácticamente todos conocemos y la transforma en algo nuevo.

    Más allá de la nostalgia, su mayor encanto está en una pregunta que resulta imposible no hacerse ¿Qué pasaría si el personaje que siempre pierde finalmente decidiera dejar de correr detrás de su enemigo y comenzara a luchar por sí mismo? Quizá esa sea la mejor manera de acercarse a Coyote vs. Acme, como una historia sobre segundas oportunidades, contada a través de uno de los personajes más desafortunados de la animación, porque después de tantas caídas, explosiones y trampas fallidas, el Coyote finalmente tiene algo que nunca había tenido, la oportunidad de demostrar que quizá no era él quien estaba destinado a perder, por eso esta semana hemos elegido recomendar una nueva cinta cinematográfica distinta a lo de siempre,

  • LA PARKA Y EL ARTE DE HACER SONREÍR A LA MUERTE

    LA PARKA Y EL ARTE DE HACER SONREÍR A LA MUERTE

    Jesús Cristóbal Escoboza Huerta, conocido universalmente como La Parka, nació el 4 de enero de 1996 en Hermosillo Sonora en el seno de una familia de escasos recursos, motivo por el cuál solo cursó el nivel básico de estudios y se desempeñó en diferentes oficios informales.

    A pesar de trabajar desde muy chico, siempre mantuvo una pasión por el deporte, antes de la lucha libre practicó béisbol y fútbol americano, deportes que le ayudaron a desarrollar resistencia física y un físico atlético.

    A mediados de la década de 1980 comenzó a asistir a gimnasios locales de boxeo y lucha libre en Sonora, fue ahí donde conoció a entrenadores del circuito como Resplandor quien lo introdujo al mundo de la lucha.

    Empezó a combinar sus turnos de trabajo diurnos con entrenamientos nocturnos hasta que debutó a finales de los años 80 en arenas locales del norte del país bajo el nombre de Bello Submarino.

    El cuál cambiaría a Karis la Momia personaje con el cuál lograría llamar la atención de Triple AAA, empresa que en 1996 después de disputas legales por los derechos de autor con el luchador original de La Parka le daría el personaje icónico a Jesús convirtiéndolo en la Nueva Parka.

    Aunque al principio existió escepticismo por reemplazar al luchador original, Chuy como lo conocían en los vestidores logró reinventar el personaje transformado la figura del “esqueleto” de un personaje oscuro a una figura familiar, cómica y alegre sumamente querida por los niños, su clásica entrada junto a la canción Thriller de Michael Jackson se convirtió en su sello y uno de los momentos más esperados por la afición.

    La Parka se convirtió en la cara principal de Triple AAA durante la época de mayor expansión televisiva de la empresa, en la cual cosechó grandes victorias como el Rey de Reyes en cinco ocasiones (2001, 2003, 2005 y 2007), logró desenmascarar al Cibernético en Triplemania XII siendo esta una de sus luchas más recordadas.

    Gravedad y Permanencia

    En 2010 durante la Triplemania XVIII se dio la histórica rivalidad con Adolfo Tapia el luchador original del personaje, con el que tuvo una lucha por el nombre, la cuál después de un sangriento y extenso combate Chuy salió con la victoria y conservó el personaje al cual le brindó su alma y vida.

    El 20 de octubre de 2020 durante una función en la Arena Coliseo de Monterrey, sufrió un grave accidente al realizar un tope suicida hacia fuera del cuadrilátero, golpeando su cabeza contra la barandilla de protección y el piso lo que provocó una fractura en las vértebras cervicales y la pérdida de la movilidad.

    Tras ser intervenido quirúrgicamente y pasar varios meses en cuidados intensivos, falleció el 11 de enero de 2020 en su natal Hermosillo a causa de una falla renal y pulmonar derivada de las complicaciones de la lesión, a los 54 años de edad.

    La Parka trasciende los campeonatos o las llaves técnicas; su valor radicó en su capacidad para conectar con el público infantil y popularizar la lucha libre en la cultura de masas mexicana durante los años 2000.

    Fue inducido al Salón de la Fama de AAA en 2020 y su figura permanece como uno de los máximos referentes del pancracio nacional.

  • ULTIMATE SPIDER-MAN: Nunca es tarde para alcanzar tu destino

    ULTIMATE SPIDER-MAN: Nunca es tarde para alcanzar tu destino

    ¿Alguna vez has sentido que tu vida no es como debería ser?

    ¿Qué te falta algo? ¿Qué hay algo más esperandote ahí afuera, en algún lado?

    ¿Has sentido que tienes una responsabilidad, pero no el poder para llevarla a cabo?

    Bueno, pues hay alguien que sí: Peter Parker. Pero espera, este no es el Peter que tú y yo conocemos.

    No es el pobre veinteañero, sin familia, amigos y tan jodido que apenas puede llegar a final de mes que Marvel comics ha tratado de vendernos desde hace años.

    Este es un hombre realizado, con un trabajo estable, casado con la mujer de su vida y 2 hermosos hijos, y pese a que también sufrió pérdidas importantes, tiene la vida prácticamente resuelta.

    Pero siente que algo le falta, siente que fue hecho para algo más, pero no sabe que. Si, este Peter Parker nunca fue mordido por esa araña radioactiva. Vivió su vida entera sabiendo de la responsabilidad, pero sin conocer el poder.

    Una noche cualquiera, un mensaje le llega, y Tony Stark la verdad le revela: Le arrebataron su destino. Él debía volverse uno de los más grandes héroes de la tierra, pero su propósito le fue arrebatado por un hombre que alteró no sólo su destino, sino el de muchos más en el mundo.

    Entre el refugio y el abismo

    Ante la oportunidad de recuperar lo que le fue robado, de hacer aquello para lo que nació, Peter duda. Pese a, literalmente tener su destino en la palma de su mano, duda de si mismo, de que realmente lo hará bien, que de verdad sea lo suyo.

    Ante este dilema, Peter acude a las dos personas más importantes en su vida, su esposa, Mary Jane, y su tío Ben, quien en esta realidad está vivo. Por la naturaleza del suceso no puede contarles la verdad aun, pero aun así, ambos tratan de aconsejarlo como pueden, y lo ayudan a reafirmar la única opción posible: Que dé el paso.

    Como muchos de nosotros alguna vez hemos sentido, Peter sabía que podía hacer más, que tenía el potencial de hacer grandes cosas, que le debía sus dones al mundo. A veces, aunque la oportunidad se presente justo frente a nosotros, muchos titubeamos, tememos de lo que pueda pasar después, tememos equivocarnos, que eso no sea en verdad lo nuestro.

    Ante la incertidumbre, y como reflexión final, mi querido lector, cito las palabras de Ben Parker y Mary Jane Wattson, esperando que te ayuden y puedas ayudar a otros con ello.

    Esperando que, cuando des el paso, independientemente de lo que suceda después, tengas siempre presente que nadie tiene el control de tu destino, nadie más que TÚ

    “No desperdicies tu vida esperando a que algo ocurra. Haz que ocurra. Si andas como sonámbulo… anestesiado por tu propia vida… Entonces despierta”. “Hazte cargo, tigre”.

  • OBI-WAN KENOBI Y EL RESGUARDO DE LA PAZ EN LA SOMBRA

    OBI-WAN KENOBI Y EL RESGUARDO DE LA PAZ EN LA SOMBRA

    En la narrativa de Star Wars, resulta muy fácil proyectarse en Anakin Skywalker, su tragedia es visceral, impulsiva y profundamente humana.

    Pero a menudo se pasa por alto que Obi-Wan tampoco era un extraño al dolor. Tras la herida de ver caer a su maestro en combate, enfrentó de nuevo la devastación con la muerte de la duquesa Satine Kryze.

    Ella representó ese gran amor estrictamente prohibido por los Jedi; una pérdida atroz que sepultó para siempre la posibilidad de una vida distinta 

    La diferencia crucial entre maestro y aprendiz no radicó en la magnitud de sus heridas, mientras Anakin sucumbió a la desesperación de intentar controlar el universo para evitar lo inevitable, Obi-Wan cargó con el luto sin permitir que se convirtiera en veneno.

    La Orden Jedi albergaba una contradicción de origen: exigía la renuncia al apego y al dolor, pero enviaba a sus miembros a presenciar las atrocidades de la guerra.

    Anakin terminó por estallar en esa grieta que el dogmatismo Jedi pretendió ignorar. El enfrentamiento en Mustafar no fue un duelo honorable, sino una carnicería entre dos hermanos.

    Una tempestad de furia, fuego y chispas de plasma donde agonizó la luz y nació Darth Vader, el villano más temido de toda la galaxia. Entre los alaridos de traición y los ríos de lava ardiendo, Obi-Wan no obtuvo ninguna victoria.

    Solo contempló cómo el infierno devoraba a su amigo para engendrar al monstruo, dejándolo sepultado bajo el peso desgarrador de haber perdido a un hermano. En sus propias palabras:

    ¡Tú eras el elegido! El que destruiría a los sith y traería el equilibrio a la fuerza, no el que se uniría a ellos. Eras mi hermano, Anakin. Yo te quería.

    Ahí es donde el personaje adquiere una dimensión profundamente humana. El desierto de Tatooine fue el laboratorio silencioso donde transmutó la culpa, la soledad y los fantasmas del pasado en una vigilancia llena de propósito, aprendiendo a sostener la oscuridad propia sin derramarla sobre los demás.

    La lección final de Kenobi trasciende el mito heroico y nos confronta directamente pues todos albergamos una cicatriz y una tentación de enorme venganza contra el mundo.

    Ser Obi-Wan Kenobi significa ejercer la disciplina diaria de convertir la propia sombra en un espacio de protección, negándose, hasta el último aliento, a que la tragedia personal sea la razón de alguien más para sufrir.